Critiques / Reviews

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Critiques / Reviewers
RB: René Bricault, FC: Frédéric Cardin,
FB: Francine Bélanger, JB: Julie Berardino,
EC: Éric Champagne, JKS: Joseph K. So ,
AL: Alexandre Lazaridès, PER: Paul E. Robinson, WSH: Stephen Habington, PP: Pemi Paull

Politique de critique : Nous essayons de présenter autant de produits que possible, mais il nous est impossible de couvrir chaque nouvelle parution. Review Policy: While we try to review as many products as possible, we are unable to cover every new release> HHHHHH indispensable / a must! HHHHHI excellent / excellent HHHHII très bon / very good HHHIII bon / good HHIIII passable / so-so HIIIII mauvais / mediocre

MUSIQUE VOCALE

Ombra Cara : Arias de George Frédéric Haendel

Encore une fois, la Maison Harmonia Mundi n’a rien sacrifié pour offrir un album d’une grande élégance. Pour Bejun Mehta, c’est un premier enregistrement sous cette bannière. Il est un des contre-ténors les plus recherchés de sa génération en plus d’être un musicien accompli et un directeur artistique reconnu. Sa voix exprime force ou douceur aussi bien dans les tons graves que dans les aigus, tout indiqué pour ces arias d’ombre et de lumière. Le chef René Jacobs, dont la réputation auprès de nombreux chanteurs n’est plus à faire, l’accompagne et le soutient de ses conseils. C’est également un plaisir d’entendre la voix douce et pure de la soprano Rosemary Joshua. Quant à lui, le Freiburger Barockorchester connaît maintenant plus de vingt ans de réussite continue. Il s’est exprimé dans de nombreux enregistrements et il a remporté des prix prestigieux sous la baguette de chefs triés sur le volet. Ce CD témoigne de la pertinence de ce partenariat. Un DVD qui permet de voir l’équipe au travail complète l’enregistrement. FB

Verdi: Requiem
Luba Orgonasova, Anke Vondung, Alfred Kim, Carlo Colombara; Gächinger Kantorei Stuttgart; Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR/Helmuth Rilling
Hänssler Classic CD98.606 (2CD: 146 min 41 s)
HHHHII

The most operatic of all requiems, the Verdi Requiem is also the most recorded, with nearly one hundred studio and live recordings commercially issued, many still in the catalogue. This new version from Helmuth Rilling comes from Hänssler, the German independent label. Rilling is of course the foremost Bach specialist of our time, but how is his Verdi? Recording at the Beethovensaal in Stuttgart in 2009, the primary pleasures in this recording are the Gächinger Kantorei Rilling founded in 1954, and the SWR Stuttgart Radio Symphony. Rilling gives a very good if not entirely idiomatic reading of the score; curiously the performance lacks that intangible spirituality found on the best versions. The four soloists are variable. Slovak soprano Luba Orgonasova is famous in this work, having sung it countless times and recorded it for John Eliot Gardiner. Here she sings quite beautifully, but occasionally she is tremulous and either suffers from flatness or the sound turns white and small at the top. Also troubling is a lack of power in the forte passages: she takes a breath just before rising to the climactic high C in the finale. German mezzo Anke Vondung, a Mozart and Strauss specialist, is out of her element in Verdi. Carlo Colombara sings idiomatically but the voice is sometimes afflicted with a slow vibrato. Korean tenor Alfred Kim has the pleasing Italianate timbre, but the voice develops a pronounced vibrato when under pressure. The recorded sound is fine. Rilling’s admirers will want this, but there are better versions out there. JKS

Vivaldi : Ottone in Villa
Sonia Prina (Ottone), Julia Lezhneva (Caio Silio), Veronica Cangemi (Cleonilla), Roberta Invernizzi (Tullia), Topi Lehtipuu (Decio); Il Giardino Armonico/Giovanni Antonini
Naïve OP 30493 (135 min 7 s)
HHHHHI

L’Édition Vivaldi de la maison Naïve poursuit sa mission salvatrice de la musique du prêtre roux, en particulier ses opéras. Cet Ottone in Villa, dont c’est ici le premier enregistrement mondial, a été composé en 1713 (à l’époque de l’Estro Armonico) et est considéré comme le premier ouvrage lyrique du maître de Venise. Il porte à tout le moins la marque flamboyante de la jeunesse du compositeur, de sa verve mélodique et de sa fougue rythmique. Le livret raconte les aventures de l’empereur Otton et de sa cour, en vacances au bord de la mer. Quiproquos amoureux, jalousies, tromperies, l’ensemble du scénario est prétexte à des commentaires assez cyniques sur la haute société, ses dépravations et sa futilité. Les solistes sont remarquables. Divine Lezhniva, jeune soprano russe, et impérial Topi Lehtipuu, malgré le fait qu’il doive se contenter d’un rôle secondaire. Il Giardino Armonico et son directeur réussissent splendidement leur première aventure discographique dans le domaine de l’opéra. Bravo. FC

Wagner: Wesendonck Lieder / Preludes & Overtures
Measha Brueggergosman, soprano; The Cleveland Orchestra/Franz Welser-Möst
Deutsche Grammophon 477 8773 (72 min 16 s)
HHHHHI

Recorded last February in Severance Hall, the home of the Cleveland Orchestra, this all-Wagner disc is a felicitous addition to the already crowded catalogue of excellent Wagner recordings. Austrian conductor Franz Welser-Möst, adored in Europe, is not always liked in Cleveland. Judging by this disc, one wonders why. Welser-Möst’s conducting here is the paragon of sensitivity and refinement, full of rich details and the occasional intriguing, even revelatory touches. I particularly like the Prelude to Act 1 and Act 3 of Lohengrin, although the artificial ending of the Act 3 excerpt is a little jarring. The transparent texture of the Meistersinger excerpt, devoid of heaviness, is gorgeous – the singing tone is perfect; it’s a comedy after all! And the disc is beautifully recorded. If there is a fly in the ointment, it is the close microphone placement for the soloist in the Wesendonck-Lieder. Canadian soprano Measha Brueggergosman has a rich, opulent voice, but the close miking exaggerated her already pronounced vibrato in forte passages, especially in ‘Der Engel’ and ‘Stehe still.’ The quiet moments of ‘Im Treibhaus’ is exquisite, and she delivers a highly poetic ‘Träume.’ The playing of the fabled Cleveland Orchestra under Welser-Möst is impeccable and stands up well compared to recordings the Cleveland forces made under the great George Szell and Christoph von Dohnanyi. This is a potential contender for best recording of 2010. JKS

