Critiques // Reviews

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MUSIQUE VOCALE

Brahms : Ein deutsches Requiem
Ruth Ziesak, soprano; Konrad Jarnot, baryton; Friedmann Winklhofer, orgue; Münchener Bach-Chor; Münchner Rundfunkorchester/Hansjörg Albrecht
Oehms Classics OC 787 (68 min 31 s)

Brahms : Ein deutsches Requiem
Genia Kühmeier, soprano; Thomas Hampson, baryton; Arnold Schoenberg Chor; Wiener Philharmoniker/Nikolaus Harnoncourt
RCA Red Seal 88697720662

Bien que la version d’Albrecht s’avère fort accessible, avec sa prise de son feutrée et son solide contrôle de l’expressivité, elle montre trop de faiblesses pour qu’on puisse la recommander sans réserves : problèmes d’intonation et de maîtrise des déplacements d’accents typiques de Brahms, solistes peu impressionnants, toussotement à la toute fin du premier mouvement qui gâche l’effet du mouvement entier. La lecture d’Harnoncourt, bien que plus pompeuse et moins sereine, n’en demeure pas moins clairement supérieure : voix solides, attaques franches, différenciation instrumentale bien perceptible malgré le fondu orchestral. On ne pouvait s’attendre à moins avec pareille équipe, qui n’étonne ni ne déçoit. RB

Verdi Opera Scenes
Dmitri Hvorostovsky, baritone; Sondra Radvanovsky, soprano; Philharmonia of Russia/Constantine Orbelian
Delos DE 3403 (55 min 34 s)

Recorded live from Moscow in 2008, this disc contains repertoire these two artists brought to Toronto’s Roy Thomson Hall a year ago as part of their North American tour. Both singers are in absolute top form. Nineteen years after winning Cardiff Singer of the World in 1989, Hvorostovsky’s voice remains a marvel, and Radvanovsky is simply the best Verdi soprano today. Duets from Un ballo in maschera, Simon Boccanegra and Il Trovatore form the centerpiece of this disc. Hvorostovsky’s virile, long-breathed baritone and Radvanovsky’s plangent, opulent soprano blend as perfectly as one can hope to hear. Despite this being a concert performance, there is plenty of dramatic urgency – fiery confrontation in the Ballo and Trovatore excerpts and filial tenderness in the Boccanegra scene. Constantine Orbelian, the baritone’s frequent collaborator, is the ever supportive conductor. There are three encores, with the lion’s share going to the soprano. Radvanovsky, who is part Czech, sings “Song to the Moon” with refulgent tone. Her “Vissi d’arte” is equally fabulous. Hvorostovsky is suavely seductive in the serenade from Don Giovanni. At 55 minutes, the disc is a bit short, but the quality of the singing makes up for it. The accompanying booklet has a short essay, bilingual texts and bios of the two stars but not a word about the conductor or orchestra. Highly recommended for fans of great singing. JKS

MUSIQUE INSTRUMENTALE

Beethoven: Gods, Heroes, and Men - The Creatures of Prometheus/Symphony No. 3 “Eroica”
Orchestre symphonique de Montréal/Kent Nagano
Analekta AN2 9838 (73 min 51 s)

The album includes some explanatory notes by conductor Kent Nagano. Nagano’s writing style tends to the formal and prolix but he makes some interesting points nonetheless. He sees the Prometheus myth as symbolic of the entire European Enlightenment period. Prometheus is the new self-creating man beholden neither to gods nor kings. Napoleon was the Prometheus incarnate of the time and Beethoven – at least until Napoleon declared himself emperor – greatly admired this man who would remake the world. The Promethean Spirit was, for Beethoven, a hope. But for us today, according to Nagano, it is “a warning, or perhaps even a curse.”
The CD begins with five excerpts from Beethoven’s The Creatures of Prometheus ballet score. Apart from the overture, they are fragments and only occasionally compelling, but Nagano and the OSM play them with tremendous energy and attention to detail.
Nagano is known to be very interested in historically informed performance practice and there is certainly plenty of evidence of it in this Eroica. Tempi are quick in accordance with Beethoven’s metronome markings, vibrato is used sparingly, and the timpanist uses hard sticks. In addition, Nagano’s phrasing often involves swelling up and then falling away, as compared to the more sustained phrasing customary in music of the romantic era. There are plenty of examples in the first movement, and then again in the horn trio in the Scherzo. To my ears, this historically informed approach to phrasing and dynamics verges on affectation when it is used so often.
On the other hand, there is no denying that Nagano has gone over the score with infinite care and made decisions about the shape of every phrase and the length of every note. But in being meticulous he has not ignored the big picture. This performance is consistently engrossing and often exciting.
The recording team deserves a lot of credit too for achieving such an optimum balance between clarity and reverberation. It is a triumph for Nagano, the OSM and Analekta. PER

