Opera d’Oro: A New Budget Opera Label

 

Opera d’Oro is Allegro Distribution’s new budget line of opera recordings formerly only available at top prices from pirate labels. Despite shoddy notes in English only (plot synopsis, no libretto), the first batch of nine releases shows great promise. Treasurable is the 1969 Italian Radio and Television Orchestra studio broadcast of Rossini’s comic L’Italiana in Algeri (OPD-1146), previously available at double the price on Pantheon. The recorded sound is superb and the top notch cast includes Teresa Berganza’s agile, darkly Mediterranean Isabella, Alvino Misciano’s naturally high and flexible Lindoro, and Mario Petri’s rich, solid Mustafá. Buffo bass Sesto Bruscantini is incomparable as Taddeo. Maestro Sanzogno conducts slowly enough that one can savour the libretto’s charming absurdities, and the whole production radiates Italianate authenticity. A 1964 live La Scala Turandot (OPD-1152) features heroic Birgit Nilsson, splendidly robust Franco Corelli, and the redoubtable Galina Vishnevskaya. The Russian soprano’s Liu is Slavic and not very vulnerable, but she’s the Italian audience’s favorite. Ping, Pang and Pong are lyrical and well-matched. This is a night of great singing, with cries of "Bravo" and "Bis", but due to considerable crackle, audiophiles will prefer the Nilsson/Corelli studio version (EMI). Philip Anson

 

Comprendre la musique baroque à travers ses formes

Raphaëlle Legrand

Collection Passerelles (harmundia mundi HMB 590001.02)

 

Dans ce livre (64 p.) de vulgarisation musicologique, qui inclut deux CD au minutage généreux, Raphaëlle Legrand fournit des clés formelles pour permettre à l'amateur de musique baroque d'ajouter au plaisir d'écouter celui de comprendre. Pour illustrer son propos, elle a recours à de nombreux tableaux synoptiques, extraits de partitions et analyses structurelles souvent dotées de notations temporelles, qui facilitent l'identification des passages sur les CD.

Dans un premier temps, les formes musicales à grande échelle (opéra, sonates, musique religieuse, etc.) sont étudiées. Ensuite, une analyse plus détaillée permet de classifier les formes fixes, continues et contrapuntiques (illustrées par les 25 exemples musicaux du CD 2). Dans la troisième partie, la perspective est renversée : il ne s'agit plus de cataloguer les formes de l'époque baroque en s'appuyant sur des citations musicales, mais plutôt de partir de l'oeuvre elle-même et de l'analyser systématiquement. L'auteur a retenu à cet effet, sur le CD 1, trois oeuvres complètes (une sonate pour violon de Corelli, un Concert Royal de Couperin et une cantate de Bach) ainsi que le premier acte de l'Orfeo de Monteverdi.

S'il est vrai que certaines analyses, plutôt pointues, risquent de dérouter quelque peu le néophyte, l'ouvrage dans son ensemble est tout à fait accessible au mélomane moyen. Une belle iconographie, des graphiques clairs, en couleurs, une disposition aérée et un glossaire élaboré témoignent par ailleurs du sérieux et de la qualité de l'ouvrage et en facilitent la compréhension.

Enfin, les 2 CD puisent dans un catalogue nourri par plusieurs étoiles de la musique baroque, au premier rang desquels il faut citer William Christie, René Jacobs, Philippe Herreweghe et Kenneth Gilbert. Rodrigue Audet

 

Songs of Free Men

Paul Robeson, baritone

Sony MHK 63223

 