MUSIQUE INSTRUMENTALE

Anton Bruckner: Symphony No 8
Orchestre de la Suisse Romande/Marek Janowski
PentaTone PTC 5186 371 (Hybrid SACD - 79 min 47 s)
HHHHHI
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks/
Rapahel Kubelík
BR Klassik 900703 (78 min 12 s)
HHHHII
Staatskapelle Dresden/Christian Thielemann
Profil PH10031 (2 Hybrid SACD – 82 min 57 s)
HHIIII

The past year brought forth a greater number of new recordings of the Bruckner symphonies than the anniversary flood of 1996. These ranged from the cosmetically enhanced (7 & 9 from Frankfurt under Paavo Järvi/RCA) to the indecent haste in No 5 (Järvi senior from The Hague/Chandos). Honourable mention goes to accounts of the Fifth conducted by Bernard Haitink (BR Klassik) and the Sixth from Christoph Eschenbach and the London Philharmonic (LPO). At the outset of 2011, BR Klassik has issued a complete cycle of the symphonies conducted by Lorin Maazel. Günter Wand’s Cologne cycle will be re-issued by RCA at super-budget price. Turning to the present versions of the Eighth, the rising Bruckner tide has washed up a hi-tech benchmark, a sentimental favourite and a disappointment (but a hi-tech disappointment).

Marek Janowski and the OSR have previously recorded very good accounts of Nos 5 and 6 and a rather idiosyncratic version of No 9 for PentaTone. This performance of the Eighth brings the cycle to a new and rarefied peak of achievement. Here is Janowski in full stride just as he was in his Brahms symphony cycle from Pittsburgh (also for PentaTone). The orchestra has never sounded better and the conventional CD layer and super audio in stereo or multi-channel is of the highest quality. Janowski’s performance has earned a place next to the classic versions of Karajan and Giulini (both DG) and Wand (RCA).

Any previously unreleased performance conducted by Raphael Kubelík is a significant event. This live concert relay from 1977 was chosen by BR Klassik to represent the conductor in a six-disc retrospective collection celebrating the orchestra’s sixtieth anniversary. Like Janowski, Kubelík favoured the Nowak edition of the score. He shapes the performance with great sensitivity and warmth and the Bavarian RSO responds with palpable devotion.

The Thielemann performance of the Haas edition was recorded live in September 2009. This is an important release for Profil (the lavishness of the booklet attests to great expectations). The label has established a strong bridgehead in Dresden (the set is Volume 31 in Profil’s Staatskapelle Edition) and Christian Thielemann is due to take over the orchestra in 2012. Sadly, this is the most expensive and least worthy of the Eighth on offer. The conductor’s copy of the score must resemble an untidy child’s colouring book. God may be in the details but these are very often improvised with sudden decelerations and sharply diminishing volume (so skilfully done that one almost suspects control-room intervention). Yet be assured that Thielemann got the sound (and sound effects) that he wanted. Oddly, he rates the Staatskapelle as second to the Vienna Philharmonic. Odd because the VPO generally goes into a sulk when confronted by an opportunist in Bruckner (they’ve done it to some bigger names). The Staatskapelle let him get away with it – this time. If a recording of this symphony by this orchestra is essential, then seek out Volume 24 in the edition. Bernard Haitink gives a superb performance of the Eighth and throws in an equally fine reading of Mozart’s Prague Symphony. WSH

Boris Tchaïkovsky: Symphony no. 2, Five Pieces for Piano, Four Preludes for Piano
Moscow Philharmonic Orchestra/Kyrill Kondrashin
Hanssler PH 10038 (66 min 14 s)
HHHHHI

Précision initiale et nécessaire : Boris Tchaïkovski (1925-1996) n’a aucun lien de parenté avec Piotr. Sa Symphonie no 2 laisse une très forte impression. La musique s’y déploie d’une façon extrêmement fluide, laissant les thèmes, motifs et autres caractères s’imbriquer, s’étioler, se reformer et s’épanouir les uns dans les autres avec une aisance surprenante. On pense immédiatement aux symphonies de l’Anglais Robert Simpson. Cette partition est franchement moderne, mais d’une façon très originale. La musique est résolument tonale, mais sans pivot central déterminé. Elle ne sonne pas atonale non plus, et ses dissonances ne souffrent pas de cet aspect abrasif qui rebute tellement de profanes. Elles semblent plutôt faire naturellement partie des arcs mélodiques, ce qui rend cette symphonie étrangement accessible malgré son absolue modernité. Cette conception très « élargie » de la tonalité occidentale renvoie aux musiques orientales (indienne, persane, arabe) mais sans avoir le moindre rapport timbral et harmonique avec ces expressions esthétiques. Cette musique est unique, tout simplement. Les pièces pour piano qui complètent le programme sont des œuvres de jeunesse qui trahissent l’influence de Rachmaninov, un peu Debussy, parfois Chopin. La Symphonie a elle seule vaut le prix du disque, par contre. FC

Franz Schubert: Symphonies 1-10
Academy of St Martin in the Fields/Sir Neville Marriner
Newton Classics 8802033 (6 CDs – 364 min 38 s)
HHHIII

Welcome to Newton Classics, cut-price raider of dormant big-label back catalogues. The collection was recorded by Philips and last issued as a mid-price box in 2002. It offers what we know of Schubert the symphonist (Nos 1-6, 8 & 9) plus realizations/completions by Brian Newbould of putative Symphonies 7 and 10, third and fourth movements, to tag on to the Unfinished and orchestrations of symphonic fragments D615 and D708a. Fine performances are achieved throughout in the customary manner of Marriner’s Academy.

