Critiques / Reviews Par/by Francine Bélanger, René Bricault, Frédéric Cardin, Éric Champagne, W. Stephen Habington, Alexandre Lazaridès, Norman Lebrecht, Paul E. Robinson, Joseph K. So
/ April 1, 2010
Version Flash ici. / Flash version here.
MUSIQUE VOCALE
Bach: Motets
Bach Collegium Japan/Masaaki Suzuki
BIS SACD-1841 (75 min 28 s)
 $$$
Il y a moins de deux ans, les Motets BWV 225-230 paraissaient sous étiquette Channel Classics, dans une interprétation d’une pureté presque abstraite du Nederlands Kamerkoor dirigé par Peter Dijkstra. Le chant a cappella n’y était soutenu que par une basse continue, dans la tradition austère du genre, souvent destiné à des obsèques. Portée par une prise de son plutôt globale et nimbée, la sérénité de l’au-delà était rendue sensible par les voix. Plus terrestre, pourrait-on dire, mais tout aussi étudiée, l’approche de Masaaki Suzuki convainc par des moyens différents. La basse continue s’y fait mieux sentir et le chœur est plus fourni (et plus richement accompagné) sans que cela entraîne un quelconque flottement des voix, avec des tempos plus allants que ceux de Dijkstra. Tout cela permet au chœur et au plateau vocal de démontrer son indéniable savoir-faire. Aux six motets canoniques, Suzuki a adjoint « Ich lasse dich nicht », BWV Anh. 159, à l’authenticité encore discutée, et « O Jesu Christ, meins Lebens Licht», BWV 118, à l’instrumentation particulière. Prise de son lumineuse. AL
Great Operatic Arias
Gerald Finley, baritone; London Philharmonic Orchestra/Edward Gardner
Chandos CHAN 3167 (68 min 41 s)
 $$$
There was a time when operas were routinely sung in translation, but today opera in English is an endangered species, save for holdouts like the ENO and the Chandos Opera in English series, funded by a grant from the Sir Peter Moores Foundation. The rationale as stated in the accompanying catalogue is that “opera that speaks your language” and “understandability.” But given that most performances have surtitles these days, is it so important anymore? If the language issue is not important for you, this is a must-have disc, with Canadian baritone Gerald Finley in magnificent form, singing his signature roles from Doctor Atomic, The Silver Tassie, Don Giovanni, and Eugene Onegin, among others. From the first selection from Iolanta, an ecstatic outburst of love to the last aria, “Some Enchanted Evening” from South Pacific, Finley is consistently thrilling. Edward Gardner, music director of the ENO, is in his element here, conducting with verve and incisiveness. The accompanying booklet contains texts in English (but no original languages), artist bios, many photos of Finley and Gardner, as well as pictures of the supporting singers. Even for someone with an aversion to operas in English, Finley’s superlative vocalism is hard to resist. Highly recommended. JKS
Mad Scenes
Natalie Dessay, soprano; Orchestre & Choeurs de l’Opéra de Lyon/Evelino Pidò; Concerto Köln/Evelino Pidò; Orchestre National du Capitole de Toulouse/Michel Plasson; London Philharmonic Orchestra/Andrew Davis; Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo/Patrick Fournillier
Virgin Classics 5099969946905 (79 min 45 s)
$$$
Mad scenes in operas are vehicles for the heroines – usually sopranos but occasionally tenors and baritones – when they “lose it” dramatically. But the real reason is to allow the singer to show off her vocal fireworks. This compilation disc contains six scenes sung by French soprano Natalie Dessay, one of the greatest coloraturas of our time. The earliest selection is a 1996 Dinorah, the most recent a I Puritani and a Lucia, both from 2007. She is wonderful in all of them. However, it must be noted that a few years ago she went through a very rough vocal patch for about three years, resulting in surgery to remove nodes on her vocal cords – twice! Some of these recordings – such as the French Lucia, Hamlet, I Puritani and the Italian Lucia caught her in good shape but arguably without quite the brilliance and freedom of her earliest recordings. But even with Dessay at just below her best, she is still head and shoulders above others, perhaps with the exception of Diana Damrau. Dessay also has a dramatic intensity that is unequalled. The thin booklet has an article on mad scenes in three languages but shamefully no texts! On balance, this is a worthwhile disc if you don’t already own the complete recordings. JKS
