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La Scena Musicale - Vol. 16, No. 4 December 2010

Jazz: Andrew Homzy, Quand les « classiques » se mettent à jazzer, & L’histoire du jazz dans le documentaire

by Marc Chénard / December 1, 2010

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Andrew Homzy: Devoted to the Cause of Jazz
by Félix-Antoine Hamel

When school recesses for the Christmas Holidays, Andrew Homzy will retire from teaching at Montreal’s Concordia University after 33 years and move to British Columbia. Recognized as one of the foremost jazz musicologists in North America, Homzy is internationally renowned as a Duke Ellington scholar and expert on early and classic jazz, with a thorough knowledge of composers and arrangers ranging from Jelly Roll Morton to Francy Boland. In a recent phone interview, Homzy (always a fascinating and engaging conversationalist) talked about his early days in Montreal, his approach to jazz pedagogy and his passion for music.

Born in 1945 and raised in the Cleveland area, Andrew Homzy played tuba there before coming to Montreal in 1967 to pursue his studies at McGill University with the Montreal Symphony’s tuba player. Under the tutelage of Marvin Duchow, after whom that institution’s music library is named, Homzy wrote a Master’s thesis on jazz, the first in Canada, and he fully credits his director for giving him the chance to do it. Looking at instructional books published since the late 1910’s, Homzy delved into a period in which jazz had yet to be treated seriously, and in which some of the basic elements of the picture were missing. “First, it was all about white musicians!” he is quick to point out. “They didn’t even talk about Blacks until about 1936, when Europeans Robert Goffin and Hugues Panassié (both non-musicians) began to write.” As a witness to the birth of the jazz educational system, Homzy then met people like David Baker and Jamey Aebersold at a school in Tanglewood (where he first heard Ornette Coleman). Then he began teaching himself, first at the high school level until 1977 when he joined the Concordia staff. In the meantime, he maintained a career as a working musician on the Montreal scene, playing with Vic Vogel’s big band as well as with more experimental endeavours, notably Walter Boudreau’s L’Infonie.

» A world of jazz
While smitten by early jazz since his high school days, he is by no means averse to modernists like Sun Ra (whom he saw perform several times beginning in 1971). A fascination with orchestral jazz led him to study the works of key composers, first and foremost Ellington and Strayhorn, but also Mary Lou Williams, Tadd Dameron, George Russell, Gil Evans, Oliver Nelson, Clare Fisher, Francy Boland, Stan Tracey and Charles Mingus. In fact, it was through his cataloguing of the latter’s manuscripts in the 80’s that he resurrected the bassist’s celebrated “Epitaph” opus, in collaboration with another notable jazz musicologist, Gunther Schuller. Beginning in the mid-1980’s with his own Jazz Orchestra and later as musical director of the Valentino Orchestra, he was able to explore the jazz repertoire beyond the bop/post-bop frame by bringing back to life pop and jazz tunes from the 1920’s and 1930’s as well as obscure Ellingtonia and lesser-known works by some of the aforementioned composers. One particular project dear to his heart was a tribute to Jelly Roll Morton, but finding a public for that kind of music proved difficult. “I believe we had three rehearsals, then the concert, and that was it!” Now, after his relocation on Vancouver Island, Homzy would like to form a repertory New Orleans band, but hastens to add: “We won’t be playing ‘Hello, Dolly’!”

» The wider picture
While the focus of jazz education has more or less narrowed into a bop/post-bop frame that covers a 15-to-20-year period, Andrew Homzy has always tried to make his students aware of the larger picture. In order to impress on his students that wider view of the music’s history and theory, Homzy has devised his courses on the very quality jazz has thrived on for so long: versatility. Dividing the history course into two distinct semesters, he first gives the students a general overview, after which he goes into detail in special topic courses, each new one dealing with a specific theme, be it Duke Ellington (who else!), jazz in 1959, the modern orchestra, etc. The same approach prevails in his composition classes, where students are required to write pieces within very definite and varied parameters: a bebop line, a bossa nova, a ragtime, a composition in the style of Monk and so on. Homzy likes to deal with a range of possibilities. “We have a lot of guitarists, so I started guitar ensembles, for which I arranged different pieces for five to ten of them backed by rhythm sections, occasionally with other instruments,” he explains.

