La Scena Musicale

Saturday, April 12, 2008

Today's Birthdays in Music: April 12 (Caballé, Holst)

1907 - Imogen Holst, Richmond, England; conductor, composer

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Musical style

1933 - Montserrat Caballé, Barcelona, Spain; opera soprano

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Singing divas

BellinMontserrat Caballé sings "Casta Diva" from Bellini's Norma (Théâtre Antique d'Orange, 1974)

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Friday, April 11, 2008

Carl Nielsen: Maskarade

Stephen Milling, Susanne Resmark, Niels Jørgen Riis, Johan Reuter, Ole Hedegaard, Poul Elming, Gisella Stille, Hanne Fischer, Sten Byriel, Anders Jabosson, Jakob Bloch Jespersen, Royal Danish Orchestra and Opera Choir/Michael Schønwandt
Stage Directors: Kasper Bech Holten and Morgan Alling
Video Director: Thorlief Hoppe
Dacapo 2110-407 (138 min)
*** $$$

Get to know a Danish male of middle years and he will eventually let down the guard of self-deprecation and false modesty to confide on the subject of the absolute necessity of his country’s regional role: “Denmark exists to provide culture and polite refinement in what would otherwise be a jumble of barren rocky coastlines. The Norwegians are drunk most of the time and the Swedes devoid of any sense of humour. And if the other Scandinavians tend to neglect their women folk, the Danes can fix that too!” Asked for substantiation of these claims, the Dane will invariably reply, “We gave Carl Nielsen and Victor Borge to the world…” This element of subversive cheekiness is integral to Nielsen’s Maskarade in the general sense and very much to this production in particular.

The opera is set in 1723 and based on a simple story of forlorn love winning out in the end. Nielsen’s pre-Lenten frolic is brimful of marvelous music and song best delivered at a high rate of buffa. Stage director Kasper Bech Holten decided to override traditional staging to produce a modern-dress madcap spectacle. In doing so, much of the charm – and menace – of the text is wasted. References to, “Coachmen and horses; arranged marriage and thrashing the servants,” really lose any meaning in the context of a swinging-sixties setting without any vestige of class struggle. But with an enthusiastic cast and motivated audience, Holten gets away with it – up to a point.

The tone is set during the overture. A quartet of tumbling acrobats takes the stage in front of the curtain. Funny stuff, but not quite as amusing when they return in the third act to monopolize the dance numbers. The male leads, Leander (Nils Jørgen Riis), and his manservant, Hendrik (Johan Reuter), are duly propelled through the curtain which, when raised, reveals them to be pinned to the wall. Danes can sing well when vertically suspended (a ruse to present an overhead view of Leander’s sleeping chamber) and they go on to demonstrate equal facility while shaving and showering. The rest of Act I is just as unconventionally brilliant but this level of inspiration is not sustained. Act II is built on a bad idea and the final act is turned inside-out by Holten with too much time spent standing around gaping at acrobats. The director’s premise from the start was to have the characters wear the carnival masks (masks of probity?) all of the time. When they turn up for the pseudo-psychedelic ball in Act III, the masks are solemnly collected and the entire cast assumes the persona that they have dreamed of and are costumed accordingly. This development should permit Leander to identify his true love (as the girl selected by his family) forty minutes earlier than he does. It is by no means a bad performance but the opera is better than what we get here after the first act.

Michael Schønwandt directs a splendid account of the score. The musical performance is no doubt reinforced by the frequency with which video director Thorlief Hoppe drops into the pit for random shots of the players and conductor. The DVD offers worthwhile extra features and Dacapo provides first-class booklet notes.

More Nielsen from Dacapo: Admirers of the music of Carl Nielsen should also check out the economically priced Dacapo 3-DVD box of his symphonies performed by the Danish National Symphony Orchestra under Michael Schønwandt (2110403-05). The third disc contains The Light and Darkness: On Carl Nielsen’s Life and Music by Karl Aage Rasmussen. The documentary reveals the surprisingly turbulent life of this lovable composer and the astonishing extent of his works.

