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La Scena Musicale - Vol. 15, No. 9 September 2010

Critiques / Reviews

Par/by René Bricault, Frédéric Cardin, Philippe Gervais, W. Stephen Habington, Alexandre Lazaridès, Claudio Pinto, Paul E. Robinson, Joseph K. So  / September 1, 2010

Version Flash ici. / Flash version here.


Cantus Mariales: Chants grégoriens
Chœur des moines de l’Abbaye bénédictine de Saint-Benoît-du-Lac/Dom André Saint-Cyr
Analekta AN 2 9769 (65 min 19 s)

Ceux qui reconnaissent le titre ne se trompent pas : il ne s’agit pas d’une nouvelle parution, mais bien d’un rematriçage du célèbre recueil de chants dédiés à la Vierge par les moines de Saint-Benoît-du-Lac, paru il y a quinze ans déjà. Il faudrait être un vrai fanatique pour se le réapproprier si vous l’avez déjà, mais ceux qui ont auparavant raté leur chance pourront au moins profiter d’une belle mise à jour, et à bas prix. Bien que la réverbération semble toujours un tantinet exagérée d’un pur point de vue technique, force est d’admettre que le caractère d’authenticité y gagne au change. L’accompagnement omniprésent de l’orgue pose un plus gros problème (malgré l’agréable ajout de couleur) : en effet, il sape quelque peu l’impression de suspension temporelle unique au chant grégorien en nous ramenant un peu trop sur Terre. Peut-être pas le septième ciel, mais certainement une grande bouffée d’oxygène spirituel.   RB

W.A. Mozart: Idomeneo
Gundula Janowitz (Ilia), Enriquetta Tarrés (Elettra), Luciano Pavarotti (Idamante), Richard Lewis (Idomeneo), Neilson Taylor (Arbace), David Hughes (High Priest)
London Philharmonic Orchestra/John Pritchard
Glyndebourne GFOCD 006-64 (CD1: 63 min 20 s; CD2: 78 min)
From the rich Glydnebourne archive comes this Idomeneo on its house label. Taped in 1964, it captured the exquisite Ilia of Austrian soprano Gundula Janowitz, as well the plangent-voiced Idamante of an extremely young Luciano Pavarotti, who sang this role only a few times in his career. (Pavarotti, however, took on Idomeneo 20 years later, rather less successfully) Top vocal honours go to these two artists. Tenor Richard Lewis has the right weight of voice for the title role, but he is slightly past his prime, sounding occasionally strained and uncomfortable in the coloratura, singing the simplified version of “Fuor del Mar.”  David Hughes, the third tenor in this opera, is a mellifluous High Priest. Enriquetta Tarrés is quite a good Elettra, singing a credible “D’Oreste, d’Ajace.” The Idamante-Ilia duet “Spiegarti non poss’io” that is usually cut is restored here. Only the dry-voiced Arbace of Neilson Taylor disappoints—it’s just as well both his arias are cut. Conductor John Pritchard leads the Glyndebourne forces in an idiomatic reading. The sound, given its age, is excellent. The lavish booklet is beautifully printed on heavy paper, with libretto in four languages, short essays on the production and the recording, and a liberal dose of production and artist photos.   JKS


Beethoven Symphony #9 Op. 125
Deutsche Kammerphilharmonie Bremen/Paavo Järvi; Christiane Oelze, soprano; Petra Lang, alto; Klaus Florian Vogt, tenor; Matthias Goerne, baritone; Deutsche Kammerchor
Sony Music 88697576062 (63 min 55 s)
Yet another Beethoven symphony recording using modern instruments but based on historical performance practice, following in such footsteps of Harnoncourt (with the Chamber Orchestra of Europe) and Zinman (with the Tonhalle Orchestra Zurich). There are many critics and listeners who find such performances fresh and exciting, and indeed they often are. Yet, I wonder if such performances also reflect boredom with the more traditional approach and, more crassly, a desperate attempt to justify more performances and recordings by selling them as indispensable “new” versions.
This new recording of the Ninth Symphony gets off on the wrong foot on two counts: the main theme—the thematic germ of the entire movement—is virtually inaudible at the beginning and again at the start of the development section. And Järvi’s tempo is too fast and too clipped for Beethoven’s marking Allegro ma non troppo. I found it virtually unlistenable. The slow movement and the bass and cello recitative in the last movement are played practically without expression. The soloists are too closely miked and in the cases of Vogt and Goerne, too light. The chorus is similarly lightweight. And it doesn’t make sense for the strings in the orchestra to play almost without vibrato throughout while the solo voices use as much as they like.   PER