Berg, Webern, Schœnberg : le quatuor et la voix
Quatuor Diotima; Sandrine Piau, soprano; Marie-Nicole Lemieux, contralto
Naïve V 5240 (64 min)

Le quatuor français Diotima nous livre une lecture fouillée de trois œuvres emblématiques de l’École de Vienne pour illustrer la forme du quatuor à cordes avec voix. Schœnberg a composé son Deuxième Quatuor sur la frontière de plus en plus ténue entre tonalité et atonalité. Il a réussi le tour de force d’inclure, dans les deux derniers mouvements, la voix humaine sans compromettre l’unité de son troublant chef-d’œuvre. Les poèmes, mariant symbolisme et expressionnisme, de Stefan George sont magnifiquement rendus par Sandrine Piau. Les Six Bagatelles de Webern sont réputées pour leur concision, mais leur intensité compense généreusement leur durée. Une composition inédite incluant la voix, sur un texte lapidaire de Webern lui-même, complète ici la série des Bagatelles. Marie-Nicole Lemieux y met toute son âme, tout comme elle le fait dans le Largo desolato de la Suite Lyrique de Berg sur le « De Profundis clamavi » de Baudelaire traduit en allemand par Stefan George. Prise de son limpide pour couronner un disque à part. AL

Brahms: Concerto for violin op. 77 - Sextet No. 2 op. 36
Isabelle Faust, violin; Mahler Chamber Orchestra/Daniel Harding; Julia-Maria Kretz, violin; Stefan Fehlandt, Pauline Sachse, viola; Christoph Richter, Xenia Jankovic, cello
Harmonia Mundi HMC902075 (74 min 50 s)

Isabelle Faust is undoubtedly one of a select group of truly great artists playing the violin today. This new release of Brahms’ violin concerto is a performance that is a classic for the ages. Moreover, it demonstrates a sensibility that is uniquely of its time, looking forwards and backwards simultaneously. Faust is paired with the Mahler Chamber Orchestra, under the leadership of Daniel Harding. Harding and his excellent orchestra take the role less of sympathetic accompanist, and more of a collaborative partner. Together they produce a rare performance of the Brahms violin concerto that sounds like a chamber music partnership. Faust chooses the rarely heard cadenza by Busoni, actually a duo with percussion, referencing the Beethoven violin concerto to which Brahms’ own work owes a debt. This performance is informed by a lot of research into 19th century performance practice, and tempos and use of vibrato are chosen wisely. The intonation could not be more delightful. This recording is one of the most interesting, original, and sparkling interpretations of the Brahms violin concerto on disk, well paired with a sensational performance of the G major sextet. A highly recommended album to treasure. PP

César Franck : Symphonie en ré mineur / Florent Schmitt : La Tragédie de Salomé
Orchestre Métropolitain/Yannick Nézet-Séguin
ATMA ACD2 2647 (70 min 58 s)

Nézet-Séguin m’apparaît de plus en plus comme le Bernard Haitink de sa génération : soyeux équilibre orchestral, clarté des lignes, expressivité retenue. Ce dernier point mérite développement : en effet, si certains passages de La tragédie de Salomé semblent manquer un tantinet, à première écoute, d’une folie extatique à laquelle l’auditeur est en droit de s’attendre, il lui faut simplement faire preuve de patience. La stratégie formelle du chef concentre les pleins pouvoirs orchestraux sur les danses finales, fort efficaces. Œuvre méconnue jumelée à une aussi bonne version de la célèbre Symphonie en ré mineur de Franck : voilà un autre programme intelligent à ajouter à la liste de notre étoile montante. Nos compliments également à ATMA, qui récolte le fruit de ses efforts en proposant un enregistrement pour orchestre n’ayant rien à envier aux gros producteurs internationaux. RB