There is a long tradition of latter-day composers and academics helping Schubert to fill out his symphonic numbers. From Joseph Joachim through Felix Weingartner to Andy Stein and Mario Venzago in more recent times, the Schubert beat goes on. Brian Newbould has been the most persistent in Schubertian musical forensics. Sir Charles Mackerras thought well enough of his scholarship to record a selection of realizations with the Scottish Chamber Orchestra (Hyperion). If Newbould’s reconstructed scores do not bear Schubert’s autograph, there are plenty of the composer’s fingerprints in largely recycled material scrounged from discarded (but happily preserved) folio sheets. Legitimacy of the music may be perceived solely in the ear of the beholder. Given the quality of the performances here, the set is well worth investigating.

Newton scored another coup from the Philips archives with a four-disc box of Igor Markevitch conducting the LSO in Tchaikovsky Symphonies 1-6 (8802036). This famous set was recorded in the early 1960s. Markevitch was the acknowledged master of the Pathétique and he brings an incisive articulation to Nos 1-3, which has eluded later interpreters. WSH

Günter Raphael: Orchestral Works - Symphonies 2-5, Choral Symphony
MDR Sinfonieorchester/Chistoph Altstaedt (2)/Matthias Foremny (3), Berlin Philharmonic/Sergiu Celibidache (4), NDR Sinfonieorchester/Hans Schmidt-Isserstedt, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks/Michael Gielen (Choral)
CPO 777563-1 (3 CDs – 279 min 04 s)
HHHIII

Classic Production Osnabrück is heroic in seeking out obscure but worthy music to bolster its glorious catalogue. In the realm of 20th century German music, CPO brought out a welter of discs devoted to the revival of the symphonies of Emil Nikolaus von Reznicek, Hermann Bischoff, Sigmund von Hausegger, Richard Wetz, Ernst Toch, Karol Rathaus, Eduard Erdmann, Ernst Krenek and Ernst Pepping. And now for a triple helping of Günter Raphael (1903-1960), a composer who, on the evidence presented here, belongs in the top half in terms of quality among the aforementioned composers. Raphael had much in common with his contemporary, Karl Amadeus Hartmann. He too was an internal exile during the years of the Third Reich. Raphael was part Jewish and at constant risk, particularly during the war. And like Hartmann, he was a compulsive revisionist of his works. In the fine booklet note by Matthias Hermann, Raphael is described as, “Profound and contemplative as well as jocular and sarcastic.” The same qualities are very evident in his music: his style is Classical-Romantic, with modern inflections generously bestowed. The purely orchestral abounds with gritty cohesion. The Choral (“Of the Great Wisdom” after Laotse) is exotic in the manner of British composers Bantock and Foulds. These three discs offer most rewarding listening.

CPO goes the extra mile for Raphael. Broadcast archives were plundered to find Celibidache in the Fourth (1950), Schmidt-Isserstedt conducting the Fifth (1960) and Gielen’s Choral from 1965. The newer recordings of the First and Second reveal an up-and-coming conductor with just as great a sense commitment to Raphael as that demonstrated by Celi. This set should not be missed by any collector with an abiding interest in the symphonies of the past century. WSH

Gustav Mahler: Symphony No 6
Oslo Philharmonic Orchestra/Jukka-Pekka Saraste
Recorded in concert 10-12 March 2010 in the Oslo Konserthus
Simax Classics PSC1316 (80 min 18 s)
HHHHHI

The consecutive Mahler anniversary year is off to a great start with this account of the Sixth Symphony. It is also an auspicious debut in the Canadian market for the Simax label. The orchestra previously recorded Mahler’s First, Second, Seventh and Ninth under the baton of Mariss Jansons. Jukka-Pekka Saraste has been music director since 2006 and herewith proves to be a formidable Mahlerian. The performance is one of conviction and thrust. Saraste has fortunately not given in to the current trend of reversing the inner movements. His presentation of the scherzo second and andante third makes the best musical sense. Earth-shattering hammer blows in the finale, perhaps the best ever recorded, create a sensation of nostalgia blended with renewal. The playing of the orchestra is outstanding throughout. This performance takes precedence over any other of recent years, including Abbado’s remake with the BPO (DG) and even Jansons’ Concertgebouw recording (RCO Live). And look forward to the release of Jukka-Pekka Saraste conducting the WDR Orchestra Cologne in Mahler’s Ninth (Profil). WSH

Haydn: 12 London Symphonies
Les Musiciens du Louvre – Grenoble/Marc Minkowski
Naïve V 5176 (4 CD: 4 h 46 min)
HHHHHH

Enlevant ! Électrisant ! C’est ce qui vient à l’esprit à l’écoute de ce coffret consacré au 12 symphonies londoniennes de Joseph Haydn. Enregistrées en concert au Konzerthaus de Vienne, les douze dernières partitions symphoniques du compositeur sont élevées ici à un niveau de jeu époustouflant. La prédilection de Minkowski pour les tempi prestes et brusques rend service à ces œuvres excitantes. Aucun ennui, aucune seconde de mollesse ou d’hésitation. Papa Haydn s’en serait senti revigoré ! FC

Sibelius : Concerto pour violon - Le Barde - La Nymphe des bois
Frank Peter Zimmermann, violon; Orchestre philharmonique d’Helsinki/John Storgårds
Ondine ODE 1147-2 (62 min 57 s)
HHHHII