César Franck
Bertrand Chamayou, piano; Olivier Latry, harmonium; Royal Scottish National Orchestra/Stéphane Denève
Naïve V 5208 (73 min)

Un programme substantiel et équilibré constitue le premier atout de ce disque. Le grand diptyque pour piano qui date des dernières années de Franck, soit Prélude, choral et fugue (1884) et Prélude, aria et final (1886-7), ainsi que le moins important Prélude, fugue et variation (1865, avec accompagnement d’harmonium), alternent avec deux compositions orchestrales auxquelles le piano prend part, la première fois en tant qu’instrument obligé dans Les Djinns (1884, d’après le poème acrobatique de Victor Hugo publié dans Les Orientales), et la seconde fois dans les célèbres Variations symphoniques (1885), sorte de concerto dont l’originalité semble inusable. Le programme permet ainsi d’avoir un aperçu convaincant du savoir-faire du « père Franck », bien moins austère et plus inspiré que ce que l’imaginaire musical en a généralement retenu. Le mérite en revient au talentueux Bertrand Chamayou dont on apprécie tout au long une maturité faite de bon goût et de maîtrise du clavier, autre atout encore plus décisif, soutenu par un accompagnement orchestral assuré par Stéphane Denève avec une clarté exemplaire. Enfin, la prise de son est au diapason des interprètes.   AL

FJ Haydn: Symphonies: #s 12, 22, 26, 93, 98, 103, 104
Wiener Philharmoniker/Christoph von Dohnányi, Zubin Mehta, Franz Welser-Möst, Nikolaus Harnoncourt, Pierre Boulez
WPH-L-H-2009 (3CD)

This is the first issue from a new self-propelled orchestra label. For some years the recorded legacy of the VPO had been entrusted to Andante and its bespoke casebound booklets-enclosing CD sleeves. Nothing is that luxurious anymore but orchestra chairman Prof Dr Clemens Hellsberg has overseen the production of a well-documented slim line box of the sort of quality you would expect with sponsorship from Rolex in a belated tribute to the composer’s just past anniversary year.
It could be said that the VPO exhibit is a unique facility in recreating Haydn’s symphonies. In these performances dating back to 1972, they assume the same infallible echt-wienerisch manner that was placed at the service of Karl Böhm and Herbert von Karajan in their recordings of a half-century ago. All of the conductors here acquit themselves with distinction and the performances are, with a single and partial exception, superb. The set brings two surprises. The pleasant surprise is one-time radical Pierre Boulez in a deftly crafted account of No 104. The shocking one is Harnoncourt’s demolition of #103 ‘Drumroll’. He takes the opening intrada marking and runs with it. The result is raucous tub thumping (repeated in the same style in the coda) which is totally at odds with the rest of the work and, indeed, entirely out of character with the philosophy of Haydn’s London Symphonies. It is interesting, if unsettling, to hear—once.   WSH

