Critiques

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DISQUES

Ann Southam : Soundings for a new piano
R. Andrew Lee, piano
Irritable Hedgehog Music IHM 002 (22 min 44 s)

Magnifiques musiques que ces Soundings for a new piano de la compositrice canadienne Ann Southam! Sous-titrée 12 meditations on a twelve tone row, l’œuvre démontre un intérêt pour la construction sonore élaborée, héritée des techniques sérielles de Schoenberg. Cependant, Ann Southam se montre nettement plus flexible que le maître viennois et crée une musique intensément poétique, aux couleurs chatoyantes et évocatrice. Ces 12 miniatures s’écoutent avec un vif intérêt et confirment qu’il y a bel et bien une musique canadienne contemporaine de haut calibre. Le seul défaut, c’est que l’œuvre ne dure que 22 minutes et que, seule au programme de cet enregistrement, cela n’en fait pas un disque particulièrement généreux. Sincèrement, on en aurait demandé plus! L’œuvre de cette compositrice le mérite grandement, surtout lorsqu’elle est interprétée avec la rigueur et la sensibilité dont fait preuve R. Andrew Lee. Ce CD constitue néanmoins une bonne initiation à l’univers sonore de cette créatrice canadienne décédée en 2010. Éric Champagne

Beethoven: Piano Sonatas 8 «Pathetique», 17 «Tempest» & 23 «Appassionata»
Ingrid Fliter, piano
EMI 0945732 (72 min 47 s)

Ingrid Fliter est une pianiste argentine qui nous a déjà offert de très beaux enregistrements de Chopin. Elle s’attaque ici à trois sonates beethoveniennes parmi les mieux aimées du grand public. Sa vision des œuvres est juste, sa technique solide et son discours fluide et convaincant. Elle amorce sa Pathétique avec profondeur et solidité rythmique. Sa Tempête virevolte et frappe avec plus d’incision que plusieurs autres sur le marché et son Appassionata est intensément contrastée. Une lecture à découvrir. Frédéric Cardin

Beethoven: Symphony No. 9 Op. 125 «Choral»
Edith Wiens, soprano; Ute Walter, mezzo-soprano; Reiner Goldberg, ténor; Karl-Heinz Stryczek, baryton; Dresden State Opera Chorus, Staatskapelle Dresden/Herbert Blomstedt
Profil Hänssler CD PH11009 (71 min 42 s)

Herbert Blomstedt est devenu, à l’âge de 83 ans, l’un de ces chefs d’orchestre dont l’expérience et le savoir imposent le respect des orchestres de partout. En d’autres mots, une légende vivante. Cette Neuvième Symphonie de Beethoven ne fait qu’augmenter sa gloire. Bien que les notes d’accompagnement ne précisent ni où ni quand l’enregistrement eut lieu, les applaudissements retentissant à la toute fin indiquent qu’il s’agit d’un concert devant public, ce qui fait de cet album une référence remarquable.
Blomstedt appartient à cette grande lignée de chefs d’orchestre beethovéniens dont Weingartner, Busch, Böhm et Karajan font partie. Cette Neuvième, préparée méticuleusement, est terriblement excitante. Dans le premier mouvement, le point culminant à la récapitulation est adéquatement apocalyptique, tout comme le finale. Les tempos rapides n’ont pas l’air pressés. De plus, lors du mouvement lent, on accorde beaucoup de temps aux phrasés expressifs.
Le Chœur de l’Opéra national de Dresde chante superbement dans le finale, et les solistes, menés par la soprano canadienne Edith Wiens, sont tous très bons. Cette interprétation de la Symphonie no 9 figure parmi les meilleures jamais mises sur disque. Paul E. Robinson

Couperin: Concerts royaux
Bruce Haynes, hautbois; Arthur Haas, clavecin; Susie Napper, viole de gambe
ATMA Classiques ACD2 2168 (57 min 43 s)

