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La Scena Musicale - Vol. 18, No. 1 septembre 2012

L’enseignement du chant

Par Daniel Taylor / 1 septembre 2012

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L’art d’enseigner le chant consiste à créer un environnement dans lequel les élèves peuvent poser des questions clairement et ouvertement afin de ressentir les émotions, de la tristesse à la joie, et les susciter chez l’auditeur. Il s’agit de faire comprendre le lien entre le langage, la musique et le mouvement, d’apprendre comment écouter, comment interpréter. Nous voulons aider les élèves à développer leur propre voix et leur sens artistique et les soutenir dans l’atteinte de leur potentiel.

Je crois en la méthode socratique qui encourage la réflexion et les débats afin de développer l’esprit critique et de susciter de nouvelles idées. Le but de cette méthode consiste à comprendre le contexte de création, à dresser des objectifs clairs et réalistes, à examiner la dynamique et à analyser le texte. Souvent, nous voyons des étudiants être formés pour livrer une performance tout juste dans la moyenne ou à peine au-dessus. Je crois plutôt qu’il faut les guider afin qu’ils ne soient pas happés par la compétition où l’envie et la rivalité prédominent.

Nous explorons les facettes cachées, tant émotionnelles que physiques, des rapports. Nous nous attendons à ce que les étudiants puisent dans leurs propres émotions, qu’ils portent davantage attention au texte dramatique pour mieux raconter l’histoire. En calmant son esprit et en concentrant son attention, on commence à libérer sa voix. Lors de la préparation des rôles, la compréhension de certains mouvements est utile pour  susciter des réactions physiques et émotionnelles. Plusieurs approches comme le yoga, la méthode Alexander, la méthode Feldenkrais ainsi que le recours à la visualisation, à la méthode de l’accent, au mouvement, au travail énergétique, au tai chi et aux techniques de libération émotionnelle peuvent aider à entrer en contact avec l’univers créatif.

En tant que professeurs, nous devons admettre qu’il existe plus d’une bonne réponse mais que bien souvent, il n’y a pas de réponse précise. Quand on travaille avec des étudiants, on commence par une introduction aux fondements physiologiques et acoustiques de la voix humaine. Cela comprend également la phonation, la respiration et l’utilisation du corps. Nous devons comparer diverses méthodes d’enseignement, différents exercices vocaux et confronter divers courants de pensée. Nous discutons des façons de prendre soin de sa voix et des mesures correctives en cas de troubles de la voix. Les étudiants doivent saisir clairement comment chaque exercice contribue au développement de leur technique vocale. Les pédagogues sont unanimes: pour garantir une saine technique vocale et aider à trouver un timbre chaud avec legato ainsi que la tessiture appropriée, il faut comprendre l’importance du rôle de la respiration et de la structure de l’appareil phonatoire. À la base, on doit reconnaître que chaque personne respire de façon différente selon sa morphologie. En tant qu’enseignants, nous devons adapter la notion d’«appoggio» selon le type corporel de l’élève. Cela explique pourquoi il n’y a pas qu’une seule méthode universelle d’enseignement qui garantisse le succès.

En tant que chanteurs, nous savons que la fonction vocale est réalisée grâce à l’envoi d’air qui fait vibrer les cordes vocales et à l’amplification et à la résonance active, ce qui détermine la stabilité et l’attaque du son, la présence du legato, l’intensité du vibrato (entier ou réduit). L’emploi d’images positives stimulera les étudiants. Nous devons mettre l’accent sur l’énergie, l’âme et le travail spirituel. La clé du succès passe par la maîtrise de la langue (le choix de voyelles pures et de consonnes) de pair avec la liberté laryngée et l’observation de la présence en scène ce qui permet d’atteindre de meilleurs résultats techniques. L’utilisation de films, de dispositifs d’enregistrement, de laryngographes, de sonographes ainsi que la consultation de neuroscientifiques ne doit pas être sous-estimée. Les partitions doivent être considérées avec respect et guider l’interprétation. L’utilisation appropriée des ornementations, des éléments techniques tels que le trillo et le gruppo, les notes de grâce et les diminutions de voix, la palette de couleurs musicales et la respiration doivent être étudiées soigneusement. Notre travail requiert la connaissance et la démonstration efficace des éléments stylistiques liés à la pratique vocale. L’enseignement ne se limite pas à l’étude de son propre instrument vocal et se doit d’être interactif. Comme le  préconise la méthode Harkness, j’incite les élèves à prendre part aux cours de maître en groupe et à participer aux leçons. En enseignant, nous découvrons des possibilités inouïes.            


Daniel Taylor a récemment chanté dans l’opéra Rinaldo de Handel au Teatro Colon à Buenos Aires. Il a également interprété un rôle dans la première mondiale de la production de Robert Lepage de l’opéra The Tempest du compositeur Thomas Adès. Dernièrement, il a également fait ses débuts avec l’Orchestre philharmonique de New York, l’Orchestre symphonique de Madrid et l’Orchestre philharmonique d’Israël. Pour 2012 et 2013, il s’est produit avec les orchestres symphoniques de St-Louis et de Toronto ainsi qu’avec l’ensemble vocal Collegium Vocale et le Chœur de chambre de Stuttgart dans des tournées en Europe et il fera bientôt ses débuts en récital au Lincoln Centre. Artiste exclusif à SONY, sa discographie compte plus de 100 enregistrements. En plus d’être le directeur fondateur du Theatre of Early Music, M. Taylor est le directeur artistique de l’International des musiques sacrées, lequel se déroule du 8 au 16 septembre 2012. Il agit à titre de consultant vocal pour l’Atelier Lyrique de Montréal et il est professeur invité au Conservatoire de musique de Victoria et à l’Université d’Ottawa. Taylor a été, depuis peu, nommé chef de la division de musique ancienne et un professeur de chant à l’Université de Toronto.

www.theatreofearlymusic.com ; www.imsq.ca ; www.music.utoronto.ca

Traduction: Lina Scarpellini


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