Gustav Mahler: Symphonies #1-10
Vocal soloists, Choirs, Polish National Radio Symphony Orchestra, Warsaw Philharmonic Orchestra/Michael Halász, Antoni Wit, Robert Olson
Naxos 8501502 (15CD – 13 h 31 min 54 s)
This box offers recordings made between 1990 and 2005. Over the years of individual issue, the performances were well-received by critics and the audio quality was highly praised. Conductors Halász and Wit are consistently in accord in achieving a unified Mahler style with emphasis on finesse. In terms of refined execution, this set is closest to Evgeny Svetlanov’s for Warner (on 14 CDs) without that conductor’s prominent affectations of interpretation. The accounts of # 1, 2, 4 and 9 also rekindle memories of the post-war recordings of Mahler contemporary Bruno Walter. The Poles deliver very fine performances. Wit’s account of No 8 is an unqualified chart-topper (it will have listeners wishing that he had tackled Das Lied von der Erde as well). The performing version of Symphony #10 completed by Joe Wheeler is an interesting bonus and certainly worth hearing. It will never replace the Deryck Cooke version but like those of Carpenter, Mazzetti and Barshai it should be irresistible to Mahlerians in their relentless quest for the ultimate artistic truth.
One does not usually associate luxury presentation with the Naxos trademark but this box is richly appointed. The attractive and sturdy pop-top box holds the discs securely and vertically for ease of handling. There is no overlap of works in the disc layout. An informative introductory essay by David Nice and notes on each symphony by Keith Anderson, Richard Whitehouse and Jerry Bruck add to the value of the consolidated booklet. Full vocal texts with English translation are included. Even at a generous Naxos discount, the set is priced in the one hundred dollar price range. Other excellent Mahler cycles conducted by Gary Bertini (EMI) and Riccardo Chailly (Decca) are available for less. The Polish cycle is worth having for the refreshing originality and sincerity of the interpretations.   WSH  

Rautavaara: Before the Icons; A Tapestry of Life
Helsinki Philharmonic Orchestra/Leif Segerstam
Ondine ODE 1149-2 (49 min 37 s)
Difficile d’encenser un disque de moins de cinquante minutes d’œuvres d’un compositeur somme toute assez mineur, surtout lorsque l’interprétation et la prise de son s’avèrent plutôt moyennes et de bien peu d’éclat. Pourtant, l’impression finale reste étonnamment bonne, grâce à l’écriture envoûtante de Rautavaara. Sorte de point-milieu postmoderne entre le traditionalisme nouveau genre de Chostakovitch et les riches harmonies de Messiaen, Rautavaara excelle dans les moments intimes ou solennels. On ne peut en dire autant des passages plus fougueux (les percussions anémiques n’aidant pas, il faut le dire); il ne faut pas alors s’étonner d’entendre le compositeur se concentrer sur ses forces, pour le bonheur des mélomanes assoiffés d’émotions nouvelles.   RB

Tchaikovsky: Rococo Variations/Prokofiev: Sinfonia Concertante
Gauthier Capuçon, cello; Orchestra of the Mariinsky Theatre/Valery Gergiev
Virgin Classics 50999 694486 0 7 (61 min 19 s)

The big piece here is the Prokofiev—its slow movement is longer than the entire Rococo Variations—and it is stunning in every way. The music is rich and inventive. On first hearing, the concerto can seem too long and meandering but it is worth repeated listenings to really get inside this remarkable work. Capuçon plays it with youthful virtuosity and Gergiev and his orchestra are excellent.
The Rococo Variations is a slight piece next to the Prokofiev and the performers tend to try for more than is really in the music. The Andante sostenuto of Variation 3 becomes a scarcely-moving Adagio. Nonetheless, the performance is generally very good indeed, and the sound quality throughout the CD is first-rate.   PER


Bach: Goldberg-Variationen
Andreas Staier, clavecin
Harmonia Mundi HMC 9020258 (CD: 80 min 46 s; DVD: 23 min)
Bien que les Goldberg aient déjà fait l’objet d’une cinquantaine d’enregistrements, Andreas Staier parvient à nous faire découvrir l’œuvre sous un jour nouveau, en usant d’un clavecin aux registres multiples, parmi lesquels figurent entre autres, en plus des jeux habituels, un jeu de luth, un fragile jeu de nasard et un seize pieds (qui sonne à l’octave inférieur). D’aucuns auront tôt fait de railler les prétentions du grand instrument, ou craindront de retrouver là un des ces monstres aphones et bringuebalants dont se servait jadis Wanda Landowska. Préjugés légitimes, mais qui sont balayés à l’écoute : ce clavecin sonne magnifiquement sous toutes ses couleurs, que Staier manie sans en abuser (le seize pieds, par exemple, ne sert qu’à trois occasions) et avec un indéniable à-propos.  Tantôt, en effet, les registrations accentuent habilement les effets de contrastes ou le dialogue des voix, tantôt au contraire elles éclairent la structure de l’œuvre en créant des parallèles entre variations apparentées. Copie fidèle d’un original allemand construit par le facteur Haas en 1734, l’instrument, d’un modèle peu courant, se trouve ainsi parfaitement en phase avec les ambitieuses Goldberg, elles aussi de conception tout à fait hors normes. Une version passionnante, sensible et virtuose, avec laquelle il faudra désormais compter.   PG