CPE Bach: Cello Concertos
Truls Mork, violoncelle; Les Violons du Roy/Bernard Labadie
Virgin Classics 50999 6944920 8 (68 min 25 s)

Élégance et sensibilité sont les maîtres mots qualifiant cette parution éminemment réjouissante des Violons du Roy, accompagnés de l’excellent Truls Mork. Le corpus pour violoncelle de Carl Philipp Emanuel Bach est, avec celui de Haydn, l’un des exemples les plus réussis de démonstration de virtuosité de cet instrument avant les grands canons romantiques. Qui plus est, les thèmes et mélodies dessinés avec maestria par les plumes de ces deux compositeurs sont au service de l’instrument et de sa tessiture si ample et chaleureuse – mais aussi de son agilité remarquable, et ce, autant dans les aigus que dans le registre grave. Les Violons du Roy font flèche de tout bois en accompagnant avec ferveur un Truls Mork leste et aérien, mais aussi copieux et charnu lorsque nécessaire. Une autre belle réussite pour M. Labadie et sa troupe. FC

Dmitry Shostakovich: Symphonies Nos. 1 & 3
Royal Liverpool Philharmonic Choir and Orchestra/Vasily Petrenko
Naxos 8572396 (64 min 33 s)

The slip-cover for this fifth release in the RLPO Shostakovich symphony cycle features a photo of their youthful conductor. The booklet note illustration offers another image of a young man: Dmitry Shostakovich seated outdoors with a tabby cat in his lap. The picture is entitled, “Two days before the completion of the First Symphony, 28th June, 1925.” The composer’s clear and confident gaze speaks volumes for the character of this emerging genius. It also provides insight into the wide-open wonder of his early symphonies. Shostakovich’s was probably the most successful and durable first symphony in the history of music. Petrenko directs a performance that seems perfectly aligned with the impish intellect of the youngster in the photograph. The Third presents a somewhat different challenge. In the novel Red Square by Martin Cruz Smith, a post-Soviet character explains that, “…what people forget is that there actually was idealism at the beginning of the Revolution…(people) all believed that anything was possible.” Although it was disowned in later years by the composer, the Third Symphony is a brilliant evocation of the avant-garde - up to the Bolshevik drivel of the concluding chorus (masochistic collectors will welcome the complete sung text and English translation included in the booklet). With its cascading succession of themes and fiendishly clever orchestration, it represents an admirable product of the creative revolution before the brutal imposition of socialist realism and the ideological entrapment of art. Petrenko and the RLPO tackle it with enthusiasm and make it worth listening to.

These performances uphold the high standard of the previous issues of Symphonies Nos. 5, 8, 9, 10 and 11. It looks like the late Rudolf Barshai’s Cologne cycle (Brilliant Classics) has serious competition in the budget category at last. WSH

Harpes d’Irlande : Musiques traditionnelles
Gisèle Guibord, Robin Grenon, harpe
GIG-102 (53 min)

Ce disque de musique traditionnelle réunit les harpistes Gisèle Guibord et Robin Grenon dans un florilège de pièces constituant une synthèse du symbole musical de l’Irlande. De Danny boy à Carolan’s dream en passant par The boys of Kilkenny, l’inspiration de la harpe à cordes d’acier, de la double-harpe et de la harpe paraguayenne nous fait voguer dans ces brises et tranchées irlandaises où règnent calme et profondeur, tous deux captés par une prise de son précise et enveloppante. Au-delà de la sérénité émanant du disque, on reconnaîtra avec évidence la complicité du duo de harpistes, de même que l’abondance du programme, qui réunit 18 pièces au total. Ces morceaux sont si agréables à écouter que le mélomane curieux sera certainement tenté d’approfondir ses connaissances. La seule ombre au tableau est l’absence d’un livret nous renseignant sur les œuvres et sur l’univers de la harpe. Pour ces curieux, un tour sur la toile sera donc de mise. CP