Night and Dreams
Measha Brueggergosman, soprano; Justus Zeyen, piano
Deutsche Grammophon 4778101 (65 min 30 s)
$$$
After Surprise, her rather unconventional debut recital disc for DG, Measha Brueggergosman returns to more familiar classical repertoire in this new album, a selection of “songs about night, love, sleep, and dreams,” as stated in the liner notes. But typical of Brueggergosman’s eclectic nature, the most obvious choice – Schubert’s Nacht und Traüme is nowhere to be found. Instead we have such unusual selections as Francis Hime’s Anoiteceu in Portuguese and Peter Warlock’s Sleep – trust the soprano to be, well, surprising! In total, the disc contains 21 selections in 5 languages, with the majority in French and German. Stylistically it ranges from a quiet, introspective approach to full-throttle operatic treatment. The voice is in fine, luscious shape, save for an occasional intrusive vibrato. Particularly enjoyable are the French chansons – Phidylé, L’Heure exquise, Clair de lune and the Spanish and Portuguese songs.She chooses the less familiar of the two versions of Oh! Quand je dors by Liszt. Pianist Justus Zeyen plays with marvelous, pearly tones, beautifully captured by the sound engineers. The booklet contains a short article based on an interview with the singer, and song texts in three languages. Sadly, there is no text where it is most needed, the unfamiliar Anoiteceu, just a note stating “for copyright reasons it is not possible…” I wonder if it’s because the copyright owner demands payment? JKS
Peter-Anthony Togni: Lamentatio Jeremiae Prophetae
Rebecca Whelan, soprano; Jeff Reilly, bass clarinet; Elmer Iseler Singers/Lydia Adams
ECM New Series 2129
$$
The Canadian composer Peter-Anthony Togni has a fascination, shared by Stravinsky, for the tolling cadences of the Prophet Jeremiah, who warned that Jerusalem would be destroyed for its sins and then lamented its fate in testimony and consolation. Of all the recorded offerings for Holy Week (see below), this is by some measure the most original and affecting that has come my way.
Beneath a mixed chorus, Togni bravely inscribes a bass clarinet as his only instrumentation. It is a brilliant decision. The lower registers conjure some of the tropes of Arabic music, while the higher wails hint at klezmer playfulness. The virtuoso clarinettist Jeff Reilly extends his cadenzas across the history of sound, from monotony to modernism, in a performance that is dominant and often hypnotic. Lydia Adams directs the Elmer Iseler Singers, with solo soprano Rebecca Whelan.
Putting on this record without reading the booklet, I was smitten by Togni’s atmospheric force, imposing a contemplative mood with a gloss of consolation that is the quest of all faiths at this time of year. There is something epiphanic about this music; resist it, if you can. NL
Sir Arthur Sullivan : Ivanhoe
Neal Davies, (Richard Cœur-de-Lion); Stephen Gadd, (Prince Jean); James Rutherford, (Sir Brian de Bois-Guilbert); Peter Wedd, (Maurice de Bracy); Stephen Gadd, (Lucas de Beaumanoir); Peter Rose, (Cedric le Saxon); Toby Spence, (Wilfrid d’Ivanhoé); Matthew Brook, (Frère Tuck); Leigh Melrose, (Isaac d’York); Andrew Staples, (Locksley / Un écuyer); Janice Watson, (Lady Rowena); Catherine Wyn-Rogers, (Ulrica); Geraldine McGreevy, (Rebecca); Adrian Partington Singers; BBC National Orchestra of Wales/David Lloyd-Jones
Chandos CHAN 10578(3) (165 min 33 s)
$$$$
