Today's Musician Birthday: February 2 (Kreisler)

1875 - Fritz Kreisler, Vienna, Austria; violinist

Wiki entry
Bakers' Bio

Fritz Kreisler plays the Méditation from Massenet's "Thaïs", February 2, 1928

Today's Musician Birthday: February 1

1859 - Victor Herbert, Dublin, Ireland; composer, conductor, cellist

Wiki entry

Mason & Hamlin AMPICO reproducing piano plays Victor Herbert Favorites




1922 - Renata Tebaldi, Pesaro, Italy; opera soprano

Wiki entry


Renata Tebaldi sings "Un bel di vedremo" from Madama Butterfly, telecast of February 2, 1959

Today's Musician Birthday: January 31

Born on January 31:

1797 - Franz Peter Schubert, Lichtenthal Aust, composer

Wiki entry

Ave Maria - Schubert, performed by Pavarotti

1937 - Philip Glass, Baltimore Md, minimal composer

Wiki entry

Official website

Trailer to film Koyaanisqatsi featuring music by Philip Glass

Goodbye, Columbus

A colleague in Columbus, Ohio, has alerted me to a local downturn. The city is planning to shrink its symphony orchestra into a chamber ensemble, abolishing 22 positions and cutting the concert season by half. That, they say, ought to wipe out an annual $1.5 million deficit.

"This is to try to save the orchestra and enable us to grow it into something special," said Robert "Buzz" Trafford, chairman of the symphony board, in a comment to the local newspaper which appears to endorse the move.

Hello? Come again? Anyone at home?

Surely no-one imagines that playing Haydn instead of Mahler is going to bring crowds banging on the doors, or that kicking musicians into limbo will improve morale in the band. Cutting an orchestra is usually one short step from killing it altogether.

Columbus, where I have never set foot, has (so I'm told) an appreciative, cultured audience who don't want to fly to Cleveland or Detroit for a symphonic experience. It also has a proud and supportive NPR station.

A city of 1.75 million can surely stump up a few donors to cover a $1.5 million hole. Slash and burn, which is what the board is proposing, is a policy that went out in the 90s with the bonfire of vanities. Someone needs to take a quick rethink and a look at the map.

Without a symphony orchestra, Columbus becomes a speck.

For more information, check www.symphonymusicians.com

source: Artsjournal

Today's Musician Birthday: January 30

Born on January 30:

1944 - Lynn Harrell, NYC, cellist

Wiki entry

Today's Musician Birthday: January 29

Born on January 29:

1857- The Hallé (Orchestra, England)

Wiki entry

Philippe Quint : un « grand » du violon...

par Audrey Roncigli

Le violoniste Philippe Quint, comme son nom ne l'indique pas, est né en Russie, et ses origines sont en Italie, dans la dynastie aristocratique des Quinti. Il est le descendant d'un officier de Napoléon, blessé en 1812, et qui émigra en Russie après avoir épousé une infirmière juive ! S'il porte un prénom français, c'est parce qu'il est le fils de Lora Kvint, chanteuse très populaire dans son pays, et qui était fascinée à l'heure de la naissance de Philippe par les familles royales françaises...Aujourd'hui citoyen américain et vivant à New-York, Philippe nourrit son jeu de ces histoires, de ces migrations et des diverses cultures dont il s'est imprégné.

Philippe débute très jeune ses études musicales et rejoint l'Ecole Spéciale pour les Enfants prodiges de Moscou, où il a pour professeur Korsakov. À neuf ans, il donne son premier concert en soliste avec le Concerto N°2 de Wieniawski. À treize ans, il décide de s'engager dans la voie d'une carrière professionnelle, qui l'entraînera à la Juilliard School, dont il sortira en 1997 avec un baccalauréat et une maîtrise. Durant ces années d'études new-yorkaises, il suit l'enseignement de Dorothy DeLay, Felix Galimir, Isaac Stern, Itzhak Perlman, mais se définit une personnalité, un style propre : Philippe reconnaît ainsi que « le style et le jeu d'un violoniste sont d'abord définis par l'individualité, plus que par une quelconque allégeance particulière à une école ou à une autre ».

Poussé par le défi d'une musique qu'il ne connaissait pas, celle de son pays d'adoption, Philippe Quint découvre avec bonheur les oeuvres de Bernstein, Corigliano, Foss, Schuman, Copland. Un bonheur n'arrivant jamais seul, il décroche un contrat chez Naxos et commence à enregistrer : les Concertos pour violon de Schuman, Ned Rorem, la Sérénade de Bernstein qu'il affectionne tout particulièrement, les oeuvres pour violon et piano de Miklos Rozsa. Très prochainement sortira un enregistrement live du Concerto pour violon d'Erich Wolfgang Korngold et Philippe travaille à deux nouveaux albums : Corigliano/Thompson et Kreisler/Paganini.