Chopin : Nocturnes
Yundi, piano
EMI Classics 50999 6 08391 2 1 (CD1: 58 min 42 s; CD2: 45 min 45 s)
En passant chez EMI, Yundi Li a écourté son nom et s’est apparemment débarrassé des maniérismes qui grevaient ses précédents enregistrements chez DG (à l’exception, peut-être, des Scherzi de Chopin). Il nous livre cette fois une exécution des Nocturnes dont la sobriété saute aux oreilles, pourrait-on dire, tellement elle surprend de la part d’un interprète qui cherchait auparavant à se mettre en valeur aux dépens de son art. Cette nouvelle sobriété n’évite pas cependant de malheureux ratés, entre autres des phrasés qui banalisent, par exemple, les pages bouleversantes des opus 55 ou 62 ou rendent insupportable le trop célèbre Nocturne en la bémol. Et l’habitude de ne pas prendre le clavier à fond se maintient. Certes, le jeune virtuose chinois possède une technique toujours merveilleuse, trilles et traits éblouissent par leur exactitude et leur vélocité, mais elle n’est toujours pas mise au service de l’œuvre. DG ou EMI, Yundi Li ou Yundi, le changement d’étiquette et de nom n’y fait rien. Après Arrau, Pollini, Amoyel et tant d’autres, cet enregistrement paraît monotone et superflu.   AL

Haydn : Sonates pour piano
Evgeni Koroliov, piano
Profil  PH10002 (79 min 15 s)
On aurait souhaité que Koroliov aborde le très large corpus pour clavier de Haydn par des sonates moins connues ou moins souvent endisquées que les cinq qui constituent son programme (sonates nos 35, 44, 34, 48 et 52). Elles sont néanmoins exécutées avec un sens sûr du tempo (les mouvements rapides sont pris sans précipitation et les lents, sans... lenteur) et une clarté de tous les instants. C’est donc, en soi, toute une recommandation. Mais cette clarté révèle ses limites. Koroliov aborde ces œuvres avec une pondération qui ne peut faire oublier les trouées visionnaires que Brendel, dans quelques enregistrements légendaires (Philips, 1979-1985), savait susciter par une articulation fouillée et des silences qui plongeaient soudain dans des abîmes. N’empêche que le plaisir que l’on prend à écouter le Haydn si justement « classique » de Koroliov est indéniable, à la fois constant et plutôt rare par son refus de toute esbroufe.   AL

Chopin : Journal intime
Alexandre Tharaud, piano
Virgin Classics 5099968556525
Le pianiste Alexandre Tharaud n’a plus besoin de présentation. Acclamé par la critique et apprécié du public, voilà qu’il nous offre, à l’occasion du 200e anniversaire de Chopin, un disque en hommage au « compositeur de son enfance ». Son titre l’indique, Journal intime propose avant tout son regard personnel vis-à-vis la musique du compositeur polonais, musique qui est à l’origine de sa vocation de pianiste. Véritable dialogue entre Tharaud et Chopin, l’interprète se livre ici sans ambages, faisant le bilan musical de ses années d’études jusqu’à ses premiers succès en tant que musicien professionnel. On a droit à une Ballade en sol mineur passionnante et étonnamment posée, une Ballade en fa majeur d’une réelle beauté (certainement parmi les mieux réussies de la discographie actuelle), des Mazurkas aux tempi plutôt lents (hélas! ici Tharaud semble avoir oublié que Chopin était Polonais), tandis que le Largo en do mineur, pièce mystérieuse et très rarement jouée, nous plonge dans l’un des moments les plus graves et les plus étonnants de ce disque. Avec une présentation digne d’un beau livre (couverture rigide, livret généreux, etc.), Journal intime plaira assurément aux néophytes désireux de découvrir un excellent album de musique pour piano, tandis que les véritables amateurs de la musique de Chopin déploreront une certaine discontinuité dans le choix des pièces – on saute de la Fantaisie op. 49 à un nocturne, d’une ballade au Largo. Avec ce disque, Alexandre Tharaud se révèle, encore une fois, comme l’un des pianistes les plus intéressants sur la scène mondiale actuelle.   CP