Ce coffret de trois disques sera une agréable surprise pour tous ceux qui croyaient que Sir Arthur Sullivan (1842-1900) n’avait de personnalité musicale qu’à travers les farces légères (mais ô combien mémorables) qu’il réalisa avec le librettiste W.S. Gilbert. Cet Ivanhoe date de 1891, année qui devait être l’an Un d’un renouveau marquant de l’opéra anglais. Ivanhoe en était la figure de proue. Au lieu de cela, l’aventure se termina presque en même temps que la série de représentations de l’opéra de Sullivan. La postérité semble avoir retenu que cet échec reposait sur les épaules de l’œuvre elle-même, puis l’arrivée de nouvelles figures musicales et de nouvelles esthétiques plus avant-gardistes finirent d’enterrer Ivanhoe sous plusieurs couches d’oubli et de négligence. Mais un regard neuf s’est posé récemment sur cet opéra et le récit exact des événements nous fait mieux comprendre l’importance, certes imparfaite, de l’œuvre. On apprend ainsi qu’Ivanhoe fut donné 155 soirs consécutifs, dans l’un des théâtres les plus dispendieux de Londres. Loin d’être un échec, Ivanhoe fut plutôt une grande réussite commerciale et populaire. L’échec du «renouveau » opératique anglais devrait plutôt être attribué à l’incapacité de l’imprésario D’Oyly Carte d’assurer la présentation de nouveaux opéras dignes de l’intérêt du public par la suite. D’Oyly Carte quitta ce bateau quelques mois plus tard, entraînant avec lui la réputation d’Ivanhoe. L’opéra est en trois actes, comportant chacun trois scènes. Sullivan reprend certaines scènes du célèbre roman de Sir Walter Scott consacré au combat entre la nouvelle dynastie normande et l’ancienne ligne royale saxonne à la fin du XIIe siècle en Angleterre. Sullivan a voulu créer un tout nouveau langage musical dans cet opéra, « purement anglais » disait-il. La fusion qu’il réalisa des différents courants musicaux de son époque est plutôt intéressante. On entend ici l’ampleur de l’orchestre wagnérien, la splendeur mélodique des « chorals » anglais, le souci du détail timbral et instrumental de Fauré, la verve et l’esprit pétillant de l’Italie et du bel canto. Sans être un monumental chef-d’œuvre tout juste redécouvert, Ivanhoe constitue l’aboutissement spectaculaire d’une démarche artistique sans lendemain, synthèse imparfaite, mais unique, de toute une époque musicale sur le point d’être irrémédiablement bouleversée par l’arrivée d’un siècle tragique. David Lloyd-Jones conduit la trame symphonique de ce drame épique avec un remarquable sens du panorama et de la profondeur, mais aussi de la retenue lorsque nécessaire. Les solistes sont pour la plupart très bons, particulièrement James Rutherford dans le rôle de Brian de Bois-Guilbert. Les rôles principaux peuvent parfois manquer de personnalité et de conviction, par contre. Seul hic dans une production léchée et somptueuse qui mérite l’attention de tout mélomane curieux. FC
Tchaikovsky Romances
Dmitri Hvorostovsky, baryton; Ivari Ilja, piano
Delos DE 3393 (81 min, 2CD)
$$
Comment ne pas céder aux charmes du répertoire délicieusement romantique des mélodies de Tchaïkovski ? D’autant plus que les interprètes sont ici d’un haut niveau ! L’incomparable Dmitri Hvorostovsky prouve encore une fois qu’il est l’un des grands chanteurs de notre temps. Avec le pianiste Ivari Ilja, d’une musicalité à la fois méticuleuse et passionnée, le baryton russe interprète vingt-quatre de la centaine de mélodies écrites par Tchaïkovski. Il s’agit là d’un répertoire d’une intimité chaleureuse, aux émotions vives, qui verse parfois dans un certain pathos typiquement russe, mais qui touche directement le cœur. Les interprètes sont particulièrement à l’aise dans cet univers qu’ils rendent avec une justesse et une émotion franche et limpide, sans jamais verser dans le mauvais goût ou la facilité. La qualité musicale est exceptionnelle et la prise de son excellente. Seuls deux détails agacent. La disposition sur deux disques gêne un peu, surtout qu’il est techniquement possible de nos jours de faire tenir ces 81 minutes sur un seul disque. À noter aussi le livret unilingue anglais. Néanmoins, il s’agit là d’un incontournable pour l’amateur d’art lyrique ! EC
MUSIQUE INSTRUMENTALE
Beethoven: Piano Concertos 4 & 5
Till Fellner, piano; Orchestre symphonique de Montréal/Kent Nagano
ECM Records ECM 2114 (72 min 42 s)
 $$$