-Stephen Habington

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Today's Birthdays in Music: April 11 (Moll, Hallé)

1938 - Kurt Moll, Buir, near Köln, Germany; opera bass

Short bio

Kurt Moll sings "In Diesen Heil'gen Hallen" from Mozart's Die Zauberflöte (Metropolitan Opera, 1991)

1819 - Charles Hallé, Hagen, Germany; pianist, conductor (Hallé Orchestra)

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Hallé Orchestra: Short History
Hallé Orchestra: 150th anniv.

Rossini's William Tell Overture (conclusion) performed by the Hallé Orchestra, conducted by Mark Elder, at the Royal Albert Hall, London, 2004

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Thursday, April 10, 2008

A collection is not just for life

Doctors who receive a rush of middle-aged men presenting with breathing difficulties can trace the source to a full-page article in this morning's Guardian, reporting that an Oxfam charity shop in rural Devon has been given a prime collection of 4,000 classical LPs.

The total value is tentatively reckoned at £25,000 ($49,000) and items go on sale today priced from £1.99 to £150.

A windfall for the starving masses in Sudan? Relief for the suffering Palestinians? Gimme a break. Give your old clothes and knick-knacks to Oxfam if you like. This is a man's life being broken up, down in the knacker's yard of Tavistock.

Some poor soul had built up this collection with care, balancing the familiar with the esoteric, Furtwaengler's Beethoven with Stockhausen's Stimmung, Mozart from Bruno Walter and Machaut from whoever recorded it first in the 1950's or 1960s. This was a person of taste and discrimination whose aesthetic take on life is being scattered to the four corners of the earth.

For you can be sure that collectors will be on the 0915 out of Paddington and the 1130 from Berlin to scavenge what scraps they can in a vulture rush that is also a form of homage to the former owner. My late mate Richard Bebb used to hotfoot it off to Italy at the first rattle of a dying record collector, cheerfully spending £25,000 to preserve the integrity of the archive - which is to say, keeping the choice rarities for himself and selling on the rest at profit.

A collection, let's be clear, is not just for life. To many men - forgive me, this is not a feminine thing - a collection is life itself.

And in Devon a life has been extinguished. The manager of the Oxfam store 'had a phone call from a lady, after what I understand was a bereavement; she was ready to move on with her life...'

Widow or daughter, it hardly matters whom. Move on, dear, move on. C'est la vie. My condolences. I do understand (the hell I do...).

My wife, seeing me asphyxiate on a spoonful of muesli on reading this, dispensed sage advice. 'Sell up while you're alive, sweetie,' she said. 'I can't be responsible what happens after.'

What time's the next train to Tavistock?

Source: Artsjournal

Today's Birthdays in Music: April 10 (Bronfman, Alva)

1958 - Yefim Bronfman, Tashkent, Uzbekistan; pianist

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Short bio/discography
N.Y.Times, Dec. 2007

Yefim Bronfman plays the Tchaikovsky Piano Concerto (3rd Movement) at the Herkulessaal, Munich Residenz (conducted by Mariss Jansons)

1927 - Luigi Alva, Lima, Peru; opera tenor

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Interview 2001

Luigi Alva sings "Dalla sua pace" from Mozart's Don Giovanni (Aix-en-Provence, 1960)

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Wednesday, April 9, 2008

Richard Wagner : Tristan und Isolde

« Simulcast » du Metropolitan Opera House de New York
Le samedi 22 mars 2008, à 12 h 30
Distribution (en ordre d'apparition vocale) : Matthew Plenk (matelot), Deborah Voigt (Isolde), Michelle DeYoung (Brangäne), Eike Wilm Schultze (Kurwenal), Robert Dean Smith (Tristan), Stephen Gaertner (Melot), Matti Salminen (roi Marc), Mark Schonwalter (un berger), James Courtney (un timonier)
Production et mise en scène : Dieter Dorn
Décors et costumes : Jürgen Rose
Éclairages : Max Keller
Chœurs et Orchestre du Metropolitan Opera House de New York dirigés par James Levine

