Schubert : Drei Klavierstücke / Rachmaninov : Neuf Études-Tableaux, op. 39

Alain Lefèvre, piano
Analekta AN 2 9278 (75 min 2 s)
**** $$$

Alain Lefèvre habite avec intensité le redoutable opus 39 de Rachmaninov, trois quarts d’heure d’émotion communicative. Il manque cependant des couleurs et des ailes à son interprétation. Le pianiste a voulu, dit-il, privilégier l’aspect « tableaux » plutôt que le côté « études » de ces compositions, mais il y fait régner une atmosphère trop uniment sombre pour rendre la variété des climats, l’« histoire » que raconte chacune de ces neuf pièces. La pâte sonore dégagée à fond de clavier, sans tricherie, ne libère pas les divers plans où s’entrecroisent chant, contre-chant et accompagnement, tandis que les tempos, plutôt lents, ne maintiennent pas toujours l’intérêt, en particulier dans les numéros cinq et sept. Un peu plus d’allant et de pianisme ludique aurait été tout à fait approprié ici ! Les magnifiques Trois Pièces posthumes D. 496 de Schubert souffrent de la même pesanteur à la fois émotive et digitale et en deviennent brahmsiennes avant la lettre. L’omission de l’épisode andante dans le premier morceau est regrettable : il contribue à équilibrer la véhémence du thème principal, même si Schubert l’a biffé sur le manuscrit.

-Alexandre Lazaridès

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Forqueray : Pièces de clavecin

Blandine Rannou, clavecin
Zig-Zag ZZT080301.2
***** $$$$ (2 CD : 159 min)

Du violiste virtuose Antoine Forqueray, il ne reste hélas que vingt-neuf pièces, auxquelles s’ajoutent les trois que composa son fils dans un style très semblable. Pour être réduit, l’ensemble n’en constitue pas moins un des sommets de la musique baroque française. Dans le registre tendre comme dans l’expression des sentiments les plus fougueux, tout porte ici la marque du génie le plus sublime et le plus singulier. Quasi injouables à la viole tant elles sont difficiles, ces œuvres furent aussi proposées par Forqueray fils dans d’admirables transcriptions pour le clavecin qui exploitent à fond le registre grave de l’instrument. Reconnue pour son toucher sensible, Blandine Rannou se montre l’interprète idéale de ce répertoire. Certes, à trop vouloir émouvoir, il lui arrive d’oser des tempos d’une lenteur discutable : la Mandoline manque de rebond et d’humour, le Carillon de Passy paraît sonner le glas et la Sylva se fige quand elle devrait couler tendrement. Mais pour ces quelques déceptions, que de merveilles ! Quel sens du théâtre ! Totalement engagée, la claveciniste s’illustre particulièrement dans les pièces les plus spectaculaires, rendant très bien le caractère à la fois noble et emporté de la Jupiter ou de la Portugaise, mieux que ne l’avait fait naguère Christophe Rousset, handicapé par un instrument sans éclat. En attendant une intégrale satisfaisante à la viole, voici donc un disque passionnant, qui pourrait bien faire aimer le clavecin aux plus réticents.

-Philippe Gervais

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Mademoiselle: Nadia Boulanger

A film by Bruno Monsaingeon
Ideale Audience International DVD5DM41 (79 min, B&W)
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Nadia Boulanger (1887-1979) is arguably the most celebrated teacher of composition - and certainly the best known – of the 20^th century. Her list of students, running into the thousands, reads like the Who’s Who of classical music, among them Aaron Copland, Elliot Carter, Roger Sessions, Phillip Glass, Virgil Thompson, Ned Rorem, Marc Blitzstein, Thea Mugrave, and Leonard Bernstein – although in the film, Bernstein claims he never had formal studies with her. Boulanger’s influence on the development of 20^th-century classical music was profound, though with the rise of serialism in the 1950’s, her adherence to tonal style was considered passé. This documentary was made in 1977 by filmmaker Bruno Monsaingeon, when Boulanger was already 90. It was Monsaingeon’s first film, and he has since gone on to make numerous important documentaries on musicians the likes of Menuhin, Gould, Richter, Perahia, Oistrakh, Tortelier and Fischer-Dieskau.

Titled Mademoiselle (as she liked to be addressed), Monsaingeon focuses entirely on Boulanger the teacher. Even at such a grand age, with her voice shaking and hands gnarled by age and arthritis, Boulanger remains in full possession of her faculties. She comes across as quite formidable but not unkind. The extended footage of her weekly composition lessons held in her salon, with dozens of students, famous and obscure, crammed into every nook and cranny, is fascinating. This footage is interspersed with interviews by Monsaingeon of Igor Markevitch, Bernstein, and Boulanger herself, where she goes into detail about her pedagogical style and her philosophy on music in general.

Astoundingly, in one of her group classes, she has her students sing the opening lines of Schumann’s “Davidsbünder”, with pianist Charles Fisk at the keyboard, all the while adding her pearls of wisdom. One also gets to see Bulgarian child prodigy Emile Naumoff demonstrating at the piano. Both students went on to significant performing, teaching and composing careers. The most poignant moment for me is not in the film, but rather in the accompanying booklet, wherein Bernstein recounts his last visit to the dying Boulanger. Gravely ill and in a coma, Boulanger miraculously responded to Bernstein and the two actually had a brief exchange that absolutely gives me the shivers. At 54 minutes, the film itself is lamentably short, so a performance of Mozart’s Prague Symphony conducted by Markevitch is tagged on, but for no good reason. The picture quality is vintage black and white, and the sound only so-so. Despite these limitations, Mademoiselle is an indispensable historical document and a must-see for students of music theory and composition.