This highly recommended Sony Masterworks Heritage reissue appears just in time for the centenary of Paul Robeson’s birth (April 1898-1998). Sony’s 71-minute program gathers portions of three Columbia Masterworks 78 rpm records (Songs of Free Men,1942, Spirituals, 1945, A Robeson Recital of Popular Favourites, 1947). From the first two albums we have the leftist labour anthem, "Joe Hill", the Spanish loyalist song, "The Four Insurgent Generals", a Nazi concentration camp song, several Russian folksongs, "By and By", "Motherless Child" and the famous "Water Boy." All of these are also included on a recent Pearl release called "Songs for Free Men" but Sony’s sound is far preferable, being remastered from the original sources. The Pearl disc includes rare but tedious Chinese revolutionary songs and the chauvinistic "Ballad for Americans." Sony’s popular songs include eight of Norman Lockwood’s schmaltzy arrangements of Uncle Tom spirituals and show tunes (yes, "Ol Man River" and "I Still Suits Me") that Robeson would later understandably refuse to sing. These cloying arrangements can never compare to the sheer electricity and camp of Robeson’s original soundtracks from the 1930s -- best heard on "Paul Robeson and Elizabeth Welch: Songs From their Films" (Movie Stars CMSCD 011) and the two volumes of Robeson’s British recordings on Great Voices of the Century (Memoir Classics CDMOIR 415 & 426), available in Canada through Pelleas Distribution. The Sony disc also includes the first CD release of Robeson’s Hasidic chant and aria from Mendelssohn’s Elijah. For content and sound quality, Sony’s Songs of Free Men is the best single Robeson disc on the market.

 

Ninon Vallin, The Complete Pathé Art Recordings (1927-1929)

Marston 52006-2

 

La compagnie Marston a déjà fait paraître plusieurs classiques, dont une Manon de Massenet fort impressionnante, mais le coffret double consacré aux enregistrements Pathé de la soprano Ninon Vallin est possiblement sa plus belle réussite. Ninon Vallin a représenté l’essence même du chant français pendant presque 40 ans. Elle a débuté sur scène aux environs de 1911 dans La demoiselle élue de Debussy et chantait encore en concert en 1950. Elle a d’ailleurs enregistré ses derniers disques en 1956, cinq ans avant sa mort, à l’âge de 75 ans. On retrouve ici les 43 titres qu’elle a enregistrés pour la compagnie Pathé entre 1927 et 1929. Principalement voué à l’opéra français (les Manon, Thaïs et Louise de nos rêves !) et l’opéra italien (Tosca, La bohème et Madame Butterfly), ce coffret est tout simplement indispensable à ceux et celles qui cherchent à retrouver ou à connaître la véritable tradition du chant français. La voix de Ninon Vallin n’était peut-être pas la plus belle, mais certainement la plus distinctive de son époque. Ses disques, malgré le processus inégal de Pathé, témoignent de son génie. Elle pouvait simultanément illuminer le texte avec le lyrisme et la musicalité de son approche, et rendre la ligne vocale encore plus séduisante grâce à une diction irréprochable. Son art baignait dans la subtilité et l’intelligence, et elle couronnait le tout avec une technique qui lui permettait d’interpréter avec sensibilité non seulement les personnages de Manon et de Marguerite, mais aussi de Carmen et de Charlotte. Richard Turp

 

Aria: Opera Arias Arranged For Clarinet

Richard Stoltzman, clarinet

Slovak Philharmonic Orchestra

RCA Red Seal 09026-68817-2 / BMG

 

Richard Stoltzman has transcribed eighteen of the most popular opera arias from La Bohème, Faust, Porgy and Bess, La Traviata, etcetera for B flat and A clarinet, which he plays with mind-boggling virtuosity and tongue-in-cheek humour. The idea sounds kitschy but playing this good is no joke. His sheer brilliance leaves one breathless with admiration. A real treat for clarinetists, opera lovers, and fans of the bizarre. Richard Stoltzman joins the Toronto Symphony Orchestra May 25, 26, 27, 1998. Tel: 416-593-4828. www.tso.on.ca.