On se souviendra longtemps des déboires qu’a connus la reprise de la production Dieter Dorn de Tristan und Isolde au Met, en 2008. Les malheurs ont commencé avant même la première représentation, lorsque Ben Heppner, qui partageait l’affiche avec Deborah Voigt, annonça son retrait pour cause de maladie. Il fut remplacé au pied levé par son compatriote, le Canadien John Mac Master qui, toutefois, ne devait monter sur scène que pour être frappé d’aphonie et se voir contraint de s’en retirer, sous les huées, après seulement deux soirées. (M. Mac Master est un excellent chanteur qui ne mérite pas une telle ignominie. Espérons qu’il s’en remettra.) Puis vint l’Américain Gary Lehman, dont tout le monde reconnaît qu’il s’est magnifiquement acquitté de sa tâche, non toutefois sans un accident spectaculaire qui aurait pu mal tourner et, surtout, le ridicule de voir sa diva lui tourner le dos et le planter là, en plein duo d’amour. Le pauvre homme, que l’on avait apparemment négligé d’informer que Mme Voigt était souffrante et risquait de ne pas terminer la soirée, était tellement ahuri qu’il continua de chanter sa partie tant que joua l’orchestre, et ce même après qu’on eût baissé le rideau...

C’était le vendredi 14 mars. Huit jours plus tard, le 22, dans la matinée du simulcast, Mme Voigt avait apparemment repris du mieux, assez en tout cas pour affronter son quatrième Tristan. Pour l’occasion, la direction du Met avait jeté son dévolu non sur M. Lehman, mais sur Robert Dean Smith, un autre Américain, un jeune Heldentenor très apprécié en Europe, mais que la maison new-yorkaise avait plus ou moins boudé jusque-là.

Il n’a pas déçu. En dehors d’un physique d’employé de la voirie, « Bob Smith » est doté d’une jolie voix, aussi robuste et puissante que fraîche et jeune, et pas du tout « barytonisante ». Cette voix, après en avoir fait un étalage au premier acte, il a eu l’intelligence de la ménager au deuxième acte, ce qui lui a assuré un triomphe dans son monologue du troisième, alors qu’il réussissait à faire ressortir de grandes beautés de long passage qui, en salle, ne font d’ordinaire que distiller le plus mortel ennui.

Mme Voigt a fait à peu près la même chose, mais avec des résultats inverses. Elle était au meilleur de sa forme au premier acte, et puis a eu l’air de se contenir au deuxième. En réalité il s’agissait davantage d’une retraite imposée à l’artiste par la fatigue et le déclin de ses moyens vocaux que d’un véritable repli stratégique. On a malheureusement pu le constater à la toute fin, lorsqu’elle s’est montrée incapable d’atteindre aux sommets du Liebestod.

On a donc eu droit cet après-midi à un Tristan assez différent de ce qu’on entend d’habitude, quand il s’agit surtout de tirer le meilleur parti de la fin du premier acte et de la première partie du deuxième jusqu’au monologue du roi Marc, soit les pages les plus connues, les plus propres à recueillir les faveurs du public. Dans ce cas-ci, tout s’est passé comme si, face aux défis de la grande scène d’amour qui constitue les deux premiers tiers de ce deuxième acte, les deux chanteurs avaient décidé, l’une de jouer la carte de la prudence, l’autre d’économiser ses moyens pour mieux les faire valoir par la suite, l’un et l’autre comptant sur le chef et l’orchestre pour pallier leurs « réticences ». Il en a résulté une représentation de l’œuvre où l’auditoire était invité à prêter l’oreille et mieux apprécier certains moments que ce n’est le cas d’habitude. Songeons ici notamment au monologue de Tristan, mais aussi à celui de Marc, ici enlevé de main de maître par Matti Salminen, ou à l’ensemble des rôles de Brangäne et de Kurwenal, dans lesquels Michelle DeYoung et Eike Wilm Schultze ont fait une excellente impression.