-Joseph K. So

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Bach : Magnificat / Handel : Dixit dominus

Natalie Dessay; Karine Deshayes; Philippe Jaroussky; Toby Spence; Larent Naouri; Le Concert d'Astrée/Emmanuelle Haïm
Virgin Classics 00946395241 2 9 (56 min 6 s)
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Leur latinité, leur contemporanéité, une certaine construction en boucle, leur durée équivalente, la large part accordée aux chœurs, l'absence de récitatifs : tout cela justifie amplement la juxtaposition discographique de ces deux oratorios. Le Magnificat débute joyeusement, tel un concerto brandebourgeois, mais retrouve vite la solennité caractéristique des œuvres sacrées du cantor de Leipzig. Sans atteindre les sommets architectoniques de la Messe en si ou de la Passion selon saint Matthieu, le Magnificat renferme des moments de pure grâce, comme le Quia respexit, où soprano et hautbois entretiennent un dialogue mélodique délicieux – ah ! le hautbois chez Bach ! Œuvre de jeunesse, Dixit dominus déborde d'une vitalité contagieuse. Inspiré par le psaume, Haendel a su exploiter au mieux les effectifs vocaux et orchestraux utilisés. Ce disque est une belle réussite. Fondé en 2000 par Emmanuelle Haïm, Le Concert d'Astrée a connu une progression fulgurante et figure aujourd'hui parmi les meilleurs orchestres baroques. De l'excellente équipe de solistes ici réunis, se distingue le contre-ténor Philippe Jaroussky et sa voix céleste. En insérant le CD dans son ordi, on peut, via Internet, accéder au club de Virgin Classics et EMI et avoir droit à des exclusivités, de la musique en ligne et autres privilèges.

-Pierre Demers

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Carl Nielsen: Maskarade

Stephen Milling, Susanne Resmark, Niels Jørgen Riis, Johan Reuter, Ole Hedegaard, Poul Elming, Gisella Stille, Hanne Fischer, Sten Byriel, Anders Jabosson, Jakob Bloch Jespersen, Royal Danish Orchestra and Opera Choir/Michael Schønwandt
Stage Directors: Kasper Bech Holten and Morgan Alling
Video Director: Thorlief Hoppe
Dacapo 2110-407 (138 min)
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Get to know a Danish male of middle years and he will eventually let down the guard of self-deprecation and false modesty to confide on the subject of the absolute necessity of his country’s regional role: “Denmark exists to provide culture and polite refinement in what would otherwise be a jumble of barren rocky coastlines. The Norwegians are drunk most of the time and the Swedes devoid of any sense of humour. And if the other Scandinavians tend to neglect their women folk, the Danes can fix that too!” Asked for substantiation of these claims, the Dane will invariably reply, “We gave Carl Nielsen and Victor Borge to the world…” This element of subversive cheekiness is integral to Nielsen’s Maskarade in the general sense and very much to this production in particular.

The opera is set in 1723 and based on a simple story of forlorn love winning out in the end. Nielsen’s pre-Lenten frolic is brimful of marvelous music and song best delivered at a high rate of buffa. Stage director Kasper Bech Holten decided to override traditional staging to produce a modern-dress madcap spectacle. In doing so, much of the charm – and menace – of the text is wasted. References to, “Coachmen and horses; arranged marriage and thrashing the servants,” really lose any meaning in the context of a swinging-sixties setting without any vestige of class struggle. But with an enthusiastic cast and motivated audience, Holten gets away with it – up to a point.

The tone is set during the overture. A quartet of tumbling acrobats takes the stage in front of the curtain. Funny stuff, but not quite as amusing when they return in the third act to monopolize the dance numbers. The male leads, Leander (Nils Jørgen Riis), and his manservant, Hendrik (Johan Reuter), are duly propelled through the curtain which, when raised, reveals them to be pinned to the wall. Danes can sing well when vertically suspended (a ruse to present an overhead view of Leander’s sleeping chamber) and they go on to demonstrate equal facility while shaving and showering. The rest of Act I is just as unconventionally brilliant but this level of inspiration is not sustained. Act II is built on a bad idea and the final act is turned inside-out by Holten with too much time spent standing around gaping at acrobats. The director’s premise from the start was to have the characters wear the carnival masks (masks of probity?) all of the time. When they turn up for the pseudo-psychedelic ball in Act III, the masks are solemnly collected and the entire cast assumes the persona that they have dreamed of and are costumed accordingly. This development should permit Leander to identify his true love (as the girl selected by his family) forty minutes earlier than he does. It is by no means a bad performance but the opera is better than what we get here after the first act.

Michael Schønwandt directs a splendid account of the score. The musical performance is no doubt reinforced by the frequency with which video director Thorlief Hoppe drops into the pit for random shots of the players and conductor. The DVD offers worthwhile extra features and Dacapo provides first-class booklet notes.

More Nielsen from Dacapo: Admirers of the music of Carl Nielsen should also check out the economically priced Dacapo 3-DVD box of his symphonies performed by the Danish National Symphony Orchestra under Michael Schønwandt (2110403-05). The third disc contains The Light and Darkness: On Carl Nielsen’s Life and Music by Karl Aage Rasmussen. The documentary reveals the surprisingly turbulent life of this lovable composer and the astonishing extent of his works.

-Stephen Habington

Wagner: Tristan und Isolde

Nina Stemme, Robert Gambill, Katarina Karnéus, Bo Skovhus, René Pape, The Glyndebourne Chorus, London Philharmonic Orchestra/Jiřỉ Bělohlávek
Stage Director: Nikolaus Lenhoff
Video Director: Thomas Grimm
Opus Arte OA 0988 D (3 DVD : 238 min)
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Do you believe in magic? Can you venture into alchemy beyond the irrational idea that an herbal concoction can unleash suppressed emotions to entwine lovers in a deadly destiny? Are you ready for an enchanting illustration of the Schopenhauerian philosophy of, “Die to live,” as presented in the most extreme example of the musical language of Richard Wagner? If inclined to the affirmative on these points then you will absolutely need to have this DVD set of the August 2007 production of Tristan und Isolde from the Glyndebourne Festival. It is nothing less than a collective act of sorcery delivering a definitive performance and a paradigm of the divine craft exposing opera as the ultimate art.

Wagner on DVD has been arriving in waves. Just over a year ago, we were inundated with rival versions of Lohengrin and Tannhäuser. Late in 2007, DG released a 1983 Bayreuth production of Tristan und Isolde (00440 073 4321). Conducted by Daniel Barenboim, it set a new and elevated benchmark for the work. The Glyndebourne set eclipses all that preceded it - even taking into account the brilliant staging and design of Jean-Pierre Ponnelle in Bayreuth.