Le couplage des deux derniers concertos pour piano de Beethoven n’est pas courant dans une discographie surabondante où se sont illustrés les plus grands noms. Il est offert ici dans une exécution qu’on est porté à qualifier d’introspective à l’écoute de l’introduction du Quatrième Concerto. La déception suit assez vite. Le soliste se confine dans un registre neutre, sans panache ni surprise, et son jeu, quoique toujours clair et virtuose, reste en surface. Le dialogue avec l’orchestre s’en tient à des échanges sagement alternés. Le deuxième mouvement est soumis par Nagano à un rythme martial qui le dédramatise, et le troisième, extérieur, s’achève de façon bien trop mécanique. Enregistré quelques mois plus tard, toujours dans la salle Wilfrid-Pelletier, « L’Empereur » est beaucoup mieux servi, autant par les interprètes que par l’ingénieur du son, avec un Adagio d’une émotion juste de bout en bout et un finale enlevé. Les notes du programme sont données en anglais et en allemand seulement, alors qu’il s’agit de l’orchestre de la plus grande ville française en Amérique du Nord... AL
Bolcom/Mackey: Concertos for Saxophone Quartet
PRISM Quartet (Boston Modern Orchestra Project)
Innova 731 (52 min 7 s)
$$$
La maison de disques Innova est l’alter ego discographique de l’American Composers Forum. Les enregistrements proposés par cette étiquette audacieuse témoignent de l’extraordinaire vivacité (et diversité !) de la création musicale contemporaine aux États-Unis. Nous avons affaire à des gens passionnés, c’est une évidence, et ce très beau disque en est la preuve. Les deux œuvres présentées ici, le Concerto Grosso de William Bolcom et Animal, Vegetable, Mineral de Steven Mackey, constituent d’excellents témoignages d’une certaine musique contemporaine américaine. Langage résolument tonal, rythmes syncopés hérités du jazz, modernisme de bon aloi dans certaines harmonies, bref tout ce qu’il faut pour faire aimer la musique contemporaine à ceux qui l’ont en horreur. Cette musique laissera probablement de glace les mélomanes plus avant-gardistes, mais elle convaincra les néophytes – et que cela ne laisse planer aucun doute sur sa valeur intrinsèque ! Le Concerto Grosso de Bolcom rappelle avec une belle joie de vivre Gershwin et Bernstein. La pièce de Mackey, quant à elle, ne manque pas d’humour. Le premier mouvement, Animal, est une illustration musicale de 7 minutes sur… un âne ! Bagpipe transforme la cornemuse (habilement suggérée par la plume orchestrale de Mackey) en poésie pastorale. Mineral est rythmique à souhait. FC
Charles Munch Conducts a Treasury of French Music (Previously unreleased concert performances, 1954-58)
Berlioz: Overtures - Le Corsaire, Béatrice & Bénédict, Harold in Italy, Les nuits d’été; Ravel: Introduction and Allegro for Harp, Flute, Clarinet and Strings, Valses nobles and sentimentales, La Valse, Rhapsodie Espagnole, Piano Concerto in G major; Debussy: La damoiselle élue, Jeux, La Mer, Images pour orchestre (Gigues), Iberia; Roussel: Suite in F; Milhaud: Symphony No 6; Franck: Symphony in D minor; d’Indy: Symphony on a French Mountain Air; Fauré: Requiem
Boston Symphony Orchestra/Charles Munch
West Hill Radio Archives WHRA-6027 (6 CDs – 410 min 25 s)
$$$$
This is yet another valuable collection from West Hill Radio Archives of Toronto and one that can be recommended to both collectors of vintage documents and any with an abiding interest in French music. It presents one of France’s most renowned conductors united with the most Francophile American orchestra of the day. The performances are, without exception, superb. Three significant pieces (Debussy’s Jeux, Symphony No 6 by Milhaud and the Fauré Requiem) included here were never recorded in the studio by Munch. The Berlioz selections are executed with dash and this Harold in Italy is remarkable. Disc 3 is an all-Debussy programme while the Disc 5 combination of symphonies by Franck and d’Indy receive masterful interpretations. It is also a bonus to go back to source in the Milhaud symphony, as it was a BSO commission. The soloists are excellent. Soprano Victoria de los Angeles in the vocal pieces by Berlioz and Debussy provides extra luster for what must have been a great concert on April 9, 1955. The performances here are really beyond criticism.