La production du Met, dirigée par James Levine, est la même que celle que l’on peut voir en DVD (sous étiquette Deutsche Grammophon) et qui met en vedette Ben Heppner et Jane Eaglen. La production en question, on le sait, est loin de faire l’unanimité. Il m’a toujours semblé pour ma part que, à la différence d’autres réalisations de l’œuvre, celle-ci a l’immense mérite d’introduire non seulement de la couleur, mais aussi du mouvement, voire de l’action, dans la plus scéniquement statique des grandes partitions wagnériennes. Hélas, l’auditeur qui ne connaîtrait cette production que par le simulcast qu’on en a fait n’aurait qu’une faible idée de ses qualités, car, ce jour-là, la direction du Met a commis l’erreur de jugement de permettre à son équipe de H(aute)D(éfinition) de capter et de diffuser la représentation sur une multitude d’écrans, jusqu’à une demi-douzaine ! L’artifice technique en question aurait pu contribuer quelque chose de positif à notre expérience artistique s’il avait été utilisé avec intelligence et parcimonie. Au lieu de cela, on a choisi de transformer le simulcast tout entier en une démonstration des diverses prouesses techniques de l’équipement utilisé, dont la capacité de réduire l’image de la scène à un format de « carte postale » dans lequel les décors et les chanteurs apparaissent comme encore plus minuscules que lorsqu’on les voit du fond du poulailler. Très bien, mais à quoi bon?

Quelques jours après ce désastre médiatique, la direction du Met a annoncé qu’elle n’avait pas l’intention de répéter l’expérience au cours de la présente saison. Le public lui en sera certainement reconnaissant.

En attendant, les simulcasts du Met continuent de faire fureur et l’exemple s’étend maintenant à plusieurs maisons européennes, dont la Scala de Milan.

-Pierre Marc Bellemare

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Today's Birthdays in Music: April 9 (Robeson, Tosti)

1898 - Paul Robeson, Princeton, USA; bass

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Paul Robeson sings "We are climbing Jacob's ladder" (Mother Zion Church, New York)

1846 - Paolo Tosti, Ortano sul Mare, Italy; composer, singing teacher

Brief bio

Louis Quilico sings Tosti's "L'Ultima Canzone" (1965)

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Tuesday, April 8, 2008

Benjamin Britten : Peter Grimes

« Simulcast » du Metropolitan Opera House de New York
Samedi 15 mars 2008, à 13 h 30
Distribution (en ordre d’apparition vocale) : Dean Peterson (Hobson), John Del Carlo (Swallow), Anthony Dean Griffey (Peter Grimes), Mrs. Sedley (Felicity Palmer), Patricia Racette (Ellen Orford), Jill Grove (Auntie), Greg Fedderly (Bob Boles), Anthony Michaels-Moore (Balstrode), Bernard Fitch (Rev. Horace Adams), Leah Patridge (première nièce), Erin Morley (deuxième nièce), Teddy Tahu Rhodes (Ned Keene), Logan William Erickson (William - rôle muet).
Production et mise en scène : John Doyle
Décors : Scott Pask
Costumes : Ann Hould-Ward
Éclairages : Peter Mumford
Chœurs et Orchestre du Metropolitan Opera House de New York dirigés par Donald Runnicles


On parlera longtemps de cette gigantesque muraille que John Doyle et Scott Pask ont édifiée en guise de décor à leur production de Peter Grimes. Elle obstrue toute la scène en ne laissant aux chanteurs que quelques mètres d’un espace assombri pour évoluer entre les portes et fenêtres d’où ils émergent de temps en temps pour commenter le drame ou s’y mêler et la fosse d’orchestre qui s’ouvre, menaçante, à quelques pas de là. La mise en scène, qui autrement passerait pour dynamique et imaginative, s’en trouve constamment entravée. C’est particulièrement le cas des nombreux moments, dont la scène finale, qui font appel aux chœurs – lesquels, au demeurant, donnent le meilleur d’eux-mêmes.

Cela dit, cet obstacle monumental n’a pas empêché que le charme opère. Le simulcast de samedi dernier est, à tous égards, une réussite, peut-être même le clou de la saison, le spectacle qui, jusqu’à maintenant, nous aura arraché le plus de larmes. Mais comment expliquer cela ? Peter Grimes n’est-il pas un de ces opéras « modernes » que le public a l’habitude de bouder ?