» Building an audience
Studying jazz for so long has brought one inevitable conclusion: “Jazz is a music that has lost its audience,” he insists. Coming from the mouth of someone who is helping to shape tomorrow’s musicians, this statement may sound bleak, but the man is not pessimistic. “What someone like Wynton Marsalis does in New York (with Jazz at Lincoln Center) is very important,” he notes. “Today’s young professionals and students seem to write music only for other musicians,” he pursues, noting in passing the frequent lack of humor and life in many performances. Indeed, the modernist defiance of showmanship has certainly contributed to the relative public demise of jazz. Gone are the years of great showmen like Louis Armstrong and Dizzy Gillespie; even the stage antics and eccentricities of Thelonious Monk, Charles Mingus or Sun Ra brought a fascination that is lacking in most of today’s jazz, be it mainstream or avant-garde. In order to rebuild part of the audience, Homzy believes in the power of education: “Teaching music students is no problem—we have all the pedagogical tools now—but bringing non-jazz or non-music students to take introductory jazz courses would surely help the cause.” Yet, after almost 35 years spent in higher education, he still finds resistance to the idea among his peers and superiors. While Andrew Homzy will soon move on, he intends to remain active in the cause to which he has devoted his life.
Version française disponible en ligne au www.scena.org

Quand les « classiques » se mettent à jazzer
par Marc Chénard

Peu importe qu’on aime ou non, le jazz de notre temps est à l’heure des métissages, avec tout ce que l’on veut comme hybrides. Toutefois, cette tendance a toujours existé. Jelly Roll Morton parlait de la teinte latine de sa musique, le célèbre chef d’orchestre blanc des années 1920, Paul Whiteman, voulait faire du jazz une dame honorable avec son « Jazz symphonique ». Le répertoire classique a toujours été un matériau d’intérêt pour les jazzmen, certains grands solistes osant même jouer en toute fidélité des compositions de musique « sérieuse » (Benny Goodman ou Artie Shaw, par exemple).

Plus exceptionnelles cependant sont les incursions des musiciens classiques au pays de la note bleue. Stravinsky en 1948 s’était essayé avec son Ebony Concerto pour l’orchestre de Woody Herman avec des résultats plutôt mitigés, devançant d’une décennie la vague Third Stream promue par Gunther Schuller. Conspuée par la critique, la tentative de mariage des deux mondes échoua en vertu d’une incapacité des musiciens classiques à « swinguer » et des jazzmen à lire des partitions fouillées.

Mais le divorce ne fut jamais prononcé. Certains tirèrent leur épingle du jeu en poursuivant des carrières parallèles : le pianiste viennois Friedrich Gulda pouvait être aussi convaincant dans Mozart et Beethoven qu’avec Ron Carter et Freddy Hubbard. Plus près de nous, des musiciens classiques contemporains se sont lancés dans un style d’improvisation libre comme moyen d’expression privilégiée. La contrebassiste française Joëlle Léandre, jadis proche de Cage et Scelsi, s’adonne presque exclusivement à des rencontres de musiques spontanées; au Canada, les clarinettistes François Houle et Lori Freedman s’affichent autant dans les deux mondes.

Jadis rares, ces musiciens classiques qui trempent dans le jazz ou l’improvisation sont de plus en plus nombreux. Ces dernières années, on épingle même l’étiquette « Crossover » sur de tels musiciens qui font des incursions dans les musiques populaires (jazz inclus). À Montréal, on retrouve plusieurs exemples de ce genre d’artiste prêt à plonger dans ces eaux extraterritoriales. Le violoncelliste Matt Haimovitz, par exemple, a lancé tout récemment son disque de jazz, Meeting of the Spirits. De Gershwin à Strayhorn, de Miles à Mingus à Ornette, le répertoire est éclectique à souhait et le contexte tout aussi inusité puisqu’il s’agit d’arrangements pour son ensemble de huit violoncelles Ucello, le tout bonifié par la présence de jazzmen invités de marque, dont le batteur new-yorkais Matt Wilson et l’éminent guitariste John McLaughlin.