Ce disque est une réédition d’un album paru en 1999, réalisée en l’honneur de Bruce Haynes, facteur d’instruments, musicien, musicologue, professeur, éditeur et écrivain décédé trop tôt il y a quelques mois à peine. L’élégance assurée du jeu de Haynes fait encore mouche, sa passion et son respect profond de la musique transcendent encore toute la production. Il est en compagnie d’Arthur Haas au clavecin et de Susie Napper (son épouse) à la viole de gambe, tous deux intimement complices de la vision du soliste. La contribution de Bruce Haynes à l’épanouissement et la reconnaissance du répertoire musical baroque ainsi que de l’ensemble du contexte historique de cette riche période de développement humain et artistique reste encore à pleinement mesurer. Heureusement, c’est grâce à des productions comme celles-ci que sa mémoire sera conservée et nourrie. Frédéric Cardin

Daniel Janke: Cinco Puntos Cardinales
Mark Fewer, violon; Daniel Janke, piano préparé;
Coro in Limine
Centredisques CMCCD 16911 (34 min 23 s)

Cette nouvelle parution sur étiquette Centredisques regroupe les musiques composées par Daniel Janke pour une œuvre chorégraphique d’Yvonne von Mollendorff créée en 2002 à Lima au Pérou. À la musique originale conçue pour ce projet (des œuvres pour violon solo et d’autres pour ensemble de voix d’hommes) se sont ajoutées des séquences électroacoustiques et quelques autres pièces aux formations instrumentales variées. Le résultat, malgré sa courte durée, est très intéressant de par son amalgame sonore et la grande diversité des styles. Les passages pour violon solo sont particulièrement fascinants: simples et épurés, ils nous transportent dans un état de méditation et de contemplation d’une profondeur insoupçonnée. Il est difficile de concevoir l’apport de cette musique au spectacle de danse sans l’avoir vu, mais lorsque écoutée pour elle même, cette œuvre musicale se révèle à la fois très ludique (la Grand Waltz en est un bon exemple) et profondément réfléchie, imagée et inspirante. Une très belle réalisation. Éric Champagne

Dvořák: Variations symphoniques - Symphonie n° 8
Orchestre philharmonique de Londres/Charles Mackerras
LPO – 0055 (CD : 60 min 21 s)

Les affinités de Charles Mackerras avec la musique tchèque avaient fait du chef australien un spécialiste et un promoteur internationalement admiré de Janáček, de Smetana et de Dvořák. En témoigne, entre autres, le présent enregistrement capté devant le public londonien en 1992. Le programme vaut surtout pour la Symphonie, les Variations symphoniques semblant moins enlevées, quoique tout à fait honnêtes. Cette Huitième est comme saisie de l’intérieur tant elle respire naturellement. L’Orchestre philharmonique de Londres se laisse galvaniser par le chef, encore que la prise de son puisse laisser à désirer dans les passages puissants. Reste que Mackerras s’était surpassé avec cette même Huitième dans l’exécution qu’il en avait donnée à la tête de l’Orchestre symphonique de Prague, en communion totale avec le chef (Supraphon, 2005). Le refus de tout effet, même justifiable, démontrait que Mackerras avait maîtrisé l’art supérieur de la transition, étant donné que, dans cette œuvre, les contrastes rythmiques et mélodiques abondent. C’était là une des très grandes interprétations de cette superbe Symphonie, peut-être la plus belle du compositeur. Alexandre Lazaridès

Jadin: Quatuors à cordes Œuvre 1^re
Quatuor Franz Joseph
ATMA Classiques ACD2 2610 (65 min 17 s)

Hyacinthe Jadin (1776-1800) est un enfant prodige dont nous ne conservons que très peu de traces aujourd’hui, malgré le fait que sa courte vie (abruptement interrompue par la tuberculose) et encore plus courte carrière virent la création de plusieurs œuvres marquantes pour le développement de la musique française, en particulier sa marche vers le romantisme. Avant sa mort à 24 ans, Jadin composa pas moins de trois concertos pour piano, une douzaine de quatuors à cordes, des trios et plusieurs sonates. La profondeur de caractère et d’inspiration est étonnante chez ce jeune homme. Le Quatuor Franz Joseph apporte une assurance sans failles à la lecture des trois opus ici présentés, soit les trois premiers du cycle de douze conçu par Jadin. Les membres de l’ensemble montréalais offrent une interprétation décisive de ce répertoire richissime qui attendait une telle maîtrise pour être dignement ressuscité. De façon surprenante, c’est le premier (en si bémol majeur) qui est le plus dramatique. Les deux autres sont d’une écriture plus légère et bon enfant, tout en demeurant grandement dignes d’intérêt. On ne pourra nier que la patte de Haydn n’est pas très loin, mais la puissance dramatique de certains passages démontre que Jadin s’apprêtait à transporter la musique française dans un tout autre registre. Dommage qu’il n’ait pas eu le temps de réaliser cette vision. Frédéric Cardin