 

Vivaldi Motets for Soprano

Karina Gauvin, soprano / Les Chambristes de Ville-Marie

Analekta FL 23099

 

For her latest release, Montreal soprano Karina Gauvin records a selection of Vivaldi’s solo vocal works with Les Chambristes de Ville-Marie, a group founded and directed by her husband. Gauvin’s delightful sense of musicality sculpts a great deal out of the rather ordinary material. Fine moments on this disc include the "Sit nomen domini" from the Laudate Pueri with its suspensions over the pulsing string accompaniment - an effective Vivaldi-ism often copied by Handel during his Roman years. Gauvin’s warm and compelling middle range easily manages the intricate coloratura. Her phrasing is natural and shapely throughout. She tackles the demanding "Sum in medio tempestatum" and its "Alleluia" without breaking a sweat. Gauvin’s otherwise charming voice sometimes betrays her the few times she goes above the staff. Her high notes can sound tight and reedy (in the opening of "O qui coeli", for example). Also, she uses much white tone, deadening her otherwise lovely spin. The sound on this recording is wonderfully intimate, with the ensemble present and clear. Peter Phoa

 

Wings in the Night: Swedish Songs

Anne Sofie von Otter, mezzo. Bengt Forsberg, piano

Deutsche Grammophon 449-189-2

 

Swedish mezzo Anne Sofie von Otter has recently recorded everything from baroque arias to French mélodies. I still find this album of Swedish songs her most enjoyable. The generous 67-minute program samples the cream of romantic Swedish art song between 1884 and 1924. Unlike the dreary Russian songs of the same period, these Swedish lyrics are folksy, pastoral, and festive, and the influence of Grieg, Schubert and Richard Strauss is predominant. The programmatic and onomatopoeic songs like Stenhammer’s "Mood Pictures" display considerable originality and invention. Here Von Otter sounds her best, with a creamy, soothing timbre: what a joy when words and music are so beautifully matched. Anne Sofie von Otter in recital at Toronto’s Ford Centre May 1, 1998. Tel: 416-872-2222.

 

Trombone Concerti: Albrechtsberger, Wagenseil, Mozart, Haydn

Alain Trudel, trombone / Northern Sinfonia

Naxos 8.553831

 

At last, Quebec trombonist Alain Trudel’s first solo album. The four classical concertos recorded here date from about 1755 to 1770 and represent just about the entire pre-modern trombone concerto repertory. Only the Wagenseil and Albrechtsberger were written as concerts per se. Leopold Mozart’s "concerto" is extracted from the last three movements of his Serenata (1756). Alain Trudel has assembled Michael Haydn’s Concerto from a Divertimento (1764). All these works display the expected Hausmusik virtues of calm stateliness. The trombone’s part is very demure, approaching the French horn (a century before Wagner’s "Ride of the Valkyries"). The Northern Sinfonia, a chamber orchestra with harpsichord continuo, led by Trudel himself, play and record very well. This album is easy listening in the best sense. Alain Trudel and his ensemble play at Ottawa’s National Arts’ Centre on May 24.

 

Jean Jacques Rousseau : Le Devin du Village

Louis de Froment / Orchestre de Chambre Louis de Froment

Naxos CPO 999 559-2

 

Même quand on sait que Jean-Jacques Rousseau a composé un opéra, on ne reconnaît pas toujours toute l'importance de cette oeuvre qui a transformé la sensibilité de l'époque et amené l'éclosion d'un genre musical nouveau -- l'opéra-comique -- genre auquel, paradoxalement, elle n'appartient pas elle-même.

Le Devin du Village n'est pas un opéra-comique à proprement parler, car il comporte des récitatifs au lieu de dialogues parlés. Pour le reste, il présente les deux autres caractéristiques essentielles du genre, soit une musique marquée au sceau d'une élégante simplicité et une intrigue sentimentale (la réconciliation amoureuse d'un couple paysan) propre à plaire aux classes moyennes.

La simplicité même du Devin l'a parfois fait taxer de niaiserie, mais le jugement ne pourrait être plus injuste. L'oeuvre remporta un énorme succès dès sa première, en 1752, et ce fut un succès durable, car elle est demeurée au répertoire pendant près de 70 ans. Même son livret a été beaucoup imité : l'argument de Bastien und Bastienne de Mozart en dérive directement, de même que celui de Colas et Colinette de Quesnel, le tout premier opéra composé au Canada, et créé à Montréal en 1790.