Se forgeant une réputation de soliste charismatique, avec une technique hors pair et une justesse de ton et d'expression inégalée, Philippe parcourt le monde avec son Stradivarius de 1723, l'ex-Kiesewetter, qui lui est prêté par M. et Mme Arrisson de Buffalo. La liste des orchestres avec lesquels il a déjà joué est impressionnante : les orchestres de Détroit, Indianapolis, Minnesota, Bournemouth, Houston, Buffalo, Nashville ainsi que de la Virginie, de la Louisiane et de l'Oklahoma; le Royal Liverpool Philharmonic; l'Orchestre national de Chine; l'Orpheus Chamber Orchestra; l'Orchestre Symphonique de Bayonne Côte Basque; les orchestres de Pretoria, Cape Town et Johannesburg; les orchestres du Queensland et de Melbourne...sous la baguette de chefs tels que Marin Alsop, José Serebrier, Andrew Litton, Klauspeter Seibel, Kurt Masur, Hans Graf, Arild Remmereit, Maxim Shostakovich, JoAnn Falletta, Jorge Mester, Carlos Miguel Prieto et Kenneth Schermerhorn. Son répertoire s'étale de Vivaldi, Bach et Mozart à Bernstein, Chostakovitch et Piazzola, en passant par Beethoven, Brahms et Paganini. Son amie Lera Auerbach lui a dédié son Concerto n°1, qu'il a créé au Walt Disney Concert Hall de Los Angeles, et qu'il définit lui-même comme son « propre portrait musical ».

Les critiques louent son incomparable musicalité, son charisme hors norme, ses interprétations passionnées et techniquement parfaites. Que ce soit dans ses enregistrements ou sur scène, Philippe Quint fait de chaque pièce un moment de partage musical, vivant avec son public d'intenses moments d'émotion, dans la joie ou la tristesse, dans la douleur ou la frénésie...Nominé aux Grammy Awards, vainqueur de dizaines de compétitions dont le Concours Pablo de Sarasate en 1997, Philippe, que beaucoup de critiques appellent le « Paganini des temps modernes », est un violoniste qui captive ses auditoires à coup sûr.

Philippe est enfin un artiste très polyvalent, puisqu'il est aussi passionné de cinéma et acteur lui-même. Sportif et grand amateur d'échecs, Philippe avoue ne pas avoir assez de temps pour faire « tout ce dont il rêve ». Il n'en reste pas moins un violoniste simple et chaleureux, généreux et passionné. Ce qui fait la définition des « grands » artistes...

Audrey Roncigli : Dans quelle mesure pensez-vous que les éléments de votre vie personnelle ont influencé votre jeu et vos interprétations ?

Philippe Quint : Ayant grandi dans l'ex-Union Soviétique, je n'avais que très peu accès aux enregistrements considérés comme « tabou » dans le pays, comme ceux d'Heifetz, Milstein, Horowitz ou Rachmaninov, etc... Je parle bien entendu de tous ces artistes qui ont à un moment ou un autre quitté la Russie pour poursuivre leurs carrières et leurs vies ailleurs. Je me souviens très bien d'un jour où mon oncle rapporta « clandestinement » un enregistrement de Jascha Heifetz interprétant la Première Danse hongroise de Brahms; toute la famille se réunit pour écouter la performance exceptionnelle d'Heifetz. Pour beaucoup d'enfants en Russie, Heifetz fut certainement une sorte d'icône et une grande source d'inspiration. Cependant, après mon arrivée aux États-Unis en 1991, je fus rapidement « exposé » à une immense variété d'enregistrements, d'artistes, de musiciens, dans des perspectives très variées. Je dois bien avouer qu'au départ, cela m'a un peu dépassé et dans un sens, cela semait la confusion en moi. Mon monde s'écroulait à mesure et aussi soudainement que je réalisais qu'il y avait tant de possibilités d'approcher les compositions musicales. Je crois avoir acheté tous les enregistrements et vidéos disponibles de nombre de violonistes et les avoir écoutés et regardés des centaines de fois. Mon arrivée à New York a coïncidé avec mon entrée à la Juilliard School dans la classe de la légendaire Dorothy DeLay. Son approche était très différente de celle de mes anciens professeurs en Russie. Au lieu de crier et de jeter toutes sortes d'objets au-dessus de ma tête, elle disait tout simplement : « Mon petit chou, quelle est ta vision du fa dièse ? » Le résultat était tout aussi efficace que des cris ou des hurlements. Je me sentais vraiment mal à l'aise du fait qu'elle pense que mon fa dièse était faux et je travaillais encore plus dur pour être capable d'impressionner Mme DeLay à mon prochain cours. Elle était très certainement unique et je garde beaucoup d'excellents souvenirs d'elle. J'ai toujours un grand respect et une grande admiration pour elle.

