Qu'est-ce que la musique de chambre ?

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Discussion avec Denis Brott, Oliver Jones et Daniel Taylor

La 9e édition du Festival de musique de chambre de Montréal présente des musiques allant de la Renaissance au jazz. Qu'ont en commun ces différentes musiques de chambre ? La Scena Musicale s'est entretenue avec les trois directeurs artistiques du Festival : le fondateur Denis Brott, le directeur artistique du volet jazz, Oliver Jones et le directeur artistique du tout nouveau volet « musique ancienne », Daniel Taylor.

LSM : Le concept de musique de chambre englobe une vaste partie du répertoire musical, mais lorsque l'on pense à ce type de musique, on ne fait pas forcément le rapprochement avec le jazz ou même avec la musique ancienne.

DB : Je voudrais d'abord rappeler un peu sur quelles bases a été lancée l'idée du Festival de musique de chambre de Montréal en 1995. Nous avions, dès le départ, le désir d'étendre le concept global de ce qu'est la musique de chambre. Il fallait bien sûr pour cela la définir. Outre le fait qu'elle représente l'une des formes d'art les plus élevées, comme en fait foi l'histoire de la musique à travers tous les grands compositeurs qui ont considéré l'écriture pour quatuor à cordes comme la quintessence de l'art musical, pour moi, la musique de chambre c'est essentiellement un tout plus grand que la somme de ses parties. Chaque instrumentiste y tient une partie indépendante et chacun contribue à part égale, démocratiquement, à donner sa forme à l'ensemble. Idéalement, personne n'y impose sa manière et le résultat est celui d'une collaboration. C'est une musique qui est quelquefois présentée comme élitiste, mais c'est là vraiment une idée que je ne partage pas. Le Festival veut justement démontrer que la musique de chambre, c'est aussi du jazz, c'est aussi de la musique baroque et c'est aussi bien d'autres choses, comme on a déjà pu le voir dans les éditions précédentes.

OJ : Pour moi il est assez clair que l'équivalent « classique » du jazz, c'est la musique de chambre. C'est en effet une musique où il revient à l'individu de porter plus loin l'ensemble. Il y a bien sûr une différence importante, c'est qu'en jazz nous prenons un peu plus de libertés par rapport à la « partition », mais quel que soit le style, le thème musical est toujours là ; on se promène autour par des variations, on s'en éloigne, puis on y revient. Nous savons tous que 5 et 5 font 10, mais 9 et 1 aussi, comme 7 et 3 ; il y a plusieurs façons d'obtenir le même résultat, et les grands artistes de jazz se font fort de les explorer. Ça vous semblera peut-être amusant, mais je n'ai jamais suivi de formation en jazz... J'ai eu une formation classique. Mon père était un grand amateur de Bach et dès l'âge de sept ans la fugue était pour moi un concept familier. Ça m'a justement permis de comprendre l'indépendance des parties et leurs fonctions complémentaires. J'ai eu la chance, lorsque j'étais jeune, d'étudier le piano avec une enseignante qui comprenait bien l'esprit du jazz (peut-être était-ce parce qu'elle était la sœur du plus grand pianiste de jazz au monde, M. Oscar Peterson). Je me lassais de répéter sans arrêt les mêmes passages et les mêmes exercices, et lorsque j'avais terminé, je lui montrais mes travaux personnels, dans lesquels j'intégrais les motifs classiques qu'elle m'apprenait, en les faisant varier rythmiquement. Mais la base de tout ça restait classique.

LSM : On peut voir certaines similitudes également entre le jazz et la musique ancienne où, souvent, les interprètes sont appelés à embellir par des fioritures des thèmes qui sont notés assez simplement.

DT : Je pense que ce que nous avons surtout en commun, c'est la relation qui s'installe entre les interprètes, particulièrement en petite formation, où il s'installe une véritable intimité entre les interprètes. Dans le cadre de cette intimité, il nous est possible d'explorer et de développer la musique ensemble. Par ailleurs, ce type d'exploration est aussi possible à l'intérieur de notre petit trio de directeurs, qui comporte trois générations de musiciens. Je crois que ça a permis de développer une programmation véritablement diversifiée. Ce sont de véritables voyages que nous préparons pour le public.

LSM : On comprend qu'il y a une très grande différence pour l'interprète entre la musique de chambre en petit ensemble et la musique orchestrale.

DB : Certainement ! Il faut savoir que pour quelqu'un qui passe sa vie à apprendre à jouer d'un instrument, qui développe son savoir-faire et son identité, son rapport à l'instrument, et cetera, c'est un véritable choc que de travailler avec un orchestre symphonique et de comprendre qu'il faut laisser sa personnalité au vestiaire pour accepter de se mettre au service d'une entreprise d'un tout autre type. Il y a quand même une certaine forme de liberté de ce côté-là aussi ; bien sûr, j'aime entendre parler Oliver parce que pour moi la plus grande forme de liberté se retrouve dans le jazz, bien qu'il ait aussi ses règles, comme la musique ancienne où en effet il y a une certaine part d'improvisation de la part des interprètes qui embellissent les thèmes. En fait, aux 16e et 17e siècles, il était entendu que les interprètes allaient improviser leurs propres cadences durant une représentation, cependant, et malheureusement, c'est un art qui s'est un peu perdu. J'admire les gens qui peuvent improviser et je me sens bien limité en ce domaine par ma formation classique ! Et ce que dit Daniel de la relation intimiste entre les interprètes est aussi très important.

OJ : C'est un dialogue, une conversation. C'est un merveilleux sentiment lorsque l'on peut communiquer de la sorte avec d'autres musiciens. Je sais que si je jouais avec cinq contrebassistes différents, ils me donneraient chacun quelque chose de différent et ils m'amèneraient éventuellement à jouer des choses auxquelles je n'aurais jamais pensé autrement.

DT : Il y avait un courant philosophique pendant la Renaissance qui parlait de mettre la musique au centre, entre le public et les interprètes, et si l'on pousse l'image plus loin, on peut voir, à ce moment-là, la musique comme un prisme qui absorbe la lumière de tous les côtés et la reflète en couleurs différentes. C'est un échange d'énergie et, en un sens, une communion. C'est un véritable luxe, ce privilège de pouvoir prendre part à ça régulièrement !

Le Festival de musique de chambre de Montréal se tiendra du 4 au 26 juin. On remarquera parmi les invités la violoniste Lara St-John et les Eroïca Trio, Tokyo String Quartet, Ranee Lee Quintet, Canadian Brass, Ottawa Bach Choir, etc.

www.festivalmontreal.org -- 514-489-3444