Quant à la musique, cet excellent enregistrement, tiré (enfin!) des voûtes d'EMI, en fait ressortir les réels mérites. Rousseau s'y révèle un mélodiste de talent (la romance «Dans ma cabane obscure» est un morceau d'anthologie) et un dramaturge lyrique aux conceptions esthétiques d'une cohérence remarquable. La naïveté de l'orchestration est plus que largement compensée par le traitement expert des voix, non seulement dans les airs et les ensembles, mais aussi dans les récitatifs d'un naturel étonnant. Les parties vocales sont si soignées que les chanteurs, parmi les meilleurs de l'époque, n'ont aucune peine à énoncer chaque mot avec une parfaite intelligibilité -- tant mieux, car CPO n'a pas jugé bon d'inclure un livret. L'enregistrement est un peu dur et réverbérant. Par ailleurs, comme il a été originellement conçu pour une édition sur disque 33 tours, il comporte des coupures (notamment dans le «vaudeville» de la scène finale). Pierre Marc Bellemare

 

Franz Liszt: A Faust Symphony

Iván Fischer / Budapest Festival Orchestra

Philip 454-460-2, 73.45 mins. DDD.

 

Several superb recordings of Liszt’s A Faust Symphony in Three Character Portraits (depicting Faust, Gretchen, and Mephistopheles) exist but this is the first time the two alternative endings have been included on the same disc. You can program either Liszt’s original instrumental ending (1854) or the longer, more famous Chorus Mysticus (1857). This is Iván Fischer’s third critically acclaimed recording with the Budapest Festival forces (the Hungarian Rhapsodies are to come). The orchestra has notably fine wind, brass and string players. Their rapport with Fischer is total. His precise and cerebral reading is admirable but perhaps not the best way to convey Liszt’s melodrama. Tenor Hans Peter Blochwitz’s brief solo is adequate. The recorded sound in Budapest’s famous Italian Institute is detailed, balanced and crystal clear but a bit distant compared to older recordings.

 

Renée Fleming : Mozart Arias

Sir Charles Mackerras / Orchestra of St. Luke's (London 452-602-2)

Renée Fleming : Signatures -- Great Opera Scenes

Sir Georg Solti / London Symphony Orchestra (London 455-760-2)

Renée Fleming : The Beautiful Voice

Jeffrey Tate / English Chamber Orchestra (London 289-458-858-2)

 

It is no news that American soprano Renée Fleming has a gorgeous voice. Her discs of Strauss’s Four Last Songs (RCA Red Seal 09026-68539-2) and of Mozart arias were ravishing. Signatures, her disc of opera scenes, conducted by the late Sir Georg Solti was full of wonderful things (the Letter Scene from Tchaikovsky’s Eugene Onegin, Rusalka’s "Song to the Moon", the Willow Song from Otello, the embroidery scene from Peter Grimes). But in "Dove sono" one noticed the intrusion of an unpleasant vibrato on high, loud notes, and a tendency to whimper when expressing emotion. Now The Beautiful Voice confirms these annoying habits. In "Depuis le jour", even though the orchestra is held back, Fleming still whimpers on "Je suis heureuse!", has gutteral low notes, and aspirates Manon’s "Je suis be-he-he-elle!" What conclusions to draw? First of all, recordings exaggerate Fleming’s flaws. She is always better live than on disc. She doesn’t have much affinity for the French, Italian, Hungarian or Spanish repertoire (her Rachmaninov Vocalise is fine, but her "Epilogo" by Spanish pop singer José María Cano is awful). On the other hand her German stuff still sounds wonderful (Korngold, R. Strauss). So try Fleming’s Strauss Four Last Songs, Mozart Arias, and Signatures album to hear the best of her beautiful voice.