Voyons-y un signe des temps. Par le jeu de la technique, l’opéra effectue un retour spectaculaire en réinvestissant le champ du visuel. Alors même que l’amateur d’opéra discophile effectue la transition du CD au DVD, le simulcast survient à point nommé pour préparer une véritable révolution dans ce que le public attend du genre. Grâce au simulcast, des œuvres qui n’ont jamais été particulièrement populaires, comme Eugène Onéguine ou Macbeth, sont en train de le devenir. De façon encore plus significative, c’est le répertoire « contemporain » ou, si l’on veut, « moderne » (s’agissant, en fait, dans le cas présent, d’une œuvre plus que sexagénaire) qui a tout à y gagner. Pour être apprécié, ce répertoire, en effet, exige que le spectateur puisse voir et entendre tout ce qui se passe et se chante sur scène. Or, ces conditions, que le théâtre ne peut offrir que de façon très imparfaite, sont idéalement réunies dans le simulcast, avec non seulement les sous-titres, mais la prise de son, les gros plans et autres mouvements de la caméra, etc. À ce sujet, il était instructif de prêter l’oreille à ce que l’on entendait dire samedi dernier. Au départ, plusieurs semblaient réticents, comme ces deux dames assises derrière moi qui, semble-t-il, ne s’étaient déplacées que pour « donner une chance à Britten » et « supporter le Met », et se proposaient de quitter après le premier acte. Elles sont restées jusqu’au bout et, à la fin, elles ne tarissaient pas d’enthousiasme devant l’expérience esthétique qu’elle venaient de vivre et la musique extraordinaire qui leur avait été révélée.

Grâce aux simulcasts, l’opéra du vingtième siècle est en train de se gagner un nouveau public, un public qui n’est autre que le public traditionnel d’opéra.

Cette production de Peter Grimes consacre Anthony Dean Griffey parmi les interprètes actuels du rôle-titre. Par sa carrure physique et l’intensité de son interprétation, il rappelle un peu Vickers. Sa voix cependant est beaucoup moins distinctive, nettement plus lyrique et son approche dramatique de Grimes assez primaire, rappelant un peu la manière dont Guleghina s’est attaquée à Lady Macbeth plus tôt cette saison. D’aucuns ont cru détecter à cet égard une influence, dans la conception que Griffey se fait de son rôle, du personnage de Lenny Small, le géant bien intentionné et meurtrier malgré lui d’Of Mice and Men de John Steinbeck. Peut-être. En tout cas, on est à mille lieues du poète-métaphysicien incarné par Peter Pears et, plus récemment, Philip Langridge.

Je dois avouer que, jusqu’à maintenant, et tout en reconnaissant la beauté de sa voix, je n’avais jamais été particulièrement impressionné par les qualités dramatiques de Patricia Racette. Peut-être l’ai-je trop souvent entendue chanter dans d’autres langues que la sienne – qui, comme on peut l’imaginer, n’est pas le français (en dépit de son patronyme « bien de chez nous »). Je serai maintenant le premier à admettre que, sur scène et en anglais, dont elle maîtrise la prononciation difficile, Mme Racette pourrait bien être l’une des grandes tragédiennes lyriques de sa génération, en tout cas de ce côté-ci de l’Atlantique. Elle réussit à être tout ce qu’Ellen Orford doit être (l’institutrice, la chrétienne, l’amante platonique) et plus encore notamment dans le très émouvant quatuor « féministe » qui la réunit à Auntie et à ses deux nièces, à la fin du premier tableau du deuxième acte.

Je souhaite de tout cœur que le Met aura la bonne idée d’en tirer un DVD, et ce, pour trois raisons. La première est l’Ellen Orford de Mme Racette. La deuxième est la direction d’orchestre de Donald Runnicles, absolument splendide et très appréciée du public, comme en témoigne l’ovation monstre qui saluait le maestro écossais à son retour au podium, au début du troisième acte.

Quant à ma troisième raison, elle a trait à la façon dont le Met a pourvu aux « petits rôles » dont on sait que l’œuvre abonde, ainsi qu’en belles occasions de les faire valoir.

Cet après-midi-là, trois des interprètes de ces rôles dits mineurs ont en particulier recueilli sans réserve les suffrages du public new-yorkais.