Jacques Hétu : symphonique
André Laplante, Alain Lefèvre et Michelle Yelin Nam, piano; Orchestre symphonique de Montréal/Kent Nagano; Orchestre symphonique de Québec/Yoav Talmi; Toronto
Symphony Orchestra/Peter Oundjian; Amadeus Choir; Elmer Iseler Singers
Radio-Canada SMCD 52503 (78 min 33 s)

Un an après son décès, Jacques Hétu a droit à un hommage discographique d’importance. Ce CD regroupe trois œuvres symphoniques enregistrées en concert par notre radio d’État. Trois œuvres très différentes dans leur conception, mais trois œuvres fortes de la maturité de ce compositeur majeur. Les trois Légendes, commande pour célébrer les 400 ans de Québec, sont trois épisodes à saveur folklorique (on y entend même un reel !) aux couleurs flamboyantes. Les étranges Variations sur un thème de Mozart surprennent par le développement du thème mozartien, qui cite Wagner au passage, mais qui comportent constamment la griffe propre à Hétu. Mais la pièce de résistance est certainement la Symphonie no 5, pour choeur et orchestre, œuvre majeure de 47 minutes qui évoque Paris sous l’occupation, avec le magnifique poème de Paul Éluard confié au chœur final. Cette symphonie – le chant du cygne du compositeur – vaut à elle seule le détour : riches couleurs orchestrales, clarté des gestes, intelligence et subtilité du développement thématique, sur de nombreux plans, cette œuvre sera certainement un pilier de notre répertoire. À découvrir absolument ! EC

John Adams Portrait
Angèle Dubeau, violon; Louise Bessette, piano; La Pietà
Analekta AN 2 8732 (60 min 36 s)

John Adams goes all huffy nowadays when anyone refers to him as a minimalist, distancing himself from his roots in a movement that made melody permissible, often to the point of nausea.
The three pieces on this disc, played with great zest by Angèle Dubeau’s Quebec ensemble La Pietà, demonstrate the strength of those roots. Shaker Loops for string septet was made in 1978 out of fragments of a previous string quartet, itself founded on Steve Reich’s use of melodic loops of differing length. The language here may belong to Reich but the syntax is uniquely Adams, a relentless pulsing that offers no promise of eventual resolution. You take the ride at your own risk.
Both other pieces here date from the early 1990s, when Adams was struggling with his eclectic violin concerto. Road Movies for violin and piano manages to be repetitive without ever becoming hypnotic so effectively does the composer shift the landscape with new features. John’s Book of Alleged Dances is plain old mischief – six itchy riffs for string quartet in which the tune is forever challenged by pizzicato clicks of what might be a defective metronome. The album is original and Dubeau’s sense of fun is infectious and the sound immediate. NL

Louis Lortie plays Liszt – Années de Pèlerinage
Louis Lortie, piano
Chandos 10662(2) (CD 1: 80 min 15 s; CD 2: 81 min 5 s)

Le pianiste québécois Louis Lortie n’a rien perdu de sa virtuosité époustouflante, de son ardeur et de son énergie. Le pianiste signe une intégrale des Années de Pèlerinage de Franz Liszt, véritable marathon de musique tonitruante, immense déluge de notes. Et il frappe fort. Sa technique nous permet d’entendre ces pièces sans fausses notes. Tout est en place, les annotations sont respectées, le magnifique jeu de pédales, la limpidité de l’articulation offrent une lecture claire et disciplinée de l’œuvre. Mais il manque ici parfois de personnalité, d’engagement. Lortie semble hautement préoccupé par la beauté sonore, l’exactitude des phrasés. Le souffle du Malin est donc absent d’Après une lecture de Dante. L’Orage n’effraie pas, la Vallée d’Obermann et les Sonnets de Pétrarque sont chiches en poésie. Par contre, le pianiste excelle lors des tourbillons de petites notes qui entourent les mélodies lisztiennes. Les Jeux d’eaux à la Villa d’Este, Venezia e Napoli, Au bord d’une source font partie de ces moments magiques qui justifient amplement l’acquisition de cette intégrale. Ceux qui se demanderont pourquoi les Venizia e Napoli ne suivent pas la Deuxième Année : Italie en viendront à comprendre que l’interprétation magistrale de Lortie commandait une place de choix dans cette intégrale. NB

Matteo: 300 Years of Italian Cello
Matt Haimovitz, violoncelle
Oxingale OX2018 (73 min 19 s)