The wizard-in-chief for this mighty achievement is Nikolaus Lenhoff. He employs a single set to represent shipboard, courtyard and castle in succeeding acts. The scenery consists of an enormous, stepped vertical vortex (designer Roland Aeschlimann refers to it as, “A spiral nebula.”). Lenhoff dresses the stage in light for dramatic effect and in symbiosis with the music. The LPO is in razor-sharp form and Jiřỉ Bělohlávek establishes his Wagnerian credentials in the prelude. He proceeds through the score, which stretches tonality to the limit, with consummate skill. Hearing the orchestra at work makes one realize that only Wagner, musical genius and internationally recognized expert in blatant desire and the exploitation of human weakness could have created this opera. His conception of internalized drama and intimacy verging on eroticism generates a force to penetrate the subconscious when performed as well as it is here.

Tristan is a difficult opera to cast and Glyndebourne has been fortunate here. The American tenor, Robert Gambill studied for years in Germany and has decades of stage experience. With a fully developed heldentenor voice, his time has come to portray Tristan. Nina Stemme and Katarina Karnéus are sopranos from Sweden who take on the respective roles of Isolde and Brangäne with rare distinction. The ever-reliable darker voices of Bo Skovhus (Kurwenal) and René Pape (King Marke) complete the idiomatic circle of principal players. Exceptional though the vocals are the acting in such a high compression chamber is just as important. This is also a tribute to the stage direction but each of these artists has the gift of presence to bring the characters to life in front of us. Lenhoff’s wise decision to use traditional costumes contributes to defining the roles as well as providing a contrast with the abstract set.

This performance dispenses stage magic in generous proportion and enthralls throughout. It can be confidently recommended as a first choice for the work on DVD. Its surpassing quality would also make it a suitable entry point for collectors new to Wagner. The set runs to three discs but includes two hours of useful extra features including a fine documentary by Reiner E. Moritz entitled, Can I Hear the Light?.

Please let us have more Wagner from Glyndebourne!

Nina Stemme at Large: Nina Stemme can be heard opposite Plácido Domingo in the EMI audio recording of Tristan und Isolde. She is also on view as another, and more vulnerable eponymous heroine in a Barcelona production of Leoš Janáček’s Jenůfa (TDK DVWW-OPJENU). It is a stunning production and Stemme strikes sparks with her stage adversary played by Eva Marton. The drama is so intense that both shed tears on the platform. Watch this DVD and you will begin to understand why Janáćek is the most widely performed of all modern opera composers.

-Stephen Habington

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Vivaldi : Atenaide

Sandrine Piau et Vivica Genaux, sopranos; Guillemette Laurens et Romina Basso, mezzo-sopranos; Nathalie Stutzmann, contralto; Paul Agnew et Stefano Ferrari, ténors
Modo Antiquo/Federico Maria Sardelli
Naïve OP 30438 (3 CD: 239 min 55 s)
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L’enregistrement du répertoire des opéras de Vivaldi est une entreprise de la plus haute importance musicale. Chaque production nous amène des trésors de découvertes et de plaisirs. Cette récente parution d’Aténaide (créé en 1729) ne fait certainement pas exception à la règle. Les solistes sont parmi les meilleurs que la scène musicale baroque actuelle puisse offrir, et l’ensemble Modo Antiquo, un nouveau venu, révèle une palette de couleurs et d’intensités franchement impressionnante. Cet opéra où l’on rencontre une princesse et un empereur byzantins (Théodose II), un prince perse, un ministre perfide et un enchevêtrement complexe d’amours contrariées et de jalousies exacerbées, est rempli de numéros virtuoses à couper le souffle, d’airs mémorables et de musique créée essentiellement pour exalter la beauté de la voix humaine. Un autre joyau est ici ajouté à cette magnifique couronne qu’est la série des opéras de Vivaldi de la maison Naïve.

-Frédéric Cardin

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Prokofiev et Ravel : Concertos pour piano

Yundi Li, piano; Berlin Philharmoniker/Seiji Ozawa
Deutsche Grammophon 4776593 (51 min 4 s)
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Selon maestro Ozawa, l'art pianistique du jeune prodige chinois, Yundi Li, est un habile mélange de poésie et de technique. L'écoute du présent CD confirme ses dires. On pourrait même ajouter que le Prokofiev, par ses cadences difficiles et sa froideur même, souligne plus particulièrement la dimension technique irréprochable du pianiste, alors que le Ravel (surtout l'élégiaque adagio) fait ressortir davantage le côté poétique de son jeu. Mais Li n'est pas seul avec son clavier : il bénéficie du soutien exceptionnel d'un grand chef à la tête de l'un des meilleurs orchestres au monde, ce qui donne deux interprétations à ranger dans les sommets discographiques. Cette version du deuxième concerto de Prokofiev – œuvre peu enregistrée – se compare aisément à celle de Kun Woo Pak (Naxos 8.550566), autre pianiste qui marie étroitement l'émotion à la virtuosité. Quant à la version du Concerto en sol de Ravel, elle se rapproche de la référence absolue Argerich-Abbado sur Deutsche Grammophon.

-Pierre Demers

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Roma Triumphans

Studio de musique ancienne de Montréal/Christopher Jackson
Atma SACD22507 (61 min 34 s)
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Roma triumphans est un recueil de motets (mis à part un Gloria de Benevoli et un Offertoire de Giorgi) composés entre la fin de la Renaissance et la fin du baroque. Les premiers chantés a capella, les derniers accompagnés d’un continuo sobre et subtil (théorbe, violoncelle, orgue positif), ils ont été captés à l’Église de la Nativité de la Sainte-Vierge à La Prairie. L’acoustique offre une réverbération rendant la compréhension du texte un tantinet ardue, mais aussi une somptuosité telle qu’on tombe néanmoins sous le charme. Il faut dire que les troupes de Christopher Jackson maîtrisent parfaitement leur art et font honneur aux œuvres présentées.