I mercanti di Venezia
Bande Montréal Baroque/Eric Milne 
Atma ACD2 2598 (54 min 15 s)

L’édition 2010 du Festival Montréal Baroque arrive à grands pas. On ne sera donc pas surpris de voir arriver une nouvelle parution signée par la Bande Montréal Baroque. Le sujet de cette compilation de musique baroque italienne est celui des marchands de Venise, en particulier ceux d’origine juive. Au programme, donc, de la musique vénitienne, mais intimiste. Peu de flamboiement, et guère d’artifices spectaculaires comme les aimaient les Italiens du 17e siècle. Plutôt, des œuvres introspectives, qui dénotent une attention particulière portée à la spiritualité et à l’introspection d’une classe marchande peut-être active, mais consciente de la fragilité de son existence et de sa survie. Eric Milne est attentif au dépouillement expressif des œuvres, mais sait bien magnifier leur force spirituelle.   FC

Transformation : Stravinski, Scarlatti, Brahms et Ravel
Yuja Wang, piano
Deutsche Grammophon B0014108-02 (58 min 27 s)

La carrière de la jeune Yuja Wang évolue comme elle a commencé : avec une sublime inégalité. Son sens de la couleur ne fait plus de doute, ses programmes sont relativement bien pensés et sa technique impressionne. Certes, pareilles œuvres à pareils tempi ne sauraient se passer de quelques menues erreurs, rapidement pardonnées vu la grande précision d’ensemble. Par contre, cette dernière lui joue des tours dans les Scarlatti, franchement trop métronomiques. Son manque de maturité lui fait également échapper les mystères de la grande forme et de l’articulation de certains motifs, comme en témoignent son Stravinsky et la toute fin de son Ravel (autrement extraordinaire, il faut le dire). Voilà pourquoi les Variations de Brahms lui vont si bien : les exigences de la partition sont claires et parfaitement adaptées aux forces d’une pianiste de plus en plus intéressante.   RB

Two Roads to Exile - Busch: String Sextet; Braunfels: String Quintet
ARC/Artists of the Royal Conservatory (Marie Bérard, Benjamin Bowman, violon; Steven Dann, Carolyn Blackwell, alto; Bryan Epperson, David Hetherington, violoncelle)
RCA Red Seal 88697 64490 2 (66 min)
Voici une très belle exploration du thème de l’exil, vécu de deux façons tout à fait différentes par deux compositeurs ostracisés par le déploiement de la haine nazie au siècle dernier. Adolf Busch (1891-1952) émigra aux États-Unis et eut une carrière de violoniste reconnue et respectée des mélomanes. On oublie par contre qu’il composa plusieurs œuvres, dont ce Sextuor op. 40, éminemment redevable à Brahms, avec une petite touche de Reger et Hindemith ici et là. On sent à travers l’écriture de Busch la nostalgie d’un monde musical révolu, pas encore touché par les horreurs du 20e siècle. Walter Braunfels (1882-1954), quant à lui, vécut son exil « de l’intérieur », puisqu’il demeura en Allemagne pendant la Deuxième Guerre mondiale. Écarté de la vie culturelle allemande, il se retira à la campagne et composa. Bien qu’il passât près d’être déporté en camp de concentration, son statut de « demi-juif » le sauva probablement d’une mort atroce. Son Quintette en fa dièse mineur, op .63, est dense et sérieux. Tonal lui aussi, son écriture est néanmoins beaucoup plus concentrée que celle de Busch. On dirait parfois le Schoenberg présériel. Deux redécouvertes fort stimulantes pour le mélomane curieux. FC

(c) La Scena Musicale