Le titre de l’album, quoique assez exact, mérite clarification. Matt Haimovitz célèbre le tricentenaire de son instrument (signé Matteo Goffriller, d’où le jeu de mots « MATTeo » de la pochette) en alternant des œuvres italiennes distantes d’environ 300 ans : la quasi-intégrale des 7 Ricercari de Domenico Gabrielli entrecoupés d’œuvres contemporaines. (À noter que le Ricercar manquant, ainsi qu’une pièce de Scelsi, sont disponibles sur le site web de l’étiquette.) L’idée est magnifiquement bien présentée, car le caractère didactique du recueil du compositeur baroque (ayant clairement influencé les Suites de Bach) a sa place au milieu d’œuvres « difficiles », tout en en atténuant l’âpreté. Si la nationalité de Brian Cherney semble briser le concept italien, son Capriccio nous la fait oublier par sa qualité d’écriture et ses citations déguisées. On pourrait même affirmer qu’il s’agit de la meilleure pièce moderne du disque avec la fascinante Sequenza du regretté Berio, ce qui n’est pas peu dire vu l’excellence générale. Une prise de son correcte, sans atteindre des sommets dans le genre, constitue l’unique bémol à une note parfaite. RB

Robert Schumann : Humoreske op. 20, Studien den Pedalflügel op. 56, Gesänge der Frühe op. 133
Piotr Anderszewski, piano
Virgin Classics 50999 642022 0 4 (63 min 31 s)

Les mots manquent pour décrire un tel monument de beauté profonde. Piotr Anderszewski signe ici ce qui s’impose comme un enregistrement de référence dans un récital des négligés du répertoire schumanien pour piano. L’Humoresque opus 20 est une œuvre rarement entendue, rarement enregistrée. On en connaissait une version de Richter, maître à penser de Piotr Anderszewski. L’élève surclasse le maître haut la main. L’opus 20 est constitué d’une suite de pièces denses, au discours schizophrène et complexe que l’artiste rend avec une clarté bouleversante. Chaque note a un sens, chaque mélodie est mise en valeur, un souffle mélancolique traverse toute l’œuvre. Du même ordre, Les Chants de l’aube opus 133 sont trop simples techniquement, trop complexes musicalement, les pianistes n’osent pas s’en approcher. Anderszewski comprend cette musique et nous donne une lecture sereine, hautement poétique d’une des dernières compositions de Schumann. Entre ces deux œuvres majeures, les Études pour piano-pédalier, arrangées par le pianiste, offrent plus qu’une curiosité musicologique. Ces études de sonorité sont interprétées avec une définition des lignes mélodiques impressionnante. La musique pour piano de Schumann trouve un nouveau maître. À écouter et réécouter pour en explorer toute la richesse. NB

Salsa Baroque : Musiques d’Amérique latine et d’Espagne du 17e et 18e siècle
Ensemble Caprice/Matthias Maute
Analekta AN 29957 (61 min 17 s)

Le flûtiste, compositeur et chef d’orchestre Matthias Maute s’est intéressé au métissage des styles et des genres musicaux qui s’était opéré en Amérique latine aux 17e et 18e siècles. C’est que la plupart des compositeurs installés à cette époque au Nouveau Monde (Fernandes, Araujo, Zéspedes, Salazar, Zipoli, etc.) étaient nés en Europe, principalement au Portugal et en Espagne. Ils avaient su marier avec bonheur les rythmes exotiques qu’ils y découvraient et le contrepoint qui avait marqué leur formation initiale. D’un intérêt musicologique assuré, la « sauce baroque » de l’Ensemble Caprice n’est pas sans rappeler la démarche souvent renouvelée d’un Jordi Savall, mais elle ne parvient pas à trouver les couleurs et le fini que l’incomparable chef catalan sait obtenir de son orchestre. Ici, les musiciens s’en donnent à cœur joie et réussissent à rendre le côté chorégraphique ou populaire de la musique, mais ils s’exécutent dans une sorte d’uniformité dynamique dépourvue de nuance et de couleur, sauf rares exceptions. Il faut déplorer aussi l’absence de texte pour les parties chantées. AL