Anthony Michaels-Moore (Balstrode) est un artiste relativement peu connu, mais très prisé de ceux et celles qui ont eu le plaisir de le voir et de l’entendre sur scène. C’est un Britannique, mais qui s’est illustré jusqu’à maintenant surtout dans le répertoire italien. Son art se caractérise par une certaine retenue qui convient parfaitement à la conception très nuancée qu’il se fait du capitaine Balstrode, le plus équivoque, sans doute, de tous les habitants du village, après ou peut-être même avant Grimes lui-même.

L’ampleur des torrents d’applaudissements recueillis par Felicity Palmer était hors de proportion avec le profil relativement mineur de son personnage, Mrs. Sedley, la Miss Marple locale. C’est un rôle assez curieux que celui-là, dont l’importance semble varier avec la pointure de l’artiste à laquelle on le confie. Mme Palmer en a tiré le maximum pour finir par incarner son personnage tel que conçu par Britten, soit comme le sommaire en une seule personne de toutes les vertus et tous les vices puritains de sa communauté (pour ne pas dire : de la nation anglaise toute entière).

Enfin, une sorte de nouveau venu sensationnel, quoique le nom sera déjà familier des cognoscenti : le baryton-basse néo-zélandais Teddy Tahu Rhodes s’est illustré dans le rôle de Ned Keene. À la suite de quelques Don Giovanni qui ont beaucoup impressionné la critique, on en parle comme du prochain Samuel Ramey. Sa voix, certainement, est très puissante et très belle et, en plus d’un physique avantageux qui ferait un malheur au cinéma, il a un sens aigu du théâtre.

-Pierre Marc Bellemare

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Today's Birthdays in Music: April 8 (Jobin, Berry)

1906 - Raoul Jobin, Quebec City, Canada; opera tenor

Brief bio

Raoul Jobin sings "O Paradis" from Meyerbeer's L'Africaine (Wilfrid Pelletier conducts the Metropolitan Opera Orchestra, 1946)

1929 - Walter Berry, Vienna, Austria; bass-baritone

Short bio/pictures

Walter Berry sings "Gebt mir meinen Jesum wieder!" from Bach's St. Matthew Passion (Munich Bach Choir and Orchestra, conductor Karl Richter)

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Monday, April 7, 2008

Wagner: Tristan und Isolde

Nina Stemme, Robert Gambill, Katarina Karnéus, Bo Skovhus, René Pape, The Glyndebourne Chorus, London Philharmonic Orchestra/Jiřỉ Bělohlávek
Stage Director: Nikolaus Lenhoff
Video Director: Thomas Grimm
Opus Arte OA 0988 D (3 DVD : 238 min)
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Do you believe in magic? Can you venture into alchemy beyond the irrational idea that an herbal concoction can unleash suppressed emotions to entwine lovers in a deadly destiny? Are you ready for an enchanting illustration of the Schopenhauerian philosophy of, “Die to live,” as presented in the most extreme example of the musical language of Richard Wagner? If inclined to the affirmative on these points then you will absolutely need to have this DVD set of the August 2007 production of Tristan und Isolde from the Glyndebourne Festival. It is nothing less than a collective act of sorcery delivering a definitive performance and a paradigm of the divine craft exposing opera as the ultimate art.

Wagner on DVD has been arriving in waves. Just over a year ago, we were inundated with rival versions of Lohengrin and Tannhäuser. Late in 2007, DG released a 1983 Bayreuth production of Tristan und Isolde (00440 073 4321). Conducted by Daniel Barenboim, it set a new and elevated benchmark for the work. The Glyndebourne set eclipses all that preceded it - even taking into account the brilliant staging and design of Jean-Pierre Ponnelle in Bayreuth.

The wizard-in-chief for this mighty achievement is Nikolaus Lenhoff. He employs a single set to represent shipboard, courtyard and castle in succeeding acts. The scenery consists of an enormous, stepped vertical vortex (designer Roland Aeschlimann refers to it as, “A spiral nebula.”). Lenhoff dresses the stage in light for dramatic effect and in symbiosis with the music. The LPO is in razor-sharp form and Jiřỉ Bělohlávek establishes his Wagnerian credentials in the prelude. He proceeds through the score, which stretches tonality to the limit, with consummate skill. Hearing the orchestra at work makes one realize that only Wagner, musical genius and internationally recognized expert in blatant desire and the exploitation of human weakness could have created this opera. His conception of internalized drama and intimacy verging on eroticism generates a force to penetrate the subconscious when performed as well as it is here.