Zimmermann est un grand violoniste, mais il loupe curieusement l’introduction du Concerto de Sibelius, jouée de manière amorphe et dénuée de mystère. Puis, l’orchestre intervient de façon distante et neutre, ce qui pourrait être dû, mais seulement en partie, à une prise de son globale et plutôt étouffée. L’Adagio di molto traîne. Seul le dernier mouvement amorce de justesse un corps à corps entre soliste et orchestre. Au total, l’œuvre manque de l’incandescence glaciale qui caractérise tant d’autres œuvres du grand compositeur finlandais, ce qu’Osmo Vänskä a bien compris dans ses enregistrements de référence. Les deux poèmes symphoniques qui complètent le programme sont d’inégales longueur et valeur. Le Barde est rondement mené, mais sans réelle invention. En revanche, la Nymphe des bois, qui regorge d’idées et de trouvailles orchestrales, est mieux maîtrisée, mais c’est dans la deuxième partie, d’une grandeur épique assurée, que le chef semble trouver l’ardeur nécessaire pour emporter l’adhésion, un peu tard tout de même. AL

Sviatoslav Richter Archives Vol. 19
Brahms: Piano Concerto No. 2*; Beethoven: Piano Concerto No. 1*; Beethoven: Piano Concerto No. 3**; Saint-Saëns: Piano Concerto No. 5***
Boston Symphony/Charles Munch*; Warsaw Philharmonic/Witold Rowicki**; Leningrad Philharmonic/Kiril Kondrashin***
DOREMI 2 CDs DHR-7972/3
HHHHII

Those of us who were around in the 1950s and 1960s remember well how exciting it was to hear live for the first time some of the legendary artists from the Soviet Union. Richter made his first appearances in the U.S. in 1960 with concerts and a recording in Chicago. Then came concerts and a recording with the Boston Symphony. This new DOREMI release gives us one of those Boston concerts in excellent broadcast sound. A recording was made by RCA of the Beethoven Piano Concerto No. 1 but this live performance is even more exciting. Richter had already recorded the Brahms Piano Concerto No. 2 in Chicago with Leinsdorf conducting but this live performance in Boston is much more vibrant. Both Richter and Munch were frequently more spontaneous in live performance than in the studio. Richter hits a few wrong notes in the Brahms and so do the horn players – and the pick-up on the timpani is overpowering at times – but it really doesn’t matter. This is great music making.

The Beethoven Piano Concerto No. 3 from Warsaw in 1960 is less impressive than the Boston performances and the sound is poor. But the Saint-Saëns Piano Concerto No. 5 “Egyptian” recorded live in Leningrad in 1955 captures Richter at the top of his form. He takes the finale at lightning speed – compare his much slower 1993 recording from Germany – demonstrating that on a good day his technique was second to none. But in addition to the virtuosity what really set Richter apart from other pianists was his imagination. PER

MUSIQUE de CHAMBRE et SOLO

Bach: Organ Works

Nicolas-Alexandre Marcotte, orgue
XXI-21 CD21713 (64 min)
HHHHII

Dans les excellentes notes de programme, l’interprète lui-même nous explique la différence entre les principales « écoles » de jeu d’orgue : l’ancienne (« baroque »), axée sur l’articulation claire, et la moderne (« symphonique »), exploitant la continuité du jeu lié. Un écoute sommaire du disque suffit à nous faire comprendre à quel point le 19e siècle fut influent, car le jeu baroque de Marcotte étonne effectivement par sa légèreté. Un subtil découpage de tous les instants rapproche l’orgue du clavecin et de son sens du phrasé. Certains amateurs de la grandiose, presque étouffante puissance dramatique de certaines fugues de Bach y entendront peut-être une régression émotive, mais le répertoire choisi s’applique bien au style interprétatif. C’est le timbre et le contrepoint plutôt que la passion qui sont à l’honneur ici. RB

Beethoven: Les « Derniers » Quatuors à cordes, op. 127, 130, 131, 132, 135 et op. 133 « Grande Fugue »
Quatuor de Tokyo (Martin Beaver, Kikuei Ikeda, violon; Kazuhide Isomura, alto; Clive Greensmith, violoncelle)
Harmonia Mundi HMU 807481.83 (3 CD : 3 h 18 min)
HHHHHI

Depuis sa création en 1969 par quatre étudiants japonais, le quatuor de Tokyo a subi plusieurs changements de garde. En fait, seuls le second violon et le violoncelliste actuels appartiennent à la formation originale. Le premier violon et le violoncelliste sont maintenant représentés par le Canadien Martin Beaver et l’Anglais Clive Greensmith. Ces changements pourraient-ils expliquer l’espèce d’objectivité qui régit l’interprétation de l’intégrale des Quatuors de Beethoven par cette formation ? Comme toujours, le jeu est impeccable de bout en bout, le dialogue entre les instrumentistes tout à fait adéquat, et l’intonation d’une précision assurée. L’ensemble est porté par une prise de son qui émerveille. Il manque pourtant à cette dernière livraison des Tokyo, peut-être à cause du caractère testamentaire des œuvres enregistrées, un supplément d’âme (dans l’introduction du Quatorzième Quatuor par exemple) qui en ferait une grande interprétation. Ce n’est pas le cas ici, en dépit d’indéniables qualités. Il reste toujours les Budapest, les Italiano, les Berg, les Végh, ou bien encore les « jeunes » Pražák qui bénéficient, eux aussi, d’une prise de son moderne. AL

Beethoven: String Quartets op. 18, no. 1 & op. 127
Artemis String Quartet
Virgin Classics 50999 62865906 (60 min 05 s)
HHHHHI