Serge Arcuri : Migrations
Jonathan Crow, Mark Fewer, violons; Douglas McNabney, alto; Yegor Diachkov, violoncelle; Robert Cram, flûte; Simon Aldrich, clarinette; Louise Bessette, piano
ATMA classique ACD2 2625 (74 min 29 s)

Serge Arcuri fait partie de ces compositeurs tranquilles dont on ne parle pas souvent (et que l’on n’entend pas souvent non plus, malheureusement), mais qui construisent une œuvre forte, majeure, essentielle. La clarté du son, l’harmonie riche et les gestes mélodiques sensibles caractérisent la musique de ce compositeur incontournable. Ce disque regroupe huit œuvres de chambre toutes plus fascinantes les unes des autres de par leur beauté intrinsèque, mais aussi leur simplicité et leur sincérité. Si la pièce-titre Migrations, pour flûtes et sons enregistrés, fascine, c’est Les Voix des Hautes-Gorges, pour clarinette et sons enregistrés, qui captive par sa poésie. Les Furieuses enluminures, qui ouvre le programme, est probablement l’une des plus belles musiques du compositeur. Bref, chaque œuvre ensorcelle l’auditeur. Les interprètes sont excellents, démontrant une grande sensibilité à cet univers sonore et un engagement total. Un disque à écouter absolument pour renouer avec la beauté et la bonté d’une musique certes contemporaine mais qui sait toucher intelligemment le public. Indispensable. EC

Tchaikovsky: Symphony No. 4/Romeo and Juliet
Russian National Orchestra/Mikhail Pletnev
PentaTone Classics PTC 5186 384 (60 min 19 s)

This Tchaikovsky recording was made in June 2010, in Moscow with the orchestra Pletnev created. The performances are curiously lacking in emotion and drama. The main theme in the first movement is chromatic and tortured, but not in this performance. Pletnev takes a tempo that is too fast for much expression of any kind. In the second movement the melancholy charm disappears altogether.
In Romeo and Juliet the same problem with tempi occurs again. The music depicting the quarrels between the Capulets and the Montagues is marked Allegro giusto, and Tchaikovsky indicates no change of tempo for the love music which follows. Pletnev is forced to awkwardly put on the brakes for the love music after starting the fight music too fast.
The performances are unconvincing and the orchestra sounds less than distinguished. There is a strong Russian tradition in this repertoire – Mravinsky, Svetlanov and Gergiev come to mind – but Pletnev doesn’t seem to be particularly interested in either the music or the tradition. PER

The Business of Angels: English Recorder Music from the Stuart Era
Alison Melville, flûtes à bec; Lucas Harris, luth et guitare baroque; Nadina Mackie Jackson, basson baroque; Boris Medicky, clavecin; Joëlle Morton, viole basse
Pipistrelle Music PIP1110 (57 min 52 s)

Si l’angélisme est une entreprise, alors celle de ces musiciens de Toronto est promise à une belle prospérité. Provenant en majorité de compositeurs inconnus (excepté une pièce de Haendel et une autre de Corelli) tels qu’Eccles, Mercy, Paisible (!), Finger, Topham et Tollett, les pièces sur ce disque constituent de beaux exemples de musique profane anglaise du 17e siècle. Rien de bien surprenant, mais du plaisir assuré à l’écoute de ces petites sonates pimpantes, jouées avec brillance par les musiciens torontois. Alison Melville est une interprète de premier niveau et maîtrise avec brio cet instrument mal aimé – et si mal représenté par l’épreuve qu’il fait subir à tant de parents qui doivent écouter leurs enfants en jouer, par obligation, aux concerts de fin d’année. Peut-être que si on leur offrait ce disque, ils comprendraient alors tout le potentiel de beauté que possède ce petit morceau de bois ! FC

DVD et BLU-RAY

Gustav Mahler: Symphonies Nos. 4, 5 & 9
Symphonies Nos. 4 and 5; Camilla Tilling (soprano); World Orchestra for Peace/Valery Gergiev
C Major 702608 (133 min + 21 min bonus)

Symphony No 9; Staatskapelle Berlin/Daniel Barenboim
C Major 703708 (79 min + 22 min bonus)