Tristan is a difficult opera to cast and Glyndebourne has been fortunate here. The American tenor, Robert Gambill studied for years in Germany and has decades of stage experience. With a fully developed heldentenor voice, his time has come to portray Tristan. Nina Stemme and Katarina Karnéus are sopranos from Sweden who take on the respective roles of Isolde and Brangäne with rare distinction. The ever-reliable darker voices of Bo Skovhus (Kurwenal) and René Pape (King Marke) complete the idiomatic circle of principal players. Exceptional though the vocals are the acting in such a high compression chamber is just as important. This is also a tribute to the stage direction but each of these artists has the gift of presence to bring the characters to life in front of us. Lenhoff’s wise decision to use traditional costumes contributes to defining the roles as well as providing a contrast with the abstract set.

This performance dispenses stage magic in generous proportion and enthralls throughout. It can be confidently recommended as a first choice for the work on DVD. Its surpassing quality would also make it a suitable entry point for collectors new to Wagner. The set runs to three discs but includes two hours of useful extra features including a fine documentary by Reiner E. Moritz entitled, Can I Hear the Light?.

Please let us have more Wagner from Glyndebourne!

Nina Stemme at Large: Nina Stemme can be heard opposite Plácido Domingo in the EMI audio recording of Tristan und Isolde. She is also on view as another, and more vulnerable eponymous heroine in a Barcelona production of Leoš Janáček’s Jenůfa (TDK DVWW-OPJENU). It is a stunning production and Stemme strikes sparks with her stage adversary played by Eva Marton. The drama is so intense that both shed tears on the platform. Watch this DVD and you will begin to understand why Janáćek is the most widely performed of all modern opera composers.

-Stephen Habington

Buy this DVD at

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Today's Birthday in Music: April 7 (Casadesus)

1899 - Robert Casadesus, Paris, France; pianist, composer

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Robert Casadesus and Zino Francescatti play Beethoven's Sonata No.6, 3rd movement

Robert Casadesus, "Voyage en Espagne" (played by Jean-François Bouvery)

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Sunday, April 6, 2008

Juno Awards - Classical Albums

The following are the winners of the 2008 Juno Awards in classical music:

Alkan Concerto for Solo Piano Marc-André Hamelin, Hyperion*SRI

Korngold, Barber & Walton Violin Concertos James Ehnes, Bramwell Tovey, Vancouver Symphony Orchestra, CBC*Universal

Suprise Measha Brueggergosman, Deutsche Grammophon*Universal

Constantinople Christos Hatzis CONSTANTINOPLE, Analekta*Select

For more info, visit


Lettre de Alain Trudel au sujet de l’Orchestre de la radio de la CBC

[English Version]

Vendredi, le 4 avril 2008

Chers membres de mon orchestre,
Chers collègues,
Chers mélomanes, d'un océan à l'autre.

Au cours des derniers jours, j’ai reçu vos très nombreux messages concernant la mort prématurée de l’Orchestre de la radio de la CBC. Je tiens d’abord à vous remercier le plus chaleureusement du monde pour l’intérêt et l’affection que vous lui portez. Je suis profondément ému de constater le nombre de personnes qui saisissent son importance aux yeux des Canadiens venant de tous les horizons musicaux, lui qui célèbre cette année son soixante-dixième anniversaire.

Les musiciens et moi-même sommes bien sûr catastrophés par la perte de notre mandat à la CBC, ce mandat qui constituait notre raison même d’exister. En cette heure de choc et de chagrin, il me semble important de souligner, le plus clairement que je le puis, l’importance de l’Orchestre pour notre pays et pour la CBC elle-même. Pour assurer la suite des choses, il nous faut comprendre ce que l’Orchestre représente, et la place qu’il occupe dans notre vie culturelle.

Au moment où j’écris ceci, le CRO constitue l’un des meilleurs orchestres du pays, un orchestre qu’il nous a fallut, à nous Canadiens, des décennies à construire. C’est un véritable bijou musical et un irremplaçable repère culturel.

