Opéra de Montréal

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Erwartung / Château de Barbe-Bleue

« De la neige, des écureuils, 90 chaînes à la télévision, des centaines de sortes de céréales... »

Gregory Vajda conserve de bons souvenirs de son premier séjour à Montréal. En 1985, alors qu'il avait 12 ans, il avait fait le voyage avec son père de sa Budapest natale au Canada pour entendre sa mère, la soprano Veronika Kincses, chanter Mimi dans la production de La Bohème de l'Opéra de Montréal. Presque 20 ans plus tard, Gregory Vajda se prépare à ses propres débuts à l'Opéra de Montréal, alors qu'il dirigera, à partir du 13 mars, la double production du Château de Barbe-Bleue de Bartók et d'Erwartung de Schönberg dans une mise en scène de Robert Lepage. Pour le maestro Vajda, c'est un début spécial, non seulement en raison de ses souvenirs de jeunesse, mais aussi parce qu'il fera connaître à Montréal une musique profondément liée à sa propre notion de l'héritage de l'Europe centrale.

Lorsqu'il parle de ses racines, le maestro Vajda évoque la grande tradition musicale hongroise dans laquelle il s'inscrit, de Bartók, Kodály et Dohnányi jusqu'à Kurtág, Eotvos et Ligeti. Comme beaucoup de ses illustres prédécesseurs, Vajda est à la fois un interprète et un compositeur, ce qui lui vaut une place particulière parmi les chefs contemporains. C'est d'abord en dirigeant l'exécution de sa propre musique que Vajda s'est rompu au métier de chef d'orchestre. Durant ses études à Budapest, il a été influencé par le compositeur-chef Peter Eotvos, auprès duquel il a appris « une technique de direction, la manière de répéter une pièce et celle de traiter les chanteurs et les musiciens. Je lis et j'apprends les partitions rapidement et j'aborde toute œuvre comme une première mondiale. »

Une prononciation singulière

Monsieur Vajda affirme que le trait le plus caractéristique de la musique hongroise est sa prononciation unique. « Les chanteurs doivent faire face à la difficulté, bien sûr, mais la langue hongroise influe aussi énormément sur l'écriture instrumentale. » Le hongrois, lointain cousin du finnois, est une langue très rythmique qui accentue fortement les premières syllabes des mots et le début des phrases. « La diction hongroise agit sur la pensée des compositeurs pour ce qui est de la mélodie et du rythme, ajoute Wajda, et dans la musique de Bartók, on trouve en plus l'influence de la culture populaire. » Dans l'opéra de Bartók, Le Château de Barbe-Bleue, les influences de la musique populaire sont partout présentes.

Le Château de Barbe-Bleue, seul opéra de Bartók, est l'une des pierres angulaires du reste de son œuvre. « On peut entendre beaucoup de Richard Strauss dans cet opéra, dit Vajda, et sentir la présence de la tradition romantique et des caractéristiques de la musique hongroise. » Par son orchestration et l'utilisation de la métaphore musicale, Le Château de Barbe-Bleue révèle bien cette parenté romantique. « On entend une clarinette haute à la première porte (la chambre de torture), les cuivres à la cinquième porte (paysage et nuages rouges), la harpe au lac de larmes (sixième porte). Lorsque le duc parle de ses trois premières femmes, la musique continue de monter en tonalité de façon suggestive. C'est l'un des plus beaux moments de l'opéra. »

Ces détails musicaux et dramatiques postromantiques sont l'une des similitudes les plus sensibles entre Le Château de Barbe-Bleue et le « monodrame » d'Arnold Schönberg. Erwartung (1909) a été écrit deux ans avant Le Château de Barbe-Bleue (1911). Rien n'indique que Bartók connaissait l'œuvre de Schönberg, mais « il semble que quelque chose dans l'air à cette époque faisait ressortir ces qualités d'expressionnisme, de symbolisme, de métaphore – la recherche d'un langage de psychologie en musique », affirme Vajda. En fait, pendant de nombreuses années, Schönberg lui-même a régulièrement eu des séances avec le « père de la psychanalyse », le D^r Sigmund Freud, et il était profondément engagé dans l'avant-garde artistique, littéraire et scientifique qui repoussait les frontières de la conscience humaine au tournant du xx^e siècle. Pour le maestro Vajda, cependant, c'est l'art de Schönberg qui est si remarquable. « La raison pour laquelle j'aime tellement la musique de cette partie de la vie de Schönberg ne tient pas vraiment aux systèmes ou à la théorie, mais plutôt à la musique. Erwartung est une œuvre courte (environ 35 minutes), mais peut paraître beaucoup plus longue parce qu'elle est profonde et dense. » Sur le plan de la composition, les préoccupations de Schönberg étaient très semblables à celles de Bartók. « À mon avis, dit Vajda, ces opéras sont les deux facettes d'un même problème, regardé du point de vue de l'homme dans l'un (Château), du point de vue de la femme dans l'autre (Erwartung). Ils racontent tous deux l'hitoire de personnes incapables d'être ensemble, mais tout aussi incapables de vivre l'une sans l'autre. On perçoit très clairement ces tensions pessimistes et tragiques dans la musique. »