Une autre rencontre très intéressante pour moi fut celle avec Isaac Stern, vers 1998 ou 1999. Il m'a dit quelque chose que je n'ai pas compris sur le coup, mais qui depuis a complètement changé ma vision de l'interprétation : « Philippe, tu dois comprendre qu'il y a une signification derrière chaque note. » Je ne comprenais pas comment cela était possible, mais après de nombreuses années passées à étudier et à jouer les oeuvres, je commence à comprendre ce que M. Stern essayait de me dire. Je suis tellement honoré de l'avoir rencontré et d'avoir joué pour lui.

Je vous ai cité ici seulement deux influences dans ma vie. J'aurais pu en citer des centaines, et si j'avais commencé, nous aurions dû écrire un livre, un article n'aurait pas suffi !

Audrey Roncigli : Vous avez consacré une large part de votre répertoire à la musique américaine. Pourquoi cette passion particulière pour des compositeurs comme Foss, Rorem, Corigliano ?

Philippe Quint : Ayant grandi en URSS, je connaissais les grands « standards » du répertoire, Bach, Mozart, Beethoven, Brahms, Franck, Tchaïkovski et les autres. Rappelez-vous que nous étions en période de « guerre froide » et le mot « Américain » ne devait pas être prononcé à voix haute. Il me semble que le seul compositeur américain connu à cette époque en Russie était Gershwin et son Porgy and Bess. Ma première « rencontre réelle » avec la musique américaine a eu lieu lorsque je suis arrivé aux États-Unis et que j'ai entendu West Side Story. Les années qui ont suivi, j'ai appris de nombreuses pièces de musique américaine, de Copland à Cage, de Cowell à la jeune génération comme Corigliano, Ned Rorem ou William Bolcom.

Je me suis beaucoup intéressé à la musique américaine car les harmonies et les structures rythmiques m'intriguaient beaucoup et c'était une chose totalement nouvelle pour moi.

Ma première oeuvre fut la Sonate pour violon de John Corigliano, une oeuvre fascinante que je viens d'enregistrer. J'ai eu ensuite le privilège de travailler avec Lukas Foss et nous avons enregistré ses pièces pour violon et piano. Puis ont suivi des projets pour Naxos, dans la collection American Classics, dont le Concerto pour violon de William Schuman (une oeuvre merveilleuse et très sous-estimée), la Sérénade de Bernstein et le Concerto de Ned Rorem. Rorem et Schuman sous la baguette du chef d'orchestre José Serebrier.

On me demande souvent pourquoi je joue autant de musique contemporaine et de musique américaine. Je réponds : « Pourquoi pas ? » Bien entendu, les gens aiment entendre Mozart et Mendelssohn, mais on ne peut pas vivre en dehors de son siècle et ne jouer que les compositeurs du passé. Il y a tant de merveilleux compositeurs aujourd'hui et je me réjouis de découvrir de nouvelles pièces de nos contemporains.

Audrey Roncigli : On vous compare très souvent à Paganini. Que cela vous inspire-t-il et comment réagissez-vous ?

Philippe Quint : (Rires) Je mets au défi quiconque de me dire comment il jouait ! C'est plutôt une comparaison amusante. Je ne sais pas trop d'où elle provient. Peut-être de mon apparence physique : je suis grand, avec de longs bras et des cheveux noirs...Les gens aiment comparer les violonistes du présent avec ceux du passé, en donnant une sorte de qualification, telle que « le prochain Menuhin », ou « le prochain Oïstrakh ». Ces comparaisons sont flatteuses, bien entendu, mais il est important de comprendre qu'on ne demande pas de trouver le prochain X ou Y. Il me semble qu'il est plus important de découvrir de nouveaux talents plutôt que d'avoir sur scène de pâles imitations d'un musicien du passé. Une de mes récentes influences est Gidon Kremer, qui est un vrai intellectuel et un musicien fantastique, tout en étant anticonformiste dans ses interprétations, toujours capable de trouver des nouveautés, des innovations dans des oeuvres que l'on entend depuis des dizaines et des dizaines d'années.