The Artemis Quartet has become known as one of this generation's most serious and intelligent string quartets. Its recording of the Ligeti quartets established that it is able to tackle the thorniest of scores with a keen sense of structure and drama. Turning its attention to the core repertoire of the quartet idiom, the Artemis Quartet is currently working its way through the complete cycle of Beethoven's string quartets. This disc couples the composer’s first published quartet, op. 18, no. 1, with the first quartet of his visionary late quartets, op. 127. These are serious interpretations with attention to detail, cohesion of ensemble, and structure as the primary focus of the performance. Less emphasis is placed on the humour and spontaneity, which are also very much at the core of these works. The recording is quite close up, allowing the listener to hear the graininess in the quartet’s sound, which, because of the rigorous discipline and seriousness of these performances, is not given the chance to fully breathe. Overall, these are fine performances played by a top-notch ensemble, but must Beethoven always be so lofty, even (or especially) in his late works? That is for the listener to decide. PP

Brahms: Handel Variations op. 24, Rhapsodies op. 79, Piano Pieces op. 118 & 119
Murray Perahia, piano
Sony Classical 88697 79469 2 (78 min 37 s)
HHHHHI

Intéressant album de la part de Perahia, qui revient à Brahms pour la première fois en vingt ans ! L’interprète aura développé une maturité lui permettant une profonde compréhension des splendeurs du répertoire romantique pour piano. L’approche est si équilibrée et élaborée qu’elle fait ressortir superbement chaque subtilité, chaque jeu de contrepoint, chaque idée – comme si chaque extrait était un voyage en lui-même. L’ensemble du disque est teinté de la connaissance et de l’expérience de la musique de Bach, d’une manière rappelant les enregistrements de Glenn Gould. Moins que d’énergie brute, l’album regorge plutôt de sensualité, de lyrisme ainsi que d’un léger mais juteux côté épique et chevaleresque, particulièrement dans les Rhapsodies et les Variations, qui s’y prêtent absolument. En somme, sans rien bousculer ni être imprévisible, Perahia maintient avec constance d’incroyables standards d’excellence. JB

Bernstein, Gershwin, Novacek, D'Rivera: American Music for Clarinet & Piano
Jon Manasse, clarinette; Jon Nakamatsu, piano
Harmonia Mundi HMU 907508 (56 min 8 s)
HHHHII

Ce programme de quatre œuvres américaines écrites dans les cent dernières années (de 1926 pour Gershwin à 2009 pour D’Rivera) nous accompagne sur un parcours de coloris jazzés assez prévisibles dans ce genre de répertoire. Le morceau de choix est la Sonate de Bernstein, créée en 1942. C’est une œuvre doucement moderne, empreinte de nostalgie, qui ne laisse filtrer que très évasivement les horreurs du monde de cette période de guerre. L’interprétation du duo Manasse/Nakamatsu est pleine de tendresse et d’attention aux petits détails. Les Four Rags for Two Jons de John Novacek (né en 1964), écrits en 2006, ne révolutionnent rien. Ce sont de jolis exercices un peu pastichés, mais qui ne manquent pas d’humour. Paquito D’Rivera est un clarinettiste et compositeur jazz de très haut niveau. Il est reconnu pour son jeu d’improvisation et son écriture sophistiqués, teintés de musique latine et de musique classique. Ses Cape Cod Files reflètent cet éclectisme raffiné avec leurs allusions à Benny Goodman, au bandonéon argentin et à Chopin. Les Trois Préludes de Gershwin se passent de présentation. Il suffit de dire que le duo Manasse/Nakamatsu possède une sonorité satinée et une musicalité de très haut niveau. FC

David Felder: Boxman
Quatuor Arditi; New York Virtuoso Singers/Harol Rosenbaum; New York New Music Ensemble/James Baker; Miles Anderson, trombone
Albany Records TROY1153 (56 min 19 s)
HHHIII

Le compositeur américain David Felder n'est pas très bien connu au Canada. Pourtant il jouit d'une large diffusion dans son pays natal. Professeur à l'université de Buffalo, sa musique a été interprétée par un grand nombre d'ensembles parmi les plus importants dans le milieu de la musique contemporaine américaine. Au programme de ce disque : 4 œuvres pour 4 formations différentes, et autant d'univers à découvrir ! Les Stuck-stücke pour quatuor à cordes sont une série de 15 miniatures. L'écriture reflète l'esthétique d'avant-garde propre au compositeur, mais elle fait entendre ici et là quelque passages d'une beauté lyrique surprenante. Memento Mori, pour chœur a capella, est d'une étonnante efficacité dans le traitement d'un sombre poème de Neruda. La pièce partial [dist]res[s]toration, pour orchestre de chambre et bande, est d'un grand intérêt, avec des passages à l'énergie condensée qui contrastent avec des mouvements sombres, mais riches en textures sonores. Finalement, BoxMan, pour trombone et traitements électroniques, dévoile le côté plus exploratoire et expérimental du compositeur. Ce n'est pas un album facile d'approche, mais les amateurs de musique contemporaine y trouveront de quoi se nourrir l'esprit ! EC

Louisiana – A Pianist’s Journey
Kenneth Boulton, piano
Cambria CD 1171 (2 CD : 105 min 20 s)
HHHHHI

Deux disques de charmantes petites découvertes ! Aucune œuvre de ce programme n’est un chef-d’œuvre immortel, mais chacune mérite une écoute attentive, à tout le moins. La Louisiane est ici prise dans son sens impressionniste, c’est-à-dire que les couleurs et les images suggérées par les compositeurs sont teintées d’une subjectivité romantique qui frôle parfois l’image de carte postale. Imaginez : seulement deux des huit compositeurs représentés ont réellement vécu en Louisiane ! Quoi qu’il en soit, que l’on écoute la Louisiana Suite de Walter Niemann, la Valse Créole de Roy Spaulding Stoughton, la Mississippi Suite de Ferde Grofé, des extraits de la Louisiana Story de Virgil Thomson ou les autres perles qu’il serait trop long d’énumérer ici, on ressent un plaisir sincère à participer à une « renaissance » attendue depuis longtemps, dans certains cas. C’est un voyage au pays des bayous qui n’a rien de folklorique. Qui plus est, le splendide livret contient des mines d’information sur la musique et les compositeurs, ainsi qu’une riche palette d’illustrations. Une très belle surprise. FC