The World Orchestra for Peace was founded by Sir Georg Solti in 1995. It is an ensemble of international all-star musicians who volunteer their services without fee. When Solti died in 1997, Valery Gergiev stepped in to lead the orchestra. A supplementary booklet in this set lists the complete roster of players for the first fifteen years. In a typical example of his reckless generosity, the conductor offered a programme of two Mahler symphonies when the orchestra assembled for a concert at the BBC Proms last year. One wonders if this has been done since the composer reprised his Fourth at its Concertgebouw premiere in 1904? The performances are truly excellent. The dedicated response of the musicians can actually incline one to believe that peace, or something like peace, is possible in our time. Gergiev conducts without a baton and the semaphore-like finger gestures and intensely communicative eye contact are fascinating to observe.
Daniel Barenboim was a late convert to the music of Gustav Mahler. His interest in the ‘meaning’ of the symphonies begins and ends in the crucial matters of sonority. This presentation is in token of a complete Mahler cycle by the Staatskapelle Berlin. Barenboim shared conducting duties with Pierre Boulez. Given the success of Barenboim’s 2006 audio recording of the Ninth (Warner), it is hardly surprising that this account is absolutely top-drawer. For the first time in memory on film, the conductor actually has a score open in front of him for the performance. The bonus footage is especially worthwhile with the two conductors in conversation and in respective rehearsal clips. WSH

Ludwig van Beethoven: Symphonies Nos 1-3 – Overtures: Coriolan & Egmont
Wiener Philharmoniker/Christian Thielemann
C Major 704708 (3 DVDs – 156 min/documentaries 170 min)

Ludwig van Beethoven: Symphonies Nos. 7-9
Annette Dasch, soprano; Mihoko Fujimura, contralto; Piotr Baczala, tenor; Georg Zeppenfeld, bass; Wiener Singverein; Wiener Philharmoniker/Christian Thielemann
C Major 705108 (3 DVDs 157 min/documentaries 169 min)

And everything old is new again… Since the mid-1990s collectors have been sustained on a diet of Beethoven-lite (with the notable exception of recorded cycles by Daniel Barenboim/Teldec and Stanislaw Skrowaczewski/Oehms). Excellent boxes of the Nine attest to the quality and dedication of regional and broadcast orchestras from Frankfurt, Liverpool, Stuttgart, Zurich, Ghent, Edinburgh, Bolzano/Trento, Quebec, Padova/Veneto and Paris. Under the influence of period instrumental technique and the urtext Bärenreiter Edition, Beethoven symphonies are commonly presented as fleet and lightly sprung and, at all times, exciting entertainment. Yet most of the examples cited run aground for lack of strength in the mighty Ninth. Christian Thielemann subscribes to the robust German tradition in this music. His readings are deep and unhurried and these performances will not disappoint anyone placing value on the recorded heritage of carved-in-stone Klemperer (EMI/Andromeda), the first (EMI) and third (DG) sets conducted by Herbert von Karajan, and various live accounts left by Wilhelm Furtwängler. This is Beethoven for the ages.
The initial issue in the cycle featured Symphonies 4-6. It was warmly greeted in this periodical and the remainder of the collection is very fine. It is a special pleasure to see and hear the VPO in peak form with sky-high morale. The orchestra has not sounded nearly as well on record since its 1970s cycles under Karl Böhm and Leonard Bernstein (both DG). The three-disc format (two of performances, with the third devoted to documentary content with the conductor and Joachim Kaiser) is retained in the second and third instalments. Alternative Blu-ray versions are accommodated on single discs at the same retail price as the multiple conventional DVD issues. The ‘documentaries’ do no harm; neither are they absolutely essential. Thielemann in conversation with Kaiser is a meeting of two like minds. Richard Osborne would have made a more challenging interlocutor.
The key point here is that Thielemann’s cycle validates a strong performing tradition and it amply earns a place on the shelves of discriminating collectors. Each major work receives a musically outstanding performance and the overtures make a valuable bonus in themselves. In audio-visual terms, these sets sweep the board, including Claudio Abbado and the BPO on a Roman holiday (EuroArts/Medici Arts), and Thielemann comes to within an ace of equalling Herbert von Karajan’s legendary 1977 (a New Year’s Eve concert in Berlin) account of the Choral Symphony (EuroArts). WSH