This set is an especially desirable supplement to West Hill’s ‘Charles Munch in Boston, the Early Years’ (7CDs – WHRA 6015). Also offered: Pierre Monteux in Boston (8CDs – WHRA 6022), The Art of George Szell (4 + 4 CDs – WHRA 6018 & 6019) and The Art of Fritz Reiner – just about everywhere except Chicago – (6 CDs - WHRA 6024). All of these sets receive first-class audio restoration and annotation. The present set contains booklet notes of quality by James Miller and Michel Tibbaut. WSH
3 Concerti: Concertos pour piano de Violet Archer, Larysa Kuzmenko et Alexina Louie
Christina Petrowska Quilico, piano; CBC Vancouver Orchestra/John Eliot Gardiner; National Arts Centre Orchestra/Alex Pauk; Toronto Symphony Orchestra/Jukka-Pekka Saraste
Centrediscs CMCCD 15610 (71 min 29 s)
$$
La pianiste torontoise Christina Petrowska Quilico propose ici un programme de trois concertos composés par trois compositrices canadiennes aux esthétiques bien différentes. On retrouve sans trop de surprise les sonorités orientales (surtout du côté des percussions, riches en cymbales de toutes sortes) intégrées dans le discours occidental typique du travail d’Alexina Louie. Son concerto d’une durée de 30 minutes est certainement l’une de ses plus importantes réalisations. Le concerto de Violet Archer (compositrice albertaine originaire de Montréal) est des plus étonnants et constitue une agréable surprise. Fortement influencée par la musique d’Hindemith, l’œuvre possède une structure forte et un dialogue bien équilibré avec l’orchestre. On se demande pourquoi il n’est pas plus souvent joué ! Finalement, le concerto de Larysa Kuzmenko étonne par son énergie et sa virtuosité. Il n’est pas sans rappeler le concerto de Samuel Barber, tant par son langage néoromantique que par l’exubérante toccata finale. Ces enregistrements en concert sont d’une étonnante qualité et rendent justice tant aux œuvres qu’aux interprètes. Un joli disque qui plaira aux amateurs de piano en quête d’un nouveau répertoire ! EC
Elgar: Concerto for Violin
Nikolaj Znaider, violin; Staatskapelle Dresden/Sir Colin Davis
RCA Red Seal 888697 605882 (49 min 35 s)
$$$
One of the greatest works in the violin concerto repertoire, the Elgar Concerto, at 50 minutes, is also one of the longest and technically demanding. The composer dedicated it to the great Fritz Kreisler who premiered the piece in 1910. Later it became the signature piece for Yehudi Menuhin and many others. To my ears, the best interpreters on recordings the last thirty years are Zukerman/Barenboim,Chung/Solti, Perlman/Barenboim,Ehnes/Davis,and Shaham/Zinman. To this list should be added this new recording of Nikolaj Znaider, a Danish violinist of Polish-Jewish heritage. He plays on the Guarnerius “del Gesù” 1741 on loan to him by the Royal Danish Theatre, the very violin that Kreisler played in the premiere of this concerto! Znaider seemingly taps into the soul of the piece. His playing, though often light of touch, has depth of feeling and is intensely moving. It has all the lyricism, pathos, brilliance and bravura technique one could want in a performance. In Colin Davis we have an authentic interpreter and the Staatskapelle Dresden responds splendidly. The recorded sound is very good. Even though this is a Sony recording, for some reason it is labeled as RCA Red Seal. The booklet has a short essay by Znaider, dedicating this recording to Sir Colin. Tobias Niederschlag, the literary advisor to the Dresden Staatskapelle, contributes an analysis of the work. This is an indispensable disc for all Elgarians. JKS
Graffiti
Present Music/Kevin Stalheim
Innova 729 (47 min 40 s)
$$$