Mathieu Lussier : Passages
Quintette à vents Pentaèdre, Claudia Schaetzle, saxophone alto; Fraser Jackson, contrebasson; Louise Lessard, piano
ATMA classique ACD2 2657 (71 min 39 s)

Musicien très actif sur la scène musicale québécoise (Arion, les Violons du Roy, Pentaèdre...), le bassoniste Mathieu Lussier s’adonne à la composition depuis 15 ans. Naturellement, c’est vers le basson et les instruments à vents que son intérêt se porte. Avec Passages, Mathieu Lussier, le compositeur, regroupe pour la première fois un programme complet de sa musique, interprétée par ses collègues du quintette à vents Pentaèdre et quelques musiciens invités. De langage tonal et d’esthétique classique, ses œuvres sont à des années-lumière de toute avant-garde ! Néanmoins, certaines pièces possèdent un charme suranné au lyrisme généreux, évoquant la musique de chambre du XIX^e siècle. D’une qualité d’écriture certaine, sa musique demeure très traditionnelle, et parfois même un peu trop sage (on pense à la Bacchanale qu’on aurait aimée plus orgiaque). Il faut néanmoins souligner le magnifique Sextuor, d’une plus grande liberté et dont les variations finales captent l’attention et amusent grandement. Un joli disque, à l’interprétation impeccable, qui intéressera les amateurs d’instruments à vents et de musique de chambre. Éric Champagne

Les Caractères de la Danse
Duo Baroque La Tour (Tim Blackmore, flûtes à bec, clavecin; Michel Cardin, théorbe, luth baroque)
La Tour LT1-11CD (72 min 51 s)

Le Duo Baroque La Tour nous offre un programme intéressant sur ce disque consacré à la musique prébaroque jusqu’au début du XVIII^e siècle. Des œuvres de compositeurs aussi variés que Gabrieli, Van Eyck, Couperin, Corelli, Hotteterre et Rebel, entre autres, nous font découvrir une partie du grand répertoire de la flûte à bec et de nombreuses danses écrites pour l’instrument. L’ensemble est entrecoupé de solos de clavecin ou de théorbe. Cette variété, tant sur le plan instrumental que dans le choix des œuvres, sert admirablement bien le propos des musiciens. Aucune place à l’ennui ! De l’ensemble se dégage un sentiment paisible de recueillement. Michel Cardin se permet quelques libertés en adaptant au luth baroque le Canon de Pachelbel et Greensleeves. Ces pièces très connues semblent renouvelées grâce à la sonorité profonde de l’instrument. L’un des beaux moments du disque est sans doute l’interprétation de la dixième sonate de Corelli tiré de l’op. 5, originalement écrite pour violon et basse continue. La flûte et le théorbe conviennent très bien à cette musique belle et simple. L’émotion et la musicalité sont au rendez-vous tout au long de ce très beau disque. René François Auclair

Martha Argerich & friends live from
Lugano 2010
Martha Argerich, piano; artistes variés
EMI Classics 50999 0 70836 2 4 (CD1: 80 min 33 s; CD2: 80 min 38 s; CD3: 78 min 53 s)

Depuis quelques années, le festival de Lugano est devenu le projet Martha Argerich. Les amis de la pianiste s’amènent tous les ans en juin, et les moments historiques, les interprétations magistrales se succèdent et font l’objet de coffrets comme celui-ci. Palmarès? Non: impressions. S’il y a très peu de ratages (on peut imaginer qu’ils ne font pas partie de la compilation), il y a parfois certains malaises. Comme dans le duo Argerich-Rivera ramant péniblement à travers Les Préludes de Liszt. Mais on retient un nombre tel de purs moments de grâce que ces petits écarts comptent pour très peu. Le Concerto numéro 1 de Chopin reçoit une exécution hallucinée d’Argerich. Elle est le concerto, tenant en haleine public et orchestre. La Sonate pour deux pianos et percussion de Bartók, avec le duo Argerich et Kovacevic et deux percussionnistes, est magnifiée par une joute musicale envoûtante à la limite de la sauvagerie, aux grandes montées jouissives. Sublime. Deux quintettes pour piano et cordes, peu connus, intéressent vivement. Korngold et Granados se voient hissés au rang de compositeurs majeurs par les grands interprètes et amis de la reine du piano. La liste pourrait s’allonger. Retenons qu’il s’agit là d’un document important, à acquérir et chérir. Normand Babin