Une gigantesque improvisation

Vajda décrit la direction de la partition de Schönberg comme un gigantesque exercice d'improvisation. Erwartung est composé dans une forme très ouverte, correspondant au monologue intérieur du protagoniste. « Bien sûr, la musique est écrite de façon très précise. Sur le plan pratique, tout doit être très strictement mis au point avec la chanteuse et l'orchestre durant les répétitions mais, en concert, il faut se laisser porter pour atteindre à un style très flexible, spontané. »

La chanteuse d'Erwartung (nommée simplement « la Femme ») contribue également à l'impression d'impulsivité de l'œuvre grâce aux modulations apparemment libres de sa voix, de la parole murmurée au grand chant d'opéra. Une bonne part de l'œuvre fait appel à un style créé spécialement par Schönberg, le Sprechgesang, une sorte de parole haussée écrite dans la partition à l'aide de X et de flèches sur la portée, rappelant à de nombreux égards l'ancienne convention du récitatif à l'opéra.

Schönberg, comme Bartók, était très conscient de ses prédécesseurs musicaux alors qu'il composait Erwartung. Outre l'influence classique du récitatif, l'ombre de Richard Wagner se fait encore sentir dans la construction harmonique, alors que Gustav Mahler « inspire toute la couleur sonore orchestrale » de l'œuvre. Parmi les aspects remarquables, il y a ces moments où les bois lèvent le pavillon de leurs instruments dans les airs, produisant un effet « strident », et l'utilisation d'une harpe préparée à l'aide de petits bouts de papier, ce qui produit un son particulièrement obsédant.

La version de Robert Lepage

L'univers expressionniste de couleurs et d'effets atmosphériques est évoqué non seulement par la musique, mais aussi par les images de la production, acclamée par la critique, de Robert Lepage du Château de Barbe-Bleue – Erwartung, le programme double de l'Opéra de Montréal qui prend l'affiche ce mois-ci. Depuis sa première à Toronto en 1992, la production de monsieur Lepage a été reprise huit fois à l'étranger. François Racine, chargé de recréer la mise en scène de Lepage dans chaque production depuis 1992, explique : « Le succès de cette production vient de la façon brillante dont elle allie le sentiment expressionniste de l'effondrement affectif à de puissantes images visuelles. Michael Levine [le décorateur] a conçu un grand cadre qui rappelle un tableau de Klimt autour du décor. » L'idée était d'évoquer Klimt, Freud, Vienne et la période de l'expressionnisme.

Expression visuelle et musicale

À l'intérieur de ce monde théâtral imaginatif créé par Lepage, Levine et le concepteur des éclairages, Rob Thompson, les tensions dramatiques et psychologiques évoquées par la musique trouvent également leur expression visuelle. « L'espace du Château, dit Racine, est très fermé et sombre, ce qui crée une impression physique de claustrophobie, les portes ne permettant que d'entrevoir ce qui se trouve à l'extérieur. Erwartung, au contraire, est un espace très ouvert, très éclairé et ne comprenant qu'un seul mur, mais l'œuvre traduit néanmoins un sentiment de claustrophobie mentale. Les hallucinations de la femme l'envahissent. Ce thème de l'enfermement, physique dans le premier opéra, intérieur dans le deuxième, est cardinal dans cette production. »

Lorsque Racine a entendu la musique pour la première fois, l'opéra de Bartók l'a frappé comme une « énorme vague de musique », tandis que le Schönberg exprime pour lui une passion très touchante. « Les deux œuvres, admet-il, sont exigeantes, tant sur le plan musical que thématique, mais une fois que vous commencez à superposer sur scène des images à la musique, elle devient extrêmement puissante. Le volet visuel est si bien soutenu par la musique qu'on en oublie que la musique est bizarre, on se laisse simplement emporter par l'effet d'ensemble ».

La version de Lepage remporte depuis plus de 10 ans un succès tant critique que populaire partout dans le monde. Le public montréalais aura enfin la chance de voir ce spectacle musico-theâtral unique. Pour Lepage, Racine et, en un certain sens, pour Gregory Vajda aussi, cela promet d'être un « retour au pays » exceptionnel.

[traduction d'Alain Cavenne]