La principale qualité de la nouvelle musique aux États-Unis est son caractère ludique, un peu brouillon et surtout irrévérencieux face à la distinction savante/populaire. La pièce Village Idiot d’Elena Kats-Chernin trahit dès les premières mesures ses racines minimalistes (Reich, Glass, Riley). Ce qui attire l’attention, c’est l’inclusion d’une guitare électrique, utilisée pour ses qualités timbrales plutôt que pour suggérer une esthétique rock stéréotypée. Un bayan russe et un clavecin finissent de colorer de manière déjantée l’ensemble musical autrement constitué d’un quatuor à cordes, contrebasse, trompette, cor et trombone. Très amusant. Motor City Requiem de Randall Woolf est un touchant hommage à la ville de Détroit faisant appel à un piano doublé d’un quatuor à cordes, auxquels viennent se greffer des échantillonnages sonores de musique Motown. Superbe. Graffiti d’Armando Luna, la pièce-titre du disque, est ironiquement la moins intéressante de l’album. Il s’agit d’une série de 11 vignettes musicales rendant chacune hommage à un compositeur (de Bach à Dave Brubeck, en passant par Haydn, Honegger, Benny Goodman, etc.). Ce n’est pas mauvais, et certains passages sont même fort divertissants, mais ce n’est pas particulièrement mémorable. FC
Raff: Symphonies; Suites for Orchestra; Overtures
Bamberger Symphoniker/Hans Stadlmaier
Tudor 1600 (9 CD : 636 min)
$$$$
La courageuse entreprise de la maison Tudor se retrouve enfin condensée dans un beau coffret de 9 disques, tous consacrés à la musique symphonique de Joseph Joachim Raff (1822-1882). Raff a été largement oublié depuis sa mort; pourtant, sa production musicale est riche et variée, comprenant pas moins de 11 symphonies, plusieurs concertos pour violon, violoncelle, piano, de la musique de chambre pour quatuor à cordes, quintette avec piano, trio, sextuor, de la musique vocale, pour piano seul, pour orgue, etc. Son langage est raffiné, mélodique, parfois dense, mais surtout il chevauche une période d’avancée du langage musical qui nous a donné certains des plus grands monuments de la musique occidentale. Il est fascinant de voir les bouleversements fondamentaux apportés par les contemporains de Raff lorsque l’on en prend conscience par l’entremise de la remarquable cohérence de la production de ce compositeur. Alors que dans ses premières symphonies, Raff se situe au même niveau qu’un Schumann, un jeune Brahms ou même Liszt (avec qui il étudia), ses dernières créations semblent cadenassées dans la même esthétique. Le passage du temps et des styles artistiques n’auront apparemment pas marqué le compositeur. Cela étant dit, la découverte de ces symphonies est un immense plaisir. Si vous aimez Brahms et Schumann, et regrettez qu’ils n’aient pas eu le temps de composer plus d’opus symphoniques, vous trouverez en Joseph Joachim Raff un réconfort bienfaisant. Lyriques, sérieuses sans être cérébrales, teintées d’un savant pastoralisme, témoignant d’un puissant sens mélodique, ces œuvres méconnues savent toucher la corde sensible du mélomane curieux. Hans Stadlmaier dirige ce parcours foisonnant avec passion et conviction, produisant des sonorités somptueuses et chaleureuses. Une petite boîte remplie de grands plaisirs. FC
Stravinsky: Pulcinella/Symphony in Three Movements/Four Études
Roxana Constantinescu, mezzo-soprano; Nicholas Phan, ténor; Kyle Ketelsen, baryton-basse; Chicago Symphony Orchestra/Pierre Boulez
CSO-Resound CSOR 901 920 (71 min 12 s)
$$$