-René Bricault

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Concertos de Glazounov et Tchaïkovski

Vadim Gluzman, violon; Bergen Philharmonic Orchestra/Andrew Litton
BIS 1432SA
SACD 70 min 58 s

Vadim Gluzman : « l’Art du violon », tout simplement

À l’heure où d’autres jeunes violonistes cherchent tous à se différencier par une sonorité étourdissante, des libertés d’interprétation déroutantes ou une technique désinspirée, Vadim Gluzman apparaît comme une pure et simple merveille… Pure et simple au sens où il n’use que d’une seule chose : l’art du violon, au sens le plus noble et le plus traditionnel du terme. Car Vadim Gluzman est le digne représentant de cette grande école russe juive du violon, celle d’Heifetz, Milstein, Oïstrakh ou Kogan. Écouter Vadim dans cet album Glazounov / Tchaïkovski vous ramène un peu au temps et aux manières « d’Odessa »… Le violoniste israélien a en effet cette chaleur, cette intensité, ce son puissant, noble et racé, tout en possédant une technique complète, variée et quasi inégalée de nos jours. Vadim Gluzman est un musicien brillant et des plus inspirés, de par l’équilibre qu’il trouve entre des interprétations fortes, opinées, personnelles, et une maîtrise technique imparable.

Dans cet album où il a eu l’excellente idée de réunir ces deux grands compositeurs russes, au travers de trois œuvres très différentes, Vadim en fait toute la démonstration : le Concerto de Tchaïkovski, pièce techniquement redoutable que seuls quelques « pirates » s’osent à enregistrer, sonne sous ses doigts avec une simplicité quasi déconcertante, ce qui lui permet d’en proposer une interprétation sensible, intense et brillante. Hasard de l’histoire et du destin, Vadim Gluzman joue le Stradivarius Auer, du nom du grand violoniste auquel Tchaïkovski avait dédié cette pièce; un violon dont la sonorité impressionne, de l’introduction de l’Allegro aux dernières notes envolées du Finale, en passant par des Cadenzas diaboliques de virtuosité. Sans perdre une seconde la dynamique de jeu, la puissance de son et la sensibilité qui le caractérise, Gluzman grave ici une des versions les plus impressionnantes, les plus enjouées, et les plus réfléchies, du Concerto de Tchaïkovski.

Un bonheur n’arrivant jamais seul, Vadim Gluzman et Andrew Litton ont eu la bonne idée de coupler ce Concerto avec celui de Glazounov, rarement joué sur scène et encore moins enregistré. « Cheval de bataille » de Leonid Kogan, cette œuvre est magnifiquement interprétée par le violoniste israélien, qui profite d’un accompagnement formidable, tout en nuances, en clarté et en profondeur sonore, du Bergen Philharmonic Orchestra. Concerto de contrastes, où coexistent de grands développements mélodiques et des passages virtuoses fébriles, l’œuvre de Glazounov trouve en Vadim Gluzman un interprète parfait…

N’oublions pas le Souvenir d’un lieu cher de Tchaïkovski et arrangé pour violon et orchestre par Glazounov, pièce courte mais empreinte d’une vaste palette d’émotions, où Vadim Gluzman nous transporte de la somptueuse et raffinée Méditation à une Mélodie non dénuée de nostalgie et de… souvenirs.

Un très grand bravo à Vadim Gluzman pour ces magnifiques interprétations : cet enregistrement, à n’en pas douter, restera dans les annales…

-Audrey Roncigli

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Sonates pour violon de Mendelssohn, Brahms, Debussy, Ysaÿe

Linus Roth, violon; José Gallardo, piano
EMI Classics 5870112
64 min 12 s

Chapeau bas, monsieur Roth !

« Wow… Wow… Wow… » : voilà les seuls mots que vous prononcez après avoir écouté le premier enregistrement de Linus Roth pour EMI, car cet album de sonates pour violon vous laisse, au sens propre du terme, « sans voix », tant par le professionnalisme, l’engagement et l’engouement que par l’immense talent des deux jeunes interprètes.

Linus Roth, jeune violoniste allemand né en 1977, élève de Salvatore Accardo, puis d’Anne Sophie Mutter jusqu’en 2003, est un soliste accompli sur les scènes européennes, salué par tous les critiques, dans un répertoire allant de Mozart à Berg en passant par Brahms ou Beethoven. Le retrouver ici, avec son Stradivarius Dancla de 1703, dans un programme de musique de chambre du XIX^e siècle, excite la curiosité; et à aucun moment, il ne déçoit. Tout au contraire !

Accompagné tout en nuances par le formidable pianiste argentin José Gallardo, Linus Roth propose la sublime Sonate en fa de Mendelssohn, où dès l’entrée en matière, il expose un son brillant et intense, une articulation précise, claire, et un phrasé tout en justesse et en expression. Soulignons un virtuose Assai Vivace relevé où, portée par un rythme endiablé, transparaît la merveilleuse complicité existant entre les deux interprètes.

Dans la Sonate n°2 de Brahms, on retiendra une interprétation nuancée, entre passion et tourment, de Linus Roth, un parfait équilibre de ton et une sonorité exceptionnelle dans les passages plus lents de l’œuvre, laissant s’épanouir un vibrato large et généreux des plus séduisants.

Un pur ravissement ensuite avec la – rarement enregistrée – Sonate de Debussy : on sent alors réellement s’exprimer toute la maturité, l’intelligence musicale et la sensibilité du violoniste allemand, dans cette pièce à mi-chemin de la modernité, tant dans ses rythmes que ses harmonies. Spiccati, legati, harmoniques, arpèges, gammes et envolées lyriques virtuoses, Linus Roth ne faiblit pas un instant et, faisant fi de l’aspect technique de la pièce, en donne une lecture impressionnante de clarté, de justesse de ton et de sentiments. De l’Allegro joyeusement nostalgique et jazzy au Finale quasi cynique, il maîtrise parfaitement la ligne mélodique et rythmique, mais jamais au détriment de l’interprétation fine et inspirée.