Bien que le jazz soit au rendez-vous, l’improvisation est réservée aux invités, auquel il faut ajouter le pianiste éducateur Jan Jarczyk sur la pièce-titre de l’album (composée par McLaughlin à l’époque de son célèbre Mahavishnu Orchestra). « Je me suis toujours intéressé au jazz pendant mes études, précise Haimovitz, mais comme ma formation est rigoureusement classique et que mon professeur n’avait d’oreilles pour autre chose, c’était une activité extracurriculaire. si l’on veut. En ce qui a trait à l’impro, j’ai fait une tournée avec DJ Olive, j’avais un trac fou la première fois; jouer avec rien devant soi c’était dur, mais je m’en suis sorti. »

Confrère enseignant à McGill comme Haimovitz, Mark Fewer est plus familier avec le jazz, ayant déjà joué du saxo alto pour ensuite se consacrer au violon et à la musique de concert. Pourtant, il a toujours tendu l’oreille au jazz, comme il l’a démontré le 23 novembre dernier* en se produisant avec l’orchestre de jazz de McGill et une section de cordes. À cette occasion, il a créé une œuvre commandée au saxophoniste ténor canadien Phil Dwyer. « La pièce s’appelle Changing Seasons et s’inspire des Quatre Saisons de Vivaldi, souligne Fewer lors d’un dîner avec son confrère violoncelliste. Ce n’est pas une version jazz, mais une extrapolation sur les tonalités de l’original. Dwyer m’a laissé des passages pour improviser, mais aussi des parties composées quand même assez exigeantes. »

Interrogés tous deux sur cette question du Crossover et de sa pertinence dans leurs projets respectifs, Haimovitz ne renie pas l’étiquette, quoique le terme ait une connotation négative, d’où une certaine réserve. Fewer, de son côté, n’est pas étranger à cette pratique, car il a participé à de nombreux concerts d’artistes populaires avec accompagnement symphonique. Il se dit heureux de l’avoir fait, soulignant même un certain plaisir qui manque parfois dans la musique concertante.

Plus rompu au jazz, le pianiste Matt Herskowitz pense qu’on colle trop facilement cette étiquette à certains musiciens classiques. « Quand Kiri te Kanewa ou Yo Yo Ma essaient de jazzer, ça ne marche pas vraiment. Je crois qu’il faut aspirer à un certain Crossover plus intégré par lequel les musiciens des deux camps arrivent à des accomodements raisonnables. » Preuve à l’appui, son disque récent, Jerusalem Suite, défie les étiquettes en se situant aux confins des genres, mariant musique du Moyen-Orient à un certain classicisme rhapsodique et un jazz très rythmé. De plus, on y retrouve un violoncelliste (Mike Bock) et surtout la violoniste Lara Saint-John. Bien que cette dernière n’improvise pas, elle a dû quand même relever le défi de sentir les grooves des autres musiciens.

Plus éloignée du jazz, mais plus proche de la tradition du Moyen-Orient, la compositrice Katia Makdissi-Warren est l’une des rares dans le paysage québécois à laisser ses exécutants improviser. Dans le second disque de son ensemble à géométrie variable Oktoecho (La 5e Route bleue), elle offre six de ses compositions, entre lesquelles de courts intermèdes improvisés en duos par ses exécutants, soit la pianiste très jazz Marianne Trudel, le joueur d’oud Ismael Hakki Fencioglou, le percussionniste Patrick Graham et en invité, le bassiste polyvalent autrichien Peter Herbert. Assumant aussi le terme Crossover dans sa propre démarche artistique, la compositrice note toutefois qu’il y a aussi un défi à relever, soit de conjuguer ces tendances avec créativité, individualité et intelligence.

De toute évidence, les frontières musicales s’estompent constamment et les musiciens, les plus jeunes surtout, sont attirés. Mais la résistance du public persiste, dans un camp comme dans l’autre, hélas !

Pistes d’écoute
» Matt Haimvoitz Ucello Meeting of the Spirits (Oxingale OX2017)
» Matt Herskowitz Jerusalem Trilogy (Justin Time JUST239-2)
» Katia Makdissi Warren et Oktoecho La 5e Route bleue (Elyksium MV010)
* À lire en ligne au jazzblog.scena.org :
Critique du concert du 23 novembre

L’histoire du jazz est-elle soluble dans le documentaire ?

par Annie Landreville

Si la question se pose ainsi, on pourrait tout aussi bien la formuler à l’envers : peut-on compresser l’histoire du jazz en un documentaire ? Le sujet est vaste et les attentes des amateurs se réconcilient difficilement avec la seule curiosité des néophytes. La plus marquante des tentatives fut la série Jazz de Ken Burns, diffusée sur les ondes du réseau américain PBS au tout début des années 2000. Bien qu’on lui ait accordé quelques éloges pour l’usage de nombreuses séquences d’archives visuelles inédites, elle a été écorchée par la critique, qui lui reprochait entre autres de ne consacrer que deux heures sur la vingtaine aux 40 dernières années.