 

Alexander Zemlinsky: Die Seejungfrau / Psalms 13 & 23

Riccardo Chailly / RSO Berlin

London 444-969-2

 

The latest in London/Decca’s Entartete Musik (Music Suppressed by the Third Reich) series adds another version of Zemlinsky’s Mermaid to the discography. The first movement of this symphonic poem was identified only in 1984, and the piece was then given its first complete modern performance. Zemlinsky’s program follows Hans-Christian Anderson’s fairy tale of the little mermaid who moves from the ocean to the human world where she is shipwrecked, rescued by a prince, and transformed by the Sea Witch into a woman. The ravishing orchestral writing blends shamelessly Straussian sentimentality and brooding Wagnerian mysticism. Ethereal strings and ominous horns depict the throbbing pulse of the sea’s tidal movements. The gripping conflict between the mermaid’s optimistic love and her tragic destiny is palpable. Chailly and his orchestra give a hearty performance full of grand effects, with excellent flute and violin solos. Nevertheless, I recommend the more atmospheric and magical 1988 recording by Sinfonieorchester der Südwestfunks, Baden-Baden (Wergo 286-209-2) -- if you can find it.

 

Chansons et Danses

Jacques Lacombe / Les Vents de Montréal

CBC MVCD 1105

 

The chamber ensemble Les Vents de Montréal unites first-chair players from the Montreal Symphony Orchestra and the Orchestre Métropolitain to play new compositions and arrangements for wind instruments. This recording contains six works by D’Indy, Farkas, Prinz, Regner, Uhl, and Srebotnjak -- all accessible, atmospheric, pastoral works studded with folk dances and rhythms. With the likes of oboist Ted Baskin, flutist Tim Hutchins and French horn player James Sommerville, the playing is predictably world class. This album is marvelously polished from start to finish, enjoyable listening anywhere, anytime.

 

Alfred Schnittke : Concerto grosso No. 1

Arvo Pärt : Tabula rasa

Henry Gorecki : Concerto for Harpsichord and Strings

Yuli Turovsky / I Musici de Montréal

Chandos CHAN 9590 / SRI

 

Cet excellent disque nous propose une brève incursion du côté de l’Europe de l’Est en nous présentant trois oeuvres interprétées de façon magistrale par l’ensemble montréalais I Musici. En guise d’introduction, le sublime Concerto grosso no 1 du polonais Alfred Schnittke nous transporte dans un univers trouble où les genres les plus opposés se côtoient. Fidèle à son titre, la Tabula rasa de Pärt marque quant à elle un changement radical dans l’esthétique de ce compositeur estonien. De style néoclassique, l’oeuvre dévoile un discours musical à la fois riche et intimiste. N’étant pas en reste, Gorecki fait preuve d’un caractère fougueux et passionné avec son Concerto. L’utilisation du harpsicorde et de motifs répétitifs tendent à créer un climat parfois tendu, voire même extatique. Un disque de grande qualité dont les inconditionnels de musique du XXe siècle se réjouiront. Jean-Claude Thériault

 

Schumann: Liederkreis, Op. 24. Dichterliebe, Op. 48

Ian Bostridge, tenor

EMI 5565752

 

English tenor Ian Bostridge’s early Hyperion recordings (Schubert: Die Schöne Müllerin and Britten: The Red Cockatoo) caused a stir as much for Bostridge’s promising voice as for his fragile, boyish good looks, accentuated by a perceptible amount of lip rouge in the poofy publicity photos. Now EMI has signed him up exclusively and are marketing him as a soulful, intellectual waif. The impressive young voice is better than ever on this album of Schumann’s Heine lieder (which duplicates his recent well-received United States tour program). Bostridge’s high, clear, powerful tenor, is still redolent of the church choirs in which he was trained. The voice is very forward and cleanly projected without any throaty, pharyngeal texture. His German diction is crisp and he excels in the dramatic spoken passages. Bostridge’s poetic, tasteful interpretations reject the Peter Schreier /Christophe Prégardien-style Sturm und Drang approach to Schumann’s High Romantic masterpieces. Lieder lovers, who have probably already marked Bostridge’s Ford Centre debut (April 16, 1999) on their calendars, will be intrigued by this disc and the upcoming Schubert one (June 1998 release). Bostridge’s recording of Britten’s Serenade for Tenor and Horn is available in Canada through EMI Special Import Service only.