Cet album finit par un petit chef-d’œuvre d’interprétation, et je pèse mes mots : une Ballade d’Ysaÿe, comme on l’a rarement entendue. Énergie, fougue, nuances, sonorité et intensité, ajoutez-y un brin de folie, un archet virevoltant et interminable, des arpèges prodigieux de justesse et de rapidité… Linus Roth explose et exulte dans cette pièce du compositeur belge !

Jeunesse, talent, sensibilité, enthousiasme : un album à découvrir de toute urgence et sans aucune réserve, et un violoniste (plus que) prometteur à suivre absolument…

-Audrey Roncigli

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Bach : Le Clavier bien tempéré, Livre 2

Zhu Xiao-Mei, piano
Mirare MIR 044
2 CD: 133 min 10 s
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Dans les notes de programme données sous forme d’entrevue, la grande pianiste chinoise installée maintenant à Paris, déclare avoir voulu humaniser le Clavier bien tempéré, en montrer la sensibilité plutôt que l’architecture ou la rigueur mathématique, et elle pose comme exigence première à l’interprète de « savoir danser et chanter ». On peut dire que sa mission est accomplie, car rarement exécution du deuxième cahier aura-t-elle été aussi fluide et lyrique à la fois. Avec une dynamique subtile et une accentuation d’une grande souplesse, aidée aussi par un travail sur la pédale qui équivaut, selon son expression, à « un vrai toucher avec les pieds », Zhu Xiao-Mei réussit son pari non seulement pour les préludes qu’elle débarrasse de toute préoccupation virtuose ou technique, mais aussi avec les fugues qui trouvent sous ses doigts une musicalité de tous les instants; leurs sujets se transforment en mélodie et leur structure en continuité, toute barre de mesure semblant ici abolie. Les quarante-huit pièces se laissent écouter comme une suite et la fin de chacune d’elles arrive toujours en surprise. Une des très belles versions au piano de cet « Ancien Testament » de la musique. À quand donc le premier cahier ?

-Alexandre Lazaridès

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Arie di bravura

Diana Damrau, soprano
Le Cercle de l’Harmonie/Jérémie Rhorer
Virgin 00946395250 2 7 (67 min 36 s)
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Encore peu connue chez nous, la jeune soprano allemande Diana Damrau mène depuis quelques années une belle carrière sur les scènes européennes. Elle a souvent incarné la Reine de la Nuit, dont elle interprète ici les deux grands airs à la perfection, conciliant agilité et sens dramatique. Mais l’attrait principal de ce récital audacieux est ailleurs. La chanteuse, en effet, s’est prise d’intérêt pour le prolifique Salieri, après avoir tenu le rôle-titre d’un de ses opéras pour la réouverture de la Scala. Elle a donc mené des recherches sur celui que le film Amadeus a dépeint sous un jour bien trompeur, exhumant plusieurs arias qu’elle nous offre avec enthousiasme. Salieri paraît plus décoratif et moins profond que Mozart, certes, mais sa musique virtuose et colorée n’en a pas moins beaucoup de charme. Diana Damrau y fait preuve d’une aisance remarquable, tout au plus peut-on lui reprocher quelques aigus un peu crispés. Deux airs du méconnu Vincenzo Righini, compositeur bolognais qui œuvra dans l’entourage de Salieri, viennent compléter le programme de la plus belle façon. On retiendra cet Ombra dolente et pallide, andante à la manière de Gluck, où la voix dialogue avec le seul hautbois accompagné des bassons. Fondé en 2005, l’orchestre du Cercle de l’Harmonie, jouant sur instruments anciens, s’avère très prometteur, et on souhaite déjà l’entendre dans des opéras en intégrale.

-Philippe Gervais

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Moussorgski et Borodine

Tableaux d’une exposition, Symphonie No. 2 et Danses polovtsiennes
Berliner Philharmoniker/Simon Rattle
EMI 5099951758226
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La dernière parution sur CD du Philharmonique de Berlin et de son chef Simon Rattle est consacrée à la musique de Modeste Moussorgski et Alexandre Borodine, tous deux membres du Groupe des Cinq. Ce regroupement de compositeurs russes, (dont faisaient également partie Balakirev, Cui et Rimski-Korsakov) prônait une musique nationaliste et populaire, basée sur le folklore et complètement libérée de l’influence occidentale.

Le disque s’ouvre sur les fameux Tableaux d’une exposition, composés par Moussorgski en 1874 en hommage à son ami Viktor Hartmann, architecte et dessinateur russe. Une exposition est organisée à Saint-Pétersbourg à la mémoire de l’artiste trop tôt disparu. C’est à la suite de cette visite que Moussorgski se lance dans la composition d’une suite pour piano où les différents mouvements décrivent non seulement les œuvres exposées, mais également les réflexions du visiteur et même ses déplacements d’un tableau à l’autre. Rattle choisit la version orchestrée par Ravel, un chef-d’œuvre en soi, plein de couleurs et de raffinement. L’enregistrement regorge de qualités – passion, virtuosité, jeu d’ensemble – mais compte quelques défauts associés au fait qu’il s’agit d’une captation en direct. Le solo (Promenade) qui ouvre l’œuvre est joué par une trompette au son forcé et franchement déplaisant. Mais de manière générale, c’est une interprétation impressionnante, qui fait honneur à la Philharmonie de Berlin. Il faut absolument écouter le mouvement final, La Grande porte de Kiev.

Suit la Symphonie No. 2, la plus rare symphonie de Borodine, datant de 1876. Le compositeur, qui était aussi professeur de chimie, aura mis 7 ans à écrire ce qui devait s’avérer sa dernière symphonie achevée. L’œuvre en quatre mouvements, de facture assez classique et de caractère fort russe, aura une grande influence sur plusieurs compositeurs, notamment Rachmaninov. L’œuvre est magnifique, toute en mélodies glorieuses et en harmonies riches; elle gagnerait à être jouée plus souvent en concert. L’orchestre livre ici une interprétation fabuleuse; les bois sont légers, les cuivres musclés, les cordes puissantes et homogènes. Digne de mention, le solo de cor qui ouvre le troisième mouvement est d’une beauté à couper le souffle.