Je lui porte un grand respect et une grande admiration. Ce n'est pas quelqu'un qui essaie d'être différent pour être différent, mais il poursuit ses choix musicaux intensément et ne s'en écarte jamais.

Pour en revenir à Paganini...J'envisage de l'étudier très en détail et en fait, l'un de mes prochains enregistrements sera consacré à ses oeuvres pour violon et piano arrangées par Fritz Kreisler. La musique de Paganini a été très souvent critiquée, pour sa « substance ». J'ai une opinion tout à fait différente : je pense qu'on doit considérer ses oeuvres comme une sorte de petite opérette italienne, le violon tenant la partie principale. Le violon « bel canto » en quelque sorte !

Audrey Roncigli : Quelles ont été, ces derniers mois, les pièces qui vous ont été les plus difficiles à interpréter, et celles qui vous ont le plus enthousiasmé ?

Philippe Quint : Je pense que les oeuvres les plus difficiles sont celles qui vous demandent beaucoup sur le plan émotionnel. L'une de ces pièces est bien entendu le Concerto n°1 de Chostakovitch. Après une Passacaglia très intense en émotions, vous passez tout de suite à une Cadenza diaboliquement difficile...Il n'est pas étonnant que David Oïstrakh ait demandé à Chostakovitch de placer un petit tutti d'orchestre avant le début du quatrième mouvement, afin que le violoniste puisse respirer un peu avant de replonger dans quelque chose de plus trouble, de plus sombre. Cette pièce est très difficile, car elle ravive en moi des souvenirs de mon enfance en Russie.

Vous savez, la description que Chostakovitch fait de la Russie est exactement la mienne : « Quand je regarde mon passé, tout me semble gris. » C'est très intéressant et cela associe chez moi la Russie à la couleur grise. Son premier mouvement, très subtil et intense, est peut-être une indication de ce « gris » dont il parle.

Je pense que les oeuvres que je considère comme les plus difficiles sont aussi mes préférées : le Concerto et les Sonates de Beethoven, les Concertos de Brahms, Sibelius, de Stravinsky, et quelques autres...J'apprécie ce qu'on appelle la « musique programme », la musique étant basée sur une histoire : la Sérénade de Bernstein me vient immédiatement à l'esprit. Mais même si la musique n'est pas toujours accompagnée d'une histoire, je m'en crée une ! C'est plutôt simple et cela aide l'interprétation.

Audrey Roncigli : Vous êtes un vrai globe-trotter, entre l'Australie, l'Afrique, l'Europe et les États-Unis. Pouvez-vous nous donner un aperçu de votre saison 2008 ?

Philippe Quint : Les six derniers mois ont été très intenses. J'ai réussi à jouer en Australie, en Amérique du Nord, du Sud, en Afrique du Sud et en Europe en moins de six mois ! C'était excitant et fascinant de visiter tous ces merveilleux endroits, mais très fatigant également. J'espère avoir un emploi du temps un peu plus « bénéfique » ces prochaines années. Parmi les grands moments de la saison à venir, mes débuts en Allemagne avec la Staatskapelle de Weimar sous la direction de Carl St Clair. Je ne peux pas ne pas citer la sortie de mon album Korngold sous la baguette de mon ami de longue date Carlos Miguel Prieto. Il y aura aussi le premier enregistrement mondial des Caprices du Violon rouge de Corigliano et sa Sonate, couplés avec des pièces de Virgil Thomson, pour Naxos. Deux CD de musique américaine, encore !

Et aussi...un récital à Montréal en octobre prochain !

Visitez le site web de Philippe Quint

Critique de disque : Miklós Rózsa: Music for Violin and Piano

Crédit photographique : © Pavel Antonov

Gala des prix Opus 2006-2007

par Caroline Louis

Le 27 janvier 2008, à la salle Claude-Champagne à Montréal, le Conseil québécois de la musique remettait les prix Opus, récompensant ainsi les interprètes, compositeurs, créateurs, promoteurs, organisations musicales et musicologues québécois qui se sont illustrés entre le 1er septembre 2006 et le 31 août 2007. Pas moins de vingt-six trophées furent distribués lors de cette 11e édition du gala des prix Opus, animée avec beaucoup d'humour par Mario Paquet et Martin Bernier. Tout au long du gala, nous avons pu entendre des arrangements musicaux de Louis Babin, qui dirigeait un ensemble d'une douzaine de musiciens, tandis que des ¦uvres picturales du compositeur Otto Joachim défilaient sur écran géant en haut de la scène.