Étant le seul orchestre radiophonique d'Amérique, le CRO suffirait à marquer, à lui seul, la spécificité de la scène musicale canadienne. Du simple fait de son existence, de ses objectifs et de son travail, il participe à exprimer l’unicité de toutes les cultures du Canada.

Depuis le début de son histoire, le CRO fait appel à des compositeurs et à des interprètes de toutes tendances et venant de toutes les régions du pays, faisant ainsi la démonstration de ce que la musique est bien vivante au Canada, même aux heures où d’autres sujets de préoccupation sont de nature à engendrer le désespoir ou le découragement. Par l’entremise de concerts en salles radiodiffusés, le CRO permet aux solistes et aux compositeurs canadiens de se faire entendre, ce qui en soi équivaut à envoyer un message d’espoir à tous les jeunes créateurs et à tous les jeunes musiciens de toutes tendances musicales. Il représente une promesse : leurs voix seront entendues et reconnues !

Tout au long de mon mandat, j’ai insisté pour nous développions des projets appartenant à tous les genres musicaux, y compris au jazz, à la world music, au populaire et à la musique des Premières Nations. En 2007, nous avons entrepris le Great Canadian Song Book, qui a commandé à des compositeurs de toutes tendances de vrais poëmes musicaux pour orchestre sur des oeuvres de grands auteurs compositeurs, de Joni Mitchell en passant par Neil Young, de Buffy Ste-Marie aussi bien que de Serge Fiori Michel Rivard et bien d'autres. L’Orchestre a mis sur pied des projets de création sur les musiques d’Asie et du Moyen-Orient. D'autres collaborations incluent des concerts avec des grands du jazz autant que le répertoire traditionnel pour orchestre, et même une collaboration avec le rappeur K-os. Au cours de la dernière saison, vous avons passé commandes pour 18 oeuvres, destinées à sept concerts. Grâce à l’Orchestre, la radio de la C.B.C. ne se contente pas d’être un diffuseur mais devient partie constituante du processus de création artistique au Canada.

Grâce au réseau de diffusion nationale, l’Orchestre a pu rejoindre des gens de tous les coins du pays. En septembre 2007, nous avons interprété en direct un programme mis au point spécialement pour l’occasion, à partir d’Iqaluit. Quelques mois plus tard, nous étions à White Rock, en Colombie britannique. Nous avons reçu des invitations de petites et de grandes communautés d’un bout à l’autre du Canada, et même de salles de concerts européennes importantes. De tels projets doivent, hélas, être désormais abandonnés.

J’ai eu la chance, au cours de ma carrière, de travailler assidûment à travers le pays, et ce autant en anglais qu’en français, ce qui m’a permis d’acquérir une perspective réellement nationale. À mon grand bonheur, au cours des derniers mois, la radio française de la SRC est devenue non seulement davantage consciente de l’excellent travail accompli par le CRO, mais a même émis le souhait de participer désormais à son existence. À ce chemin-là aussi, nous devons à présent renoncer. Quoi qu’il en soit, le rôle de rassembleur entre les différentes regions du canada qu’à joué l’Orchestre ne doit jamais être oublié.

Plusieurs choses se confirme par le travail de l'orchestre de la CBC, et maintenant dans vos réponses à l'annonce de sa disolution : l’importance de la musique dans nos vies, l’importance de cultiver, d’épauler et de diffuser l’extraordinaire talent, incroyablement diversifié, qui existe dans notre pays, le rôle de rassembleur que se doit de jouer un radiodiffuseur national, et bien d’autres encore. Chacun d’entre nous tirera ses propres conclusions de tout ceci, mais une chose est certaine : le CRO nous rappelle ce que nous chérissons les plus profondément dans la musique et dans notre pays.

Bien respectueusement,

Alain Trudel
Chef principal, CBC radio Orchestra

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Today's Birthday in Music: April 6 (Previn)

1929 - André Previn, Berlin, Germany; conductor, composer, pianist

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André Previn plays and conducts Mozart's Piano Concerto No. 24, 3rd Movement (NHK Symphony Orchestra)

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