 

Shostakovich: New Babylon / From Jewish Folk Poetry

Valeri Polyansky / Russian State Symphony Orchestra

CHAN 9600/SRI

 

Shostakovich’s 25-minute song cycle From Jewish Folk Poetry (1948) is one of his most haunting works for voice. It had to wait until Stalin was dead for its first performance (1964). Rich and colorful orchestration supports plaintive texts bemoaning poverty, hunger, persecution, loneliness and grief. Haitink’s 1983 recording with the Concertgebouw (London/Decca) remains the classic. The Concertgebouw Orchestra (especially the strings) has a richer more reverberant sound. Haitink also takes the eleven songs much slower. His three soloists use their big operatic voices for maximum emotional effect: Elizabeth Söderström and Ortrun Wenkel are not afraid to keen and wail. The Russian State Symphony, recorded in Moscow 1996, has a cleaner, more chamberish sound, reflecting Chandos’s "honest" engineering policy. Polyanski’s singers are fresh, youthful and well-matched (the tenor is better than Haitink’s). Being Russian, their interpretations are idiomatic but slightly inhibited. Chandos couples Op. 79 with 44 minutes of Shostakovich’s music for the1929 silent movie New Babylon. Without the movie to watch, it is hard to get enthusiastic about this kinetic, occasionally touching, pastiche of political anthems, lacrimose adagios and dance-hall tunes.

 

To the Soul (Songs to the Poetry of Walt Whitman)

Thomas Hampson, baritone / Craig Rutenberg, piano

EMI 55028

 

This interesting album of songs set to the poetry of Walt Whitman by eighteen composers (most of them post-World War II Americans) is a valuable by-product of EMI’s Thomas Hampson Year (1997). Hampson deserves credit for co-piloting this project, and his singing is remarkably engaged. Only in the loudest passages does he sound a bit tired. Most of these settings are pedestrian, sterile experiments (Michael Tilson Thomas’s pathetically campy "We Two Boys Together Clinging"), like the vast majority of contemporary art songs. But there are a couple of gems: Burleigh’s "Ethiopia Saluting the Colors," Charles Naginski’s eerie "Look Down Fair Moon," and Craig Urquhart’s deeply felt gay anthem "Among the Multitude." Considering the overwhelmingly homoerotic nature of these songs (and the orientation of the composers, one assumes), it is sad that EMI’s notes never mention sexuality, preferring unwhitmanesque euphemisms, like referring to Leonard Bernstein’s "psychological contraries" (sic) without telling us that in his fifties Bernstein left his wife and children to live with another man.

 

Leos Janácek: String Quartets No. 1 & No. 2

Prazak Quartet

Praga PRD 250 108 / SRI

 

This recording of Janácek’s two delicious string quartets takes its place among the best of the dozen-plus versions in the catalogue. Janácek’s String Quartet No. 1, inspired by Tolstoy’s novella The Kreuzer Sonata, is a dramatic work full of Janácek’s typical picturesque local colour and tragicomic sensibility. It is one of the masterpieces of programmatic writing, vividly re-enacting the harrowing novella’s tale of adultery and murder. The Czechoslovakian Prazak Quartet are masters of Janácek’s atmospheric string effects so often sadly flubbed by western ensembles. Despite recorded sound that is slightly fuzzy and over-reverberant (typical, alas, of many Prague recordings) this is a highly recommended disc. It firmly beats Sony’s recent release of the same works by the Julliard Quartet (SK 66840) recorded in 1989 (No. 2) and 1995 (No. 1). The Julliard play with a coarseness and vehemence that can’t disguise their lack of affinity for Janácek’s psychologically subtle art. Move right on to the Vlach Quartet (Naxos 8.553895) for better music at half the price (but beware, a bar is missing from the second quartet, according to the April 1998 Gramophone magazine) .