The Piano Music of Earl Wild
Xiayin Wang, piano
Chandos CHAN10626 (79 min 13 s)
HHHHII

Le pianiste Earl Wild (1915-2010) était un artiste coloré, qui dégageait un je-ne-sais-quoi d’optimisme et de confiance typiquement américains. Ses choix musicaux de prédilection trahissaient cette personnalité : le grand répertoire romantique, Rachmaninov en particulier, et la musique de son pays, celle de Gershwin au premier plan. Wild réalisa des « arrangements » de chansons de Gershwin pour le piano. Sa Grand Fantasy on Porgy and Bess, tout comme ses Seven Virtuoso Études (sur des chansons de Gershwin) font partie de cette démarche. La Grand Fantasy et les Études diffèrent, par contre, dans leur structure. La première est une sorte de morceau d’éclat mariant 12 mélodies bien connues de l’opéra en un seul épanchement rhapsodique qui passe d’un air à l’autre de manière fluide, tout en réintroduisant ici et là certaines mélodies entendues précédemment. Les Études sont d’un autre genre. Sept en tout, elles sont séparées les unes des autres et approfondissent un caractère particulier à chaque chanson (toutes des standards du répertoire gershwinien). On est beaucoup plus près de Chopin, ici. Une Sonate, écrite en 2000, clôt le programme d’une manière appropriée, avec ses rythmes syncopés et sa texture percussive. FC

DVD & Blu-Ray

Arnold Schönberg: Gurrelieder

Deborah Voigt (Tove), Mihoko Fujimura (Waltaube), Stig Andersen (Waldemar), Herwig Pecoraro (narrator/jester), Michael Volle (peasant/speaker); NDR Chorus; MDR Radio Chorus Leipzig, Bavarian Radio Chorus, Bavarian Radio Symphony Orchestra/Mariss Jansons
BR Klassik 900110 9 (117 min)
HHHHHI

BR Klassik, active since 2009, has released a crop of first-class audio recordings. This is the label’s first DVD venture and it is a spectacular success. Gurrelieder, Schönberg’s massive postscript to the Romantic era, has enjoyed a distinguished recording history going back to Stokowski’s 1932 account from Philadelphia (andante), through Rafael Kubelik in 1965, with the same orchestra appearing here (DG) and more recent efforts conducted by Riccardo Chailly (Decca) and Giuseppe Sinopoli (Teldec). Commanding a legion of dedicated performers, Jansons sweeps the board to claim a primary recommendation for the work. Many collectors are wary of video presentation because the visual sense can so easily distract from the music. Gurrelieder is a music drama transcending opera. The same applies to this production, which defies sensory limitations to achieve a consummate realization of the composer’s intentions. Here, the imagery is integrated with the auditory to an unprecedented degree. Veteran video director Brian Large has surpassed himself to produce the ultimate in concert films, capturing a definitive performance led by Mariss Jansons. Producer Wilhelm Meister provides commensurate sound quality in both stereo and 5.1 formats. BR Klassik does not offer the option of on-screen subtitles. The full text and English translation are included in the generous booklet – inconvenient perhaps, but therein lies an aesthetic advantage. WSH

Beethoven: Symphony No. 9 in D minor Op. 125 “Choral”
Pilar Lorengar, soprano; Marga Höffgen, alto; Josef Traxel, tenor; Otto Wiener, bass; RTF Choir; French National Orchestra/Jascha Horenstein
DOREMI DVD DHR-7960
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Jascha Horenstein (1898-1973) was born in Kiev but studied in Vienna and Berlin. One of his important mentors was Furtwängler. Although he was too young to have known Mahler, Horenstein became an early proponent of Mahler’s music and made the first recording of Kindertotenlieder (1929). He was driven out of Germany by the Nazis and moved to the US. But after the war most of his career was centered in Europe. He was particularly active in London and members of the London Symphony who played under him still speak in awe of his conducting skills.

This performance of the Beethoven Ninth was given in Paris October 31, 1963. According to Joel Lazar, who wrote the notes for this DVD and who was Horenstein’s assistant for many years, this is one of only two known surviving video documents of his conducting. Unfortunately, the video quality is poor and the sound is far from ideal. Nonetheless, we can still get a sense of how Horenstein could galvanize an orchestra. Anyone interested in the history of performance in the 20^th century will find this DVD worth investigating. PER

Braunfels: Die Vögel
Désirée Rancatore (Nightingale), Brandon Jovanovich (Good Hope), James Johnson (Loyal Friend), Martin Gantner (Hoopoe), Stacey Tappan (Wren), Brian Mulligan (Prometheus), Matthew Moore (Eagle/Zeus)
Los Angeles Opera Orchestra and Chorus/James Conlon
Mise en scène : Darko Tresnjak
Décors : David Gordon; Costumes : Linda Cho
Arthaus Musik 101 529 (DVD et Blu-Ray: 139 min)
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Walter Braunfels (1882-1954) est un compositeur allemand à moitié juif qui fut qualifié de dégénéré par les infectes autorités nazies. Il mourut dans l’anonymat, en exil sur les bords du lac de Constance. Pourtant, en 1920, il fut acclamé lors de la première de cet opéra fantaisiste basé sur une pièce d’Aristophane. La musique, fortement tributaire de celles de Wagner et de Richard Strauss, insuffle ce qu’il faut de miroitement tonal et instrumental pour contribuer à l’atmosphère de rêve et de conte qui imprègne l’œuvre. L’histoire est assez simple : deux amis se retrouvent au mystérieux pays des oiseaux et s’aperçoivent que ceux-ci vivent dans la peur constante de l’arbitraire des dieux. L’un des deux protagonistes les convainc de bâtir un royaume dans les nuages, hors de la portée des maîtres du monde. Mais le projet, en fin de compte, échoue. La trame narrative sert de prétexte à des réflexions sur la transcendance et la place de l’homme dans l’univers. La mise en scène, plutôt conventionnelle, bénéficie tout de même de décors suggestifs, bien qu’épurés, et, surtout, de costumes flamboyants signés Linda Cho pour les oiseaux. Des rouges éclatants, des verts lumineux, des jaunes chaleureux et des bleus étincelants transmettent une féerie de nuances qui sont autant de plaisirs pour les yeux. FC