Mozart & me, Piano Works
Lucille Chung, piano
XXI XXI-CD 2 1732 (65 min 49 s)

La pianiste Lucille Chung, née à Montréal, explique dans son texte de présentation de ce nouvel enregistrement comment elle perçoit l’œuvre de Mozart, comment elle s’y est adonnée dès le plus jeune âge et en quoi ce corpus est important pour elle. Le Mozart de Chung est un Mozart joyeux, tendre, accessible. Elle oublie peut-être que le compositeur viennois était aussi reconnu pour ses bizarreries et ses frasques, et sans doute que Mozart a fini par devenir adulte et a connu des périodes de sa vie, et compositionnelles, assez sombres. Tout le disque respire donc la fraîcheur, l’innocence, la propreté, la bienséance. En clair, il manque cruellement de mordant, de passion et de prise de risque. La pianiste a choisi un répertoire méconnu, qui ne mérite pas nécessairement d’être ramené sous les feux de la rampe. En fin de programme, trois œuvres de Mozart transcrites par Liszt dont l’interprétation déçoit sérieusement. Imaginez un Confutatis extrait du Requiem trop joli, un Ave verum corpus qui sonne comme une boîte à musique. Oui, Lucille Chung possède une très belle technique, mais sa vision de Mozart semble avoir figé dans son imaginaire enfantin. Normand Babin

Per la Vergine Maria
Concerto Italiano/Rinaldo Alessandrini
Naïve OP 30505 (CD : 63 min)

Le programme du présent enregistrement regroupe des œuvres de musique sacrée qui couvrent le XVII^e et le XVIII^e siècles, sur des textes mariaux latins des plus connus – en particulier le Magnificat et le Salve Regina –, signées Monteverdi, Bencini, Melani, Soler, A. Scarlatti et Carissimi. La seule exception, d’époque et de ton, est le très bref Ave Maria de Stravinski. Le chœur, rompu à ce genre d’œuvres, comprend neuf voix et est soutenu par deux théorbes et un orgue. La direction d’Alessandrini, soignée comme d’habitude, mais ici sans éclat, cultive le côté mondain de ces compositions, ce qui n’est pas en fait si paradoxal, puisque l’office catholique voulait être un spectacle édifiant. On se croirait même à l’opéra avec le Salve Regina à neuf voix de Melani (rappelons que le fondateur du Concerto Italiano a dirigé beaucoup d’opéras ces dernières années). En revanche, l’élévation spirituelle des Litanies à six voix de Monteverdi à laquelle on s’attendait est absente. Quoi qu’il en soit de ces réserves, le disque donne lieu à d’intéressantes comparaisons. Alexandre Lazaridès

Schubert: Quatuor en sol majeur D. 887; Beethoven: Quatuor en fa majeur op. 135
Nouveau quatuor à cordes Orford (Jonathan Crow, Andrew Wan, violons ; Eric Nowlin, alto; Brian Manker, violoncelle)
Bridge 9363 (CD : 74 min 57 s)

La formation en quatuor est une des plus difficiles qui soient. Il y faut une entente qui, en règle générale, est le fruit d’un travail longuement poursuivi en commun. C’est que le dialogue entre les voix en quête de la fusion instrumentale doit respecter à la fois le texte et les personnalités, entreprise presque paradoxale qui expliquerait pourquoi d’éminents solistes, réunis autour d’une partition de chambre, n’ont pas toujours réussi à s’entendre. Le Nouveau Quatuor à cordes Orford, composé d’instrumentistes respectés du milieu musical canadien, a été constitué il y a deux ans, mais le programme ambitieux de cet enregistrement aurait exigé un ensemble autrement chevronné. L’approche des Orford, trop précautionneuse, a pour inconvénient majeur de freiner l’élan de ces pages célèbres, avec des intonations souvent incertaines, des phrasés trop hésitants et des rythmes peu assurés. On aura compris que cette exécution des ultimes quatuors de deux génies ne convainc pas vraiment. Alexandre Lazaridès