 

Stewart Wallace: Harvey Milk

Donald Runnicles/San Francisco Opera Orchestra

(Teldec 0630-15856-2/ Warner)

 

This bio-musical of the life and death of gay San Francisco city supervisor Harvey Milk is another quasi-artistic attempt to exorcise America’s political and moral demons. Michael Korie’s libretto cobbles together the most tired clichés about Jewish life, gay life, and political activism. All the main characters spout fatuous Broadway-style monologues at the expense of dramatic development. The music is a facile "Name That Tune" pastiche of Wagner, Menotti, Richard Strauss, Leonard Bernstein and Philip Glass. Whatever the entertainment value of the original stage production seen in Houston, New York and San Francisco, this recording makes for an embarrassing listening experience.

 

Albert Lortzing: Die Opernprobe

Otmar Suitner / Chor & Orchester der Bayerischen Staatsoper München

Naxos CPO 999 557-2

Les opéras de veine comique d'Albert Lortzing (1801-1851), extrêmement populaires dans son Allemagne natale, sont fort peu joués à l'étranger. La raison en est que l'humour allemand est généralement méconnu, au point où certains iront même jusqu'à nier son existence ou, pis encore, à le taxer de mauvais goût. En réalité, le comique allemand existe bel et bien et peut être subtil, mais c'est un humour essentiellement parodique et caricatural, relativement peu porté sur les complications dramatiques et qui, surtout, lorsqu'il est centré sur le langage, tourne moins sur les mots eux-mêmes que sur le ton du discours. À l'opéra, particulièrement sensible à ce dernier aspect, on songera avant tout aux Meistersinger de Wagner ou aux comédies de Richard Strauss. Mais ceux-ci ont eu des prédécesseurs, dont Lortzing (auteur d'un Hans Sachs!) est certainement l'un des plus importants.

Die Opernprobe (La répétition d'opéra) occupe une position particulière à l'intérieur de sa production, parce que, dans ce court Singspiel (comédie musicale avec dialogues parlés) l'humour prend l'opéra lui-même pour cible. On y voit un noble de province qui s'est tellement entiché d'art lyrique qu'il ne s'exprime plus qu'en récitatifs et qu'il a décidé de transformer sa maison en une compagnie d'opéra. Lortzing s'amuse aux dépens de l'opera seria de la fin du 18e siècle en une suite de numéros parodiques, ensembles et récitatifs accompagnés. Après un prélude enjoué, version orchestrale de la musique d'un de ces ensembles, le rideau se lève sur une scène d'un comique irrésistible, sans doute la meilleure de l'oeuvre où l'on entend l'orchestre des serviteurs du château répéter une ouverture sous la direction de leur chef attitré --- qui n'est autre que la femme de chambre de Madame la comtesse!

Die Opernprobe offre également un exemple du style musical le plus mûr de Lortzing, dont c'est la toute dernière oeuvre, sa création ayant eu lieu seulement quelques heures avant la mort du compositeur. À écouter cette musique, toujours élégante, lumineusement orchestrée et qui sied magnifiquement aux voix, on s'aperçoit immédiatement que Lortzing a appris son métier en cultivant les grandes partitions de Mozart. Mais il est également allé puiser à d'autres sources, populaires et romantiques, pour se forger un langage en fin de compte personnel, qui annonce le style léger de l'opérette viennoise.

L'enregistrement (datant de 1974), d'excellente qualité technique, est le seul actuellement disponible en CD et il est peu probable que cette partition soit jamais mieux servie que par cette belle équipe de chanteurs (Marheineke, Gedda, Berry) et l'orchestre du Staatsoper de Munich, dirigé par Otmar Suitner. L'absence regrettable de livret n'est pas vraiment compensée par la présence d'un sommaire détaillé. Pierre Marc Bellemare