Cette année, une série de huit DVD produits par Medeci Arts (avec le concours de Naxos) est arrivée sur le marché, les titres faisant partie de sa collection Masters of American Music. Mais une fois de plus, cette série pêche par les même lacunes, n’allant pas plus loin que les années 1960. Diffusée seulement en Europe dans les années 1980, puis mise en marché en cassette VHS au cours de la décennie 1990, la série comportait des documentaires plus généraux, concernant le blues et le jazz, mais aussi, et surtout, des productions plus intéressantes traitant de ses figures emblématiques, soit Count Basie, John Coltrane, Charlie Parker, Thelonious Monk, Billy Holiday et Sarah Vaughan.

Parmi les titres plus généraux, The Story of Jazz, du réalisateur Matthew Seig, offre un tour de piste de deux heures. Bien que factuel, il ne met pas les différents éléments historiques en perspective. Comme la plupart des documents d’archives sont repiqués de la série précédente, il laisse une impression de courtepointe un peu décousue. Un documentaire sur l’histoire du jazz qui ne mentionne même pas les noms de Sonny Rollins ou de Charles Mingus a de quoi laisser des doutes.

Dans tous les portraits de musiciens, la parole est donnée aux collègues et membres de l’entourage ou de la famille, mais non aux historiens, journalistes ou critiques. Entendre les témoignages de Dizzy Gillespie, Milt Hinton, Carmen McRae, Lester Bowie, Billy Taylor et ceux des conjoints donne une note d’intimité, quoiqu’un coup d’œil pertinent de ces autres observateurs aurait été un bon complément. Côté montage, il y a beaucoup de répétitions, voire des maladresses : on y voit beaucoup de séquences de gens dansant pour combler un manque d’archives visuelles, menant souvent à confusion entre ce qu’on entend et ce que l’on voit, surtout quand les rythmes musicaux ne collent pas avec les images.

Malgré ces lacunes, il y a quelques trouvailles disséminées dans ces titres. Dans The Many Faces of Billie Holiday, les interventions de Carmen McRae ou du pianiste Mal Waldron, dernier accompagnateur de Lady Day, sont particulièrement touchantes. Dans Celebrating Bird – The Triumph of Charlie Parker, sa première femme, Rebecca Ruffing (qu’il a épousée à l’âge de 16 ans), raconte avec émotion comment il lui a demandé après deux ans de vie commune de le « libérer » pour que sa carrière puisse prendre son envol.

Étonnant par son approche didactique, Thelonious Monk – American Composer offre davantage de repères chronologiques et l’on identifie au moins les titres des pièces jouées. Certains propos, dont la compréhension serait ardue pour le néophyte, sont bien vulgarisés, surtout par les explications du pianiste Randy Weston qui ne se contente pas de décrire la technique de jeu de Monk, mais l’illustre au piano. On retrouve ici un bel équilibre entre les vies professionnelle et personnelle de cette légende du jazz, le récit étant bien arrondi par les entrevues avec sa sœur, son fils et son batteur Ben Riley.

Quand on raconte la vie d’un Thelonious Monk ou d’un John Coltrane en une heure, il y a forcément des trous, mais on peut heureusement les combler de nos jours sur la grande toile qui regorge de documents d’archives extraordinaires. Outre cette série, signalons quelques documentaires dignes d’intérêt disponibles sur le marché en ce moment, notamment Imagine the Sound des Canadiens Ron Mann et Bill Smith ou Charlie Haden Rambling Boy de Reto Caduff (souligné dans ces pages en décembre dernier). Puis il y a la série Jazz Icons qui, l’année dernière, a lancé Icons Among Us: Jazz in the Present Tense, un véritable instantané de la scène jazz contemporaine. Il va sans dire, la grande série documentaire sur l’histoire du jazz reste encore à faire.

Les DVD de la collection Masters of American Music sont tous en version anglaise avec sous-titres disponibles en français et en allemand.

(c) La Scena Musicale