Haydn: Il Mondo della Luna
Vivica Genaux, Bernard Richter, Dietrich Henschel, Christina Landshammer, Anja Nina Bahrmann, Maite Beaumont, Markus Schäfer; Concentus Musicau Wien/Nikolaus Harnoncourt
Mise en scène : Tobias Moretti
Costumes : Heidi Hackl
C Major 703508 (DVD et Blu-Ray : 192 min)
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Quelle fantastique réussite ! Cet opéra de Haydn laisse encore perplexes plusieurs mélomanes qui ne savent pas réellement quoi en penser, la plupart du temps avant de l’avoir entendu ! Son propos fantaisiste (basé sur une comédie de Goldoni) s’adapte merveilleusement bien à la satire et la dérision qui y sont présentes. Il permet surtout une remarquable adaptabilité à divers contextes scéniques de mise en scène. C’est probablement ce qui le rendra de plus en plus attrayant pour les compagnies d’opéra dans les années à venir. Bien sûr, il y a aussi, et surtout, la musique de Haydn. Un Haydn fougueux et un brin juvénile, mais toujours aussi rigoureux et savant. La combinaison parfaite ! Le metteur en scène Tobias Moretti a décidé de transposer l’action de cette comédie bouffonne dans les années 1950, avec forces costumes et poses typiques de l’époque. Ce choix, en plus de permettre au mordant de la caricature psychologique de s’exprimer amplement, autorise un regard doublement critique puisqu’il rapproche son sujet plus près du public actuel. Savoureux. À découvrir d’urgence, si vous n’étiez pas déjà familier avec l’œuvre. FC

James Levine: Celebrating 40 Years at the Met
Soloists, Metropolitan Opera Orchestra and Chorus/James Levine. Recorded in Performance at the Metropolitan Opera, New York
Decca 1135701355 (21 DVDs)
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James Levine debuted at the Met in June 1971. Appointed principal conductor in 1973 and music director in 1976, forty years later he remains entrenched in the house. This colossal and correspondingly rewarding DVD box pays tribute to his glorious and unprecedented longevity. A companion box of 32 CDs is also offered for opera lovers who may lack television. All very well and never mind that Levine has already invaded the homes of collectors worldwide with his broadcasts, recordings and more films than the combined output of Cecil B. DeMille and Mack Sennett. If Maestro Levine ever faces charges of flagrant exhibitionism in the service of high art at the Metropolitan Opera, the contents of this collection will be sufficient for the prosecution to obtain a conviction. Consider the exhibits in evidence with partial lists of accomplices:

»EXHIBIT A: Alban Berg: Lulu (1980); John Dexter, producer, Julia Migenes, Evelyn Lear, Kenneth Riegel, Frank Mazura. First release on DVD; benchmark performance.

»B: Alban Berg: Wozzeck (2001); Mark Lamos, producer, Falk Stuckmann, Graham Clark, Katarina Dalayman, Wendy White, Michael Devlin, Wolfgang Neumann. First release on DVD; benchmark performance.

»C: John Corigliano: The Ghosts of Versailles (1992); Colin Graham, producer, Teresa Stratas, James Courtenay, Håkan Hagegård, Gino Quilico, Renée Fleming, Graham Clark. World premiere recording; first release on DVD.

»D: WA Mozart: Le Nozze di Figaro (1985); Jean-Pierre Ponnelle, producer, Ruggero Raimondi, Kathleen Battle, Artur Korn, Frederica von Stade, Thomas Allen, Carol Vaness, Dawn Upshaw. First release on DVD.

»E: Giacomo Puccini: Il Trittico (1981); Fabrizio Melano, producer, Renata Scotto, Cornell MacNeil, Gabriel Bacquier, Bianca Berini, Gwynn Cornell, Charles Anthony, James Courtney; benchmark performance.

»F: Bedrich Smetana: The Bartered Bride (1978); John Dexter, producer, Nicolai Gedda, Teresa Stratas, Martti Talavela, Jon Vickers. First release on DVD; benchmark performance.

»G: Richard Strauss: Ariadne auf Naxos (2003); Elijah Moshinsky, producer, Susanne Mentzer, Waldemar Kmentt, Wolfgang Brendel, Richard Margison, Natalie Dessay, Deborah Voigt. The cuckoo in the nest; this performance was commercially released by Virgin Classiscs in 2010 and their livery is retained in the Levine box.

»H: Richard Strauss: Elektra (1994); Otto Schenk, producer, Hildegard Behrens, Deborah Voigt, Brigitte Fassbaender, Donald McIntyre. First release on DVD; benchmark performance.

»I: Richard Strauss: Der Rosenkavalier (1982); Nathaniel Merrill, producer, Tatiana Troyanos, Kiri Te Kanawa, Kurt Moll, Luciano Pavarotti. Only at the Met would Pav be given a minor role.

»J: Giuseppe Verdi: Don Carlo (1980); John Dexter, producer, Vasile Molodoveanu, Renata Scotto, Sherill Milnes, Paul Plishka, Tatiana Troyanos.

»K: Kurt Weill: The Rise and Fall of the City of Mahagonny (1979); John Dexter, producer, Ragnar Ulfung, Cornell MacNeil, Astrid Varnay, Teresa Stratas, Paul Plishka.

»L: The Met in Concert (1982, 1983): Plácido Domingo, Tatiana Troyanos, Leontyne Price, Sherill Milnes. Excerpts from three gala concerts of opera’s biggest hits performed by some of its biggest stars.