En complément de programme, et comme en rappel, nous sont offertes les riches Danses polovtsiennes de Borodine, tirées de l’opéra Prince Igor. L’œuvre regorge de mélodies envoûtantes qui permettent aux bois de l’orchestre de mettre leur virtuosité en valeur.

On s’étonne que cette musique soit une captation en direct, et encore plus que l’album, avec toutes les étapes d’enregistrement, de mixage, de production et de mise en marché que cela comporte, nous parvienne à peine un mois après l’enregistrement !

-Louis-Pierre Bergeron

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Röntgen: Right Through The Bone

Artists of the Royal Conservatory of Canada (ARC Ensemble)
RCA Red Seal (73 min 10 s)
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La musique de Julius Röntgen a été délaissée par l’histoire pour cause d’anachronisme : étrange combinaison de Brahms et de Debussy, elle se démarque par une parfaite maîtrise des qualités propres à chaque instrument. Nous écoutons ici la musique de chambre d’un excellent orchestrateur (ayant composé 24 symphonies, tout de même), où l’atmosphère règne en maîtresse. Par contre, son sens mélodique ne réussit pas à s’émanciper des lieux communs, voire d’une certaine facilité. Bref, voici des œuvres qui nécessitent un haut calibre d’exécution pour pouvoir « passer », et c’est heureusement le cas : l’ARC Ensemble du Conservatoire royal joue fort bien, et la prise de son honore les musiciens tout en envoûtant l’oreille.

-René Bricault

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Shostakovich: 24 Preludes & Fugues, opus 87

David Jalbert, piano
ATMA classique ACD2 2555
2 CD : 147 min 25 s
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Tatiana Nicolaeva chez Hyperion et Vladimir Ashkenazy chez Decca ont placé la barre haut pour l’interprétation de ce recueil que Chostakovitch a mis sous l’égide de Bach dont il s’inspire même par moments, puisque certains de ses thèmes font des clins d’œil à ceux du Clavier bien tempéré. Aucun des deux pianistes russes n’a pourtant réussi les quarante-huit pièces avec un bonheur égal, étant donné leur extrême variété de tons et d’atmosphère, pour ne rien dire de leurs grandes exigences techniques, quoique la personnalité des deux pianistes s’y affirme partout. David Jalbert, dans une nouvelle intégrale, privilégie l’aspect lyrique de ces compositions plutôt que leur structure, à la manière de Nicolaeva, ou leur densité rythmique, comme Ashkenazy. Il en résulte une interprétation d’une belle fluidité qui rend agréable le premier contact avec l’opus 87, mais dont l’inconvénient, à l’écoute suivie, est une certaine uniformité d’approche. Parfois aussi, le tempo choisi est trop lent pour maintenir le fil du discours, d’autant plus que l’inspiration de certaines pièces, préludes ou fugues, semble étirée.

-Alexandre Lazaridès

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Elliott Carter : String Quartets Nos. 1 and 5

Pacifica Quartet
Naxos 8.559362 (60 min 32 s)
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Pour célébrer le centenaire du doyen des grands compositeurs vivants, Naxos et le Pacifica Quartet lui offrent l’enregistrement intégral de ses quatuors à cordes, dont voici le premier volume. Plus de quatre décennies séparent l’historique No. 1 (1951) du No. 5 (1995) et les différences sont d’autant plus intéressantes que le Pacifica Quartet les souligne à merveille. La complexité polyphonique domine le No. 1 : non seulement les lignes mélodiques s’enchevêtrent-elles sans cesse, mais les mètres et les tempi évoluent d’alternances en simultanéités. Dès les premières notes du violoncelle solo, grasses et rauques à souhait, l’auditeur est convaincu du résultat général. Le No. 5 paie son tribut, tardivement, à Webern : dialectique son/silence, nombreux intervalles disjoints, techniques de jeu variées. On attend la suite avec une gourmande impatience…

-René Bricault

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Firenze 1616

Le Poème Harmonique/Vincent Dumestre
Alpha 120 (58 min 47)
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Dès la fin du XVIe siècle, Florence était « un laboratoire musical », où s’élaborait un chant aux accents plus réalistes, c’est-à-dire plus émouvants. Ainsi peut-on lire dans les excellentes notes de programme. Baptisé recitar ou parlar cantando, ce nouveau style, abondamment orné mais tout de même soumis au texte, se cherchait ailleurs une voie rhétorique différente, en particulier à Venise, avec Monteverdi, dont l’Orfeo (1607) devait marquer le triomphe incontestable de l’opéra européen. Le Florentin Domenico Belli avait repris en 1615 le même thème dans un Orfeo dolente où ne figure pas le personnage d’Eurydice, ce qui laissait toute la place à la quête vaine d’Orphée et à son imploration pathétique face à sa mère Calliope qui cherche à intercéder pour lui auprès de l’inflexible Pluton. Des ritournelles instrumentales et des chœurs, notamment celui des Grâces, diversifient une action confinée à l’impuissance humaine devant la mort. Une demi-douzaine de courtes compositions de Saracini et de Caccini permettent de suivre une évolution qui devait bientôt céder la place à d’autres préoccupations. Dumestre et son ensemble instrumental et vocal, ainsi que tous les solistes, sont impeccables.

-Alexandre Lazaridès

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Petite Suite Maritime (musique canadienne pour quintette à vent)

Quintette à vent Estria
Œuvres de Dela, MacDonald Gayfer, Buczynski, Papineau-Couture, Hétu
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Estria nous arrive avec un deuxième opus consacré aux débuts du quintette à vent au Canada. Des débuts très tardifs, qui remontent à l'année 1946. Le quintette à vent aura pourtant connu ses heures de gloire en Europe dès le début du dix-neuvième siècle, avec les contributions impressionnantes de Reicha et de Danzi. Puis, au début du vingtième siècle, nombre de compositeurs d’importance, tant européens qu’américains, élargissent son répertoire : Nielsen, Schoenberg, Hindemith, Barber et Milhaud, entre autres. Les quintettes présents sur ce nouveau CD sont rapidement tombés dans l’oubli, à l’exception peut-être de celui de Jacques Hétu, qui figure à l’occasion au programme des concerts de musique de chambre. Le quintette Estria accomplit donc un travail important en dépoussiérant cette musique d’ici, d’intérêt certes inégal, mais qui mérite qu’on s’y penche une nouvelle fois.