Sans grande surprise, le prix de l'Événement musical de l'année fut remporté par l'Orchestre symphonique de Montréal, pour le concert d'ouverture du 6 septembre 2006 dirigé par Kent Nagano. Ce concert, projeté en direct de la salle Wilfrid-Pelletier et de l'esplanade de la Place des Arts, avait attiré quelques centaines de milliers d'auditeurs via le site Internet, la télévision, la Première Chaîne de la radio de Radio-Canada et Espace musique.

Le prix d'Interprète de l'année fut remis à l'ensemble Les Voix humaines, et le jury a sélectionné le compositeur et électroacousticien montréalais Serge Arcuri comme Compositeur de l'année. L'exceptionnelle saison du 30e anniversaire du Festival de Lanaudière fut soulignée par le prix Diffuseur de l'année. La soprano Marianne Fiset a obtenu le prix Découverte de l'année, prix qui fut par le passé accordé à des artistes tels que Yannick Nézet-Séguin, Marie-Nicole Lemieux et le Quatuor Molinari.

Le jeune musicologue Philip Gareau, étudiant à l'Université de Montréal, reçut le prix du Livre de l'année, ayant vu son mémoire de maîtrise publié chez L'Harmattan sous le titre La musique de Morton Feldman ou le temps en liberté. Le baryton Marc Boucher, partageant avec le pianiste Olivier Godin le prix du Disque de l'année - Musiques classique, romantique, postromantique, impressionniste, a pour sa part invité les compositeurs à s'inspirer plus souvent de la poésie québécoise, déclarant : « Commettez-vous, chers musiciens, et nous serons heureux de vous interpréter. »

Par ailleurs, le Conseil québécois de la musique soulignait cette année la carrière du musicien Otto Joachim, récipiendaire du prix Hommage. Davis Joachim, fils du compositeur émérite, interpréta avec simplicité une ¦uvre pour guitare de son père et le critique musical Claude Gingras prononça un bref discours en l'honneur de son ami de longue date. Déplorant de se retrouver sur scène plutôt que dans l'assistance, l'intransigeant critique du journal La Presse provoqua de francs éclats de rire en s'exclamant, plissant des yeux sous l'intensité des projecteurs, « C'est ça, être artiste? » et cherchant le compositeur dans la salle obscure, afin de pouvoir le féliciter directement : « Wo bist du, Otto ? »

Parmi les moments forts du gala, mentionnons l'interprétation virtuose que donna le Quatuor Molinari du périlleux deuxième mouvement du Quatuor à cordes no 2 d'Alfred Schnittke et la surprenante prestation multimédia d'Espaces Sonores Illimités, intitulée Spatio-Lumino. L'exécution d'une ¦uvre pour percussions d'Iannis Xenakis par l'ensemble Sixtrum fut également très appréciée.

> La liste des lauréates.

Today's Musician Birthday: January 28

Born on January 28:

1886 - Artur Rubinstein, L¢dz Poland, pianist

Wiki entry

Rubinstein playing Beethoven piano concerto no 4 3rd movement in 1967.

Today's Musician Birthday: January 27

Born on January 27:

1756 - Wolfgang Amadeus Mozart, Austria, composer

Wiki entry

This unique performance of Mozart`s great Requiem took place in 5 December 1991, to commemorate the 200th anniversary of the composer`s death.

Pierre de La Rue : The Complete Magnificats, 3 Salve Reginas

Peter Schubert, Viva Voce
Naxos 8.557896-97 (119 min 53 s)
***** $$

Ce disque est exceptionnel pour deux raisons. D'abord, il nous offre le premier enregistrement complet des remarquables Magnificats de Pierre de La Rue (1460-1518). Deuxièmement, il nous donne la chance d'entendre Peter Schubert et son ensemble Viva Voce s'exprimer avec une splendeur qui ne peut que les inscrire dans la lignée des grands ensembles vocaux spécialisés en musique ancienne. Le style de La Rue est à la croisée de l'ancien et du nouveau. Il utilise aussi bien les techniques, déjà éprouvées, de la 1re moitié du 15e siècle que les nouvelles méthodes apparues dans la 2e. Chez de La Rue, les mélismes mélodiques du cantus firmus cohabitent intelligemment avec la nouvelle rigueur imposée à la relation entre structure syllabique et développement motivique. Ce coffret double est un délice pour tous les amoureux de polyphonie. De plus, il permettra à l'un de nos fleurons musicaux de rayonner aux quatre coins de la planète.

-Frédéric Cardin

Buy this CD at amazon.com