Lucerne Festival Academy: Webern, Stravinsky, Mahler
Lucerne Festival Academy Orchestra/Pierre Boulez
Accentus Music ACC30230 (1 h 54 min)

Il faut l’admettre, Boulez sait maintenir le cap, même à l’âge vénérable de 85 ans. Sa Sixième de Mahler ressemble à s’y méprendre à sa superbe version de 1995 avec le Philharmonique de Vienne, surtout des points de vue du tempo et du phrasé. S’il y manque un tout petit peu de souplesse et d’intensité (mais à peine), le sens de la couleur gagne en raffinement. Couleur: voilà d’ailleurs le mot d’ordre, comme en témoigne son éclatant Stravinski (Le Chant du Rossignol dans sa trop rare mouture de poème symphonique) et ses irréprochables Webern. Le respect de longue date envers ce dernier propulse Boulez vers des sommets de maturité musicale, au point où la Passacaille op. 1 devient aussi accessible que Im Sommerwind, et que les dodécaphoniques Variations op. 30 prennent une allure tout à fait « classique ». Les contrastes dynamiques s’avérant extrêmes, des conditions d’écoute optimales sont requises. René Bricault

DVD

Somers: Louis Riel
Bernard Turgeon (Riel), Patricia Rideout (Julie), Mary Morrison (Sara), Roxolana Roslak (Marguerite), Donald Rutherford (Sir John A. MacDonald), Joseph Rouleau (Bishop Taché); Victor Feldbrill, chef
Centrediscs CMCDVD 16711 (126 min 26 s)

Sommet de l’opéra canadien, Louis Riel, composé par Harry Somers sur un livret de Mavor Moore, fut présenté pour la première fois par la Canadian Opera Company au centre O’Keefe et à la Place des Arts à l’occasion du centième anniversaire du Canada. En 1975, il fut mis en scène à nouveau et présenté à Toronto, Ottawa et au centre Kennedy à Washington. Depuis lors, seul l’opéra de McGill l’a repris en 2005. Jusqu’à maintenant, aucune vidéo de cet opéra n’a été produite, mais un enregistrement sonore du concert donné au centre Kennedy a été publié en 1985. L’opéra a été filmé pour la télévision de CBC en 1969, avec presque la même distribution, produit par Franz Krämer et réalisé par Leon Major. Le livret d’accompagnement ne donne aucune information sur l’orchestre, mais on y dit que le chef d’orchestre est Victor Feldbrill, celui-là même qui a dirigé la première. Le phrasé musical du compositeur Harry Somers saute aux yeux: une orchestration clairsemée et percutante, style austère assez populaire à l’époque de la composition de Louis Riel. La distribution importante met à l’honneur bon nombre des plus grands chanteurs canadiens, tous à leur meilleur, et le rôle-titre est particulièrement bien tenu par Bernard Turgeon. Roxolana Roslak interprète Marguerite, sa femme, et chante donc la redoutable berceuse Kujas. La regrettée mezzo Patricia Rideout incarne la mère de Riel et offre une bonne prestation. (Pour être pointilleux, je dirais qu’elle a l’air bien trop jeune pour être la mère de Riel). Un Joseph Rouleau à l’allure juvénile est excellent dans le rôle de l’évêque Taché, et quel plaisir de voir Mary Morrison, qui apparaît peu sur vidéo, jouer la sœur de Riel. Cependant, le film, tourné dans un studio de télévision, semble vieilli. Les grands espaces de la scène d’opéra manquent à la production, ce qui diminue l’impact des passages à grand déploiement. Les sous-titres sont absents, bien qu’ils soient souvent tenus pour acquis par le public d’opéra d’aujourd’hui. Le livret d’accompagnement comporte un essai par Andrew Zinck. Cependant, rien n’indique qu’il s’agit d’un téléfilm, et aucune information plus récente n’est transmise. En plus, une erreur de montage gêne l’introduction de Mavor Moore dans les suppléments. Malgré ces petits défauts, cela reste une sortie importante et longtemps attendue qui marque un chapitre de l’histoire opératique canadienne. Joseph K. So

Traduction de l’anglais: Jérôme Côté