C’est au compositeur et pédagogue montréalais Maurice Dela (1919-1978) qu’on doit la première œuvre canadienne pour quintette à vent, la Petite suite maritime. Écrits en 1946 alors que Dela était étudiant de Claude Champagne au Conservatoire de musique de Montréal, les quatre mouvements de cette suite – Esquif, Mouettes, L’Île enchantée, Coquillages – s’avèrent, sans être des chefs-d’œuvre, d’habiles compositions où les mélodies un brin jazzy flottent sur un nuage d’accompagnement léger et effervescent. Voici une œuvre de jeunesse qui, par son ludisme et sa simplicité, rappelle Milhaud. L’œuvre gagnerait cependant à être jouée avec un peu plus d’énergie.

Les pièces suivantes sont celles de compositeurs torontois pratiquement inconnus au Québec, James MacDonald Gayfer et Walter Buczynski. Rien à mentionner du Gayfer : pour tout dire, il s’agit là d’une musiquette sans réel intérêt. Le Buczynski est une œuvre courte aux touches néoclassiques, nous rappelant quelque peu la Partita d’Irving Fine par sa vigueur rythmique, sa simplicité. La Fantaisie de Jean Papineau-Couture nous laisse entendre d’intéressantes expérimentations de timbre, exploitant les registres extrêmes des instruments. On a pourtant de la difficulté à s’attacher à cette œuvre austère aux rythmes insistants et martelés.

Avec son Quintette op.13, Jacques Hétu parvient à combiner habilement les techniques tonale, modale et sérielle et à créer un univers bouillonnant, dissonant, franchement étrange même. Estria montre de belles qualités de cohésion et de virtuosité, malgré la difficulté évidente de la partition.

Quelques réticences par rapport à la prise de son réalisée par les artisans d’Atma Classique : alors que les instruments aigus (flûte, clarinette, hautbois) sont très présents et même franchement irritants parfois, le cor et le basson sont distants et souvent perdus dans la masse sonore.

-Louis-Pierre Bergeron

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W.A. Mozart: Works for Violin and Orchestra

Julia Fischer (violin), Gordan Nikolić (viola, violin), Netherlands Chamber Orchestra/Yakov Kreisberg

Concertone for 2 Violins, Sinfonia Concertante for Violin and Viola, Rondo (K.373)

PentaTone OTC5186098 Hybrid SACD (63 min 35 s)
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Julia Fischer has previously recorded the violin concertos for PentaTone (5186 064 and 5186 064); it will come as no surprise to anyone acquainted with those fine discs that the present issue has a legitimate claim to being the best Mozart orchestral recording of the past year. It offers unadulterated Mozartiana in supreme measure. Kreisberg directs crisp, articulate accompaniment and the Netherlands Chamber Orchestra responds with remarkable spirit throughout the programme. Above all, the collaboration of Fischer and Nilolić in the Sinfonia Concertante produces a perfect balance between the two solo instruments. All too often in this music, the violinist can run away with the piece but Fischer demonstrates wisdom and forbearance in leaving her partner sufficient space.

Their playing is equally impressive in the Concertone with Nikolić on the second violin. Hans Meyer (oboe) and Herre-Jan Stegenga (cello) also make significant contributions to the piece. For the rondo, Julia Fischer performs her own cadenza. This is a splendid addition to the Fischer discography and exactly the right sort of music to take away the chill of a long Canadian winter.

That Man Nikolić: Gordan Nikolić was born in Serbia in 1968. He is currently the leader of the London Symphony Orchestra and the artistic director of the Netherlands Chamber Orchestra. He also holds professorships at the Royal College of Music and the Guildhall School of Music and teaches at the Rotterdam Academy for Classical Music. Gordan Nilolić has directed the Netherlands Chamber Orchestra in recordings of the music of Britten, Bartok and Hartmann (PTC 5186 056) and Haydn (PTC 5186 300). He performs on a Lorenzo Storioni violin dating from 1794.

-Stephen Habington

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Brahms: Symphonies Nos. 2 and 3

Pittsburgh Symphony Orchestra/Marek Janowski
PentaTone PTC 4186 308 Hybrid SACD
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We might just be within an ace of the finest Brahms symphony cycle of the digital era. Marek Janowski and the Pittsburgh Symphony commenced the series with impressive accounts of Symphony No 1 and the Haydn Variations. These live concert performances from November 2007 of Symphonies 2 and 3 confirm the partnership’s mastery of Brahms and elevate expectations for the Fourth, which should appear within a matter of months.

Marek Janowski’s contribution to the Pittsburgh conducting triumvirate (with Sir Andrew Davis and Yan Pascal Tortelier) appears to be a ‘back to basics’ approach to core repertory. It is easy to lose touch with the quality of an orchestra after an extended break in commercial recording activity. With the advent of this Brahms project, the PSO reveals itself again as a truly great ensemble. The stunning performances are enhanced by Direct Stream Digital engineering, which permits multi-channel surround playback. This mode provides one with the illusion of occupying the best seat in Heinz Hall.

In the Brahms symphonies, we are really spoiled for choice; the Abbado/Berlin Philharmonic cycle from the early 1990s (Deutsche Grammophon) continues to stand up very well. Just last year, Marin Alsop and the London Philharmonic completed a distinguished four-disc traversal of the symphonies and other orchestral works for Naxos. Janowski’s interpretations benefit from more finely developed rhythmic propulsion to achieve a sense of buoyancy in these densely packed scores. A decision may boil down to excellent Brahms on a budget (Alsop) versus definitive Brahms at more than twice the price (Janowski). But it is nice to have options. The PentaTone issue includes a current catalogue of the label’s inventory.