The original master tapes of the foregoing broadcast performances have been carefully restored. Most pictures are in 4:3 ratio but that can be rectified by the ‘wide fit’ screen setting on most HD sets. Booklet notes are provided and several include interviews with the conductor by Matt Dobkin. The verdict? Essential for the serious collector of opera films. And as for Levine, he is guilty as hell. And he seems to have enjoyed every minute of the past four decades. WSH

Piotr Anderszewski – Voyageur intranquille
Bruno Monsaingeon, réalisation
Idéale audience 3077934 (DVD et Blu-Ray : 83 min)
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Le voyage en train, et son potentiel de moments intimes qui portent les voyageurs à la confidence, semble avoir la cote ces temps-ci. Bruno Monsaingeon, qui n’en est pas à ses premières armes dans le domaine du portrait d’artistes ou de compositeurs, utilise cette approche dans son très beau documentaire sur le pianiste Piotr Anderszewski, qui incidemment remporta le Prix du meilleur portrait au FIFA de Montréal en 2009. On voyage avec le pianiste dans un train affecté spécialement pour lui et son piano à queue de répétition (un piano dans un train, oui !), et ce, pour les besoins d’une tournée qui va de sa Pologne natale à Budapest. Réflexions sur la vie, la musique, les pianistes en général, etc., tout cela entrecoupé d’extraits de concerts donnés lors des arrêts. La caméra de Monsaingeon se fait attentive, humble et peu intrusive, ce qui ne prive pas le spectateur de confidences honnêtes et sans fard du jeune pianiste. Aucun artifice, pas de mise en scène « pour faire spectaculaire » ou pour épater la galerie, ni d’appui sur les affects « pour faire people ». Seulement un profond respect de l’homme, de l’artiste et de l’humain. FC

Verdi: Don Carlo
Rolando Villazon, Marina Poplavskaya, Simon Keenlyside, Ferruccio Furlanetto, Sonia Ganassi, Eric Halfvarson, Robert Lloyd; Orchestra and Chorus of the Royal Opera House Covent Garden /Antonio Pappano
EMI Classics 50999 6 31609 9 (2 DVDs: 211 m)
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This Covent Garden production, taped in 2008, is the same as the one seen recently on Met in HD, a few cast changes notwithstanding. The history of Don Carlo is rather confusing, given the number of versions available in French or Italian. This revival, sung in Italian, is billed as the 5-act version, but all that’s left of Act 1 is the Fontainebleau Scene – the opera opens with the entrance of Carlo and his aria. The much praised director Nicholas Hytner offers a rather conventional take on the piece, especially when compared to some of the more recent, bizarre ones like the Konwitschny production in Vienna. The handsome set design by Bob Crowley is striking and evocative. But the chief pleasure of this performance is the singing – there isn’t a weak link. Rolando Villazon’s passionate, heart-felt and tragic Don Carlo is incredibly moving. Yes, he pushes and his impending vocal crisis was already in evidence in summer 2008, but his intensity won me over. On the other hand, Russian Marina Poplavskaya is too cold as Elisabetta, despite lovely vocalism. She stacks up well against the modern competition, perhaps not quite as good as Karita Mattila but better than Iano Tamar and Amanda Roocroft. Simon Keenlyside is a perfect Rodrigo, sympathetic and sung with plangent tone. The marvelous King Philip of Ferrucio Furlanetto is as good as it gets today. Eric Halfvarson is a scary Grand Inquisitor. The Eboli of Sonia Ganassi is very human, and she sings a dynamite ‘O don fatale.’ Pappano loves this work and it shows, drawing beautiful sounds from the orchestra. This performance is well worth owning. If you want Villazon in top form, get the Willy Decker production from Netherlands Opera, although his fans will want it all. JKS

LIVRE

Deutsche Grammophon: State of the Art
By Remy Louis, Thierry Soveaux, Olivier Boruchowitch & Yannick Coupannec
New York: Rizzoli, 2010 (223 pp.)
ISBN: 978-0-8478-3532-7
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This large-format pictorial volume was originally published in French last year by Verlhac Editions of Paris. Co-authors Louis and Soveaux and photo editor Coupannec are conveniently Parisians, while Boruchowitch lives in Brussels. All four are classical record fanatics with reverent feelings toward the venerable 111-year-old yellow label. The lavish illustrations of album covers, artist portraits and candid shots (fall in love with Martha Argerich all over again) from studio sessions provide a sumptuous path to nostalgia. Remy Louis wrote three major chronological sequences on the history of DG. Thierry Soveaux contributed a section entitled Fifty Years of Stereo in the Service of Music while Olivier Boruchowitch sums up with three pages of abstract twaddle. Glorious imagery is further broken up with company executive interviews and testimonials from the current DG artist roster. Two CDs of ‘bleeding chunks’ of recorded performances are included, as if that might be an incentive to mature collectors.

The authors try to be objective but covertly agree that DG is essential to the recording industry, DG was the best and must remain the leader in classical music. Living in the Past might have been a more truthful subtitle. DG survives on its back catalogue, periodically marketing limited editions of old (but usually worthy) records. More than two decades after his death, Herbert von Karajan is still their best-selling artist.

The text in part acknowledges the decisive contribution made by the petite Holocaust survivor, Elsa Schiller (Louis allows she had been ‘deported for two years’) to rebuilding DG in the 1950s but you will look in vain for a photograph of this remarkable woman. Soveaux makes the shocking discovery (he must have been in a record store within the past four years) that, “SACD seems to have been abandoned (by DG),” but there is no explanation why. Rainer Maillard of the now-independent Emil Berliner Studios lets slip that all sessions include multi-channel recording just in case the speaker array in private listening rooms multiplies in the future.

Still, the book is worthwhile for the sake of the pictures but any resemblance between the DG of today and that of forty and even 25 years ago (let’s say before Naxos) is purely coincidental. The lesson to be drawn is probably something along the lines of, “Don’t allow your arts firm to be gobbled up by greedy conglomerates.” WSH