Janowski the Wanderer: Marek Janowski was born in Poland in 1939 but is by background, training and temperament a German conductor of traditional outlook. We are indeed fortunate that the maverick PentaTone label has taken him up by at an advanced stage in his career. In this respect, and others, it is apparent that he has much in common with the late Günter Wand, who would be Janowski’s senior by nearly three decades. Although Janowski is more traveled throughout Europe than Wand was, they have similar tastes when it comes to recording the repertory (Janowski has also released a Bruckner 9^th with the Orchestre de la Suisse Romande for PentaTone), as well as the rigour of their application to the scores. In 1991, Wand didn’t even rate an index entry in Norman Lebrecht’s survey of the conducting profession, The Maestro Myth. Neither did Janowski. At that time both were accomplished conductors, both had turned away from the opera house to concentrate on symphonic music, and each had made some notable recordings. By the end of the decade, Wand had secured a pre-eminent place among active conductors thanks, in large part, to the advocacy of RCA Victor. It would be a bonus for collectors if Janowski’s association with PentaTone lasts long enough to yield results of comparable magnitude.

-Stephen Habington

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Beethoven : Intégrale des symphonies

hr-Sinfonieorchester, Hugh Wolff
hrmj 039-07
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Le meilleur moyen de se plonger dans l’œuvre d’un compositeur et de pouvoir suivre son cheminement reste l’écoute d’une bonne intégrale. Dans le cas de Beethoven, probablement le compositeur le plus influent de l’histoire de la musique, une intégrale de ses neuf symphonies s’avère absolument indispensable; c’est le genre (avec les sonates pour piano) dans lequel son langage musical et expressif s’est le plus développé. Dans ses premières symphonies, on entend clairement l’influence des grands maîtres classiques, Haydn et Mozart, mais on peut déjà sentir une énergie colossale qui gronde et qui ne demande qu’à exploser. Alors Beethoven explore, élargit la forme, enrichit sa palette expressive de sonorités robustes et dissonantes. Dès sa troisième symphonie, et à chacune des suivantes, Beethoven réinvente le genre : introductions plus élaborées, remplacement du menuet traditionnel par des scherzos impétueux, musique à programme, utilisation de la voix; toutes des innovations apportées par Beethoven et qui contribuèrent à l’émergence du romantisme. Les symphonies de Beethoven eurent une influence énorme sur ses successeurs, notamment Schubert et Brahms.

La présente intégrale est digne d’intérêt et saura faire sa place parmi les grandes de la discographie (Philharmonique de Berlin/Karajan, Orchestre Révolutionnaire et Romantique/Gardiner, entre autres). Le chef américain Hugh Wolff a mis au service de la musique ses connaissances acquises en interprétation d’époque : on retrouve avec joie cors et trompettes naturels, petites timbales et cordes jouant avec un vibrato minimal. Ceci, sans rien enlever à l’expressivité de cette musique, en rehausse les timbres; voici certainement ce que Beethoven avait en tête lorsqu’il composait ses chefs d’œuvre. Les cuivres ont beau être éclatants (quels effets de bouché aux cors !), ils ne sont jamais écrasants. Ceci permet aux bois de jouer à l’aise sans crainte d’être perdus dans la masse sonore. Wolff fait ressortir le caractère si personnel de chacune des symphonies et tire de son orchestre une énergie impressionnante. Dans la 9^e symphonie (Hymne à la Joie), la seule à être captée devant public, les voix sont solides et justes; on ne perd rien du chœur.

Le livret inclus dans le coffret constitue une belle surprise. On y trouve quantité d’images d’archives, de portraits du compositeur et de textes informatifs : chaque symphonie est décortiquée et son contexte éclairci. On comprend donc mieux le cheminement de Beethoven. Seul regret : le texte n’est qu’en anglais et en allemand.

-Louis-Pierre Bergeron

Beethoven Symphonies Nos. 4 & 7

Deutsche Kammerphilharmonie Bremen; Paavo Järvi, dir.
Sony/BMG 88697129332 Hybrid SACD (69 min 23 s)
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"Järvi the Younger" kicked off his Beethoven symphony cycle with vivid, high impact recordings of Nos. 3 and 8 (RCA Red Seal 88697-13066-2). Therein, he nailed his colours to the mast: swift, sure, deft articulation and a special bag of tricks for the kettledrums (Järvi is a percussionist by trade). Grandeur and rugged good humour in the tradition of Furtwängler and Klemperer are not on board for the voyage. The present issue is cast in the same mold and brings a palpable hit and a near miss. Volume 1 earned high praise in some quarters for the originality of the interpretations. After exhaustive comparisons it can be reported that Järvi is not doing anything that Carl Schuricht and Hermann Scherchen (among others) weren’t doing fifty years ago. What Järvi has going for him is a first class chamber orchestra and a state-of-the-art Direct Stream Digital recording.

The Fourth Symphony fits the conductor’s concept hand-in-glove. It is a very convincing reading and an exciting listening experience. The Seventh is another matter. After the fireworks generated in his account of the Eroica, it really seems underplayed. The lack of grip may be due to patching from recording sessions two years apart and wholesale changes in orchestra personnel during the interval. In terms of other recent recordings, Paavo Järvi is outclassed by Stanislaw Skrowaczewski (Oehms), Sir Charles Mackerras (Hyperion) and Mikhail Pletnev (DG). One disc will neither make nor break a Beethoven symphony cycle but a weak Seventh is a serious obstacle to success. If SACD surround sound is an absolute necessity, a safer recommendation would be the continuing cycle from Osmo Vänskä and the Minnesota Orchestra (BIS).

FROM THE BEETHOVEN ARCHIVES:

Carl Schuricht and Hermann Scherchen defied the stereotype of the old-fashioned German conductor by infusing their performances with freshness and flexibility. Their recorded Beethoven traversals from the 1950s exemplify musical qualities normally associated with developments of recent decades. The CDs (5 disc boxes - mono):

-Schuricht: EMI CZS 7 62 910 2 - Orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire. The conductor really gets his Paris orchestra "punching above its weight" in this stirring set. It may be hard to find but still keeps its place in EMI European catalogues at bargain price.

-Scherchen: Archipel ARPCD 0201 - Vienna State Opera Orchestra/Royal Philharmonic Orchestra. Archipel re-issued the set in 2005 in a 24-bit re-mastering and virtually no documentation. Terrific performances at a modest price.

-Stephen Habington

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