Boulez soulève quelques craintes en début d’album avec son tempo plutôt lent et des inexactitudes rythmiques très peu caractéristiques de sa direction. Fort heureusement, la machine orchestrale se met rapidement en branle et le chef exhibe sa maturité en faisant ressortir une palette de couleurs sidérante (admirez p. ex. l’équilibre d’amplitude entre harpe et piano dans la Symphonie en trois mouvements ou entre cor et hautbois dans Pulcinella). Mis à part une belle intimité près de la musique de chambre, Pulcinella se distingue par un Nicholas Phan au style très baroque en début d’œuvre – une idée vraiment fantastique. Dommage que la partition progresse irrésistiblement vers un style plus « opératique » (quoique la rondeur quasi-bouffe de Kyle Ketelsen ne soit pas mal du tout). Pierre Boulez prouve une fois de plus son génie; réjouissons-nous d’avoir pareil contemporain. RB
Weingartner: Violin Concerto / Symphony in E
Laurent Albrecht Breuninger, violon; SWR Rundfunkorchester Kaiserslautern/Alun Francis
Cpo 999 424-2 (67 min 55 s)
$$$$
La passion des gens de CPO nous offre ici la chance d’entendre le Concerto pour violon de Felix Weingartner qui, après avoir été reconnu comme l’un des grands chefs d’orchestre du début du XXe siècle, reprend ses droits en tant que compositeur dans les livres et chez les mélomanes. L’op. 52 de Weingartner possède quelques passages redoutables pour le soliste, ainsi qu’une trame vaguement brahmsienne qui le rend très agréable à écouter. Des échos folkloriques se font entendre plus loin dans les 2e et 3e mouvements. En complément de programme, nous retrouvons l’arrangement de Weingartner de la Symphonie en mi, D 729, de Schubert. Chaînon manquant entre la Sixième et la Huitième, cette symphonie a bénéficié depuis un siècle et demi de plusieurs tentatives de « finition ». La plus acceptée à ce jour est celle du musicologue Brian Newbould, que Sir Neville Marriner enregistra dans son intégrale des symphonies de Schubert. La version Weingartner diffère de celle de Newbould en ce sens qu’elle est plus téméraire dans ses sonorités. L’artiste Weingartner prend le dessus sur le musicologue. Les puristes rechigneront peut-être. Les audacieux y trouveront leur compte. FC
MUSIQUE DE CHAMBRE ET SOLO
Fauré: Piano Quintets
Schubert Ensemble (Simon Blendis, Maya Koch, violon; Douglas Paterson, alto; Jane Salmon, violoncelle; William Howard, piano)
Chandos CHAN 10576 (61 min)
$$$
Si Fauré représente le chaînon entre les esthétiques de Brahms/Saint-Saëns et Debussy/Ravel, comme on le prétend souvent et à juste titre, c’est dans sa sous-estimée musique de chambre qu’on en trouve la plus éloquente expression. Fluidité impressionniste et mouvement mélodique postromantique s’y trouvent fusionnés avec une rigueur délicate. C’est d’ailleurs ce qui qualifie le mieux l’excellente exécution du réputé Schubert Ensemble. Les élans passionnés du jeu instrumental ne convainquent pas autant qu’ils le devraient, certes, mais l’équilibre des timbres et des dynamiques s’avère si bien maîtrisé qu’on ne peut qu’adhérer à la conception d’ensemble. La prise de son vise d’ailleurs les mêmes buts et y réussit fort bien, rendant l’achat plus que recommandable. RB
Gabriel Fauré : L’œuvre pour violon et piano
Olivier Thouin, violon; François Zeitouni, piano
XXI-CD2 1702 (64 min)
$$
Le violoniste Olivier Thouin et le pianiste François Zeitouni se sont réunis pour nous présenter un enregistrement de très grande qualité. Ces deux musiciens montréalais, qui jouissent d’une notoriété incontestable dans le monde musical ici et ailleurs, nous offrent un répertoire très intéressant et varié des œuvres pour violon et piano de Gabriel Fauré. Même si ce dernier s’est avéré le compositeur de musique de chambre le plus important de son époque, il demeure méconnu du grand public et ce disque nous permet d’apprécier ces œuvres empreintes d’un extrême raffinement. L’ordre des pièces proposées est intéressant. Le disque s’ouvre et se termine par les deux sonates pour violon et piano, écrites à quarante ans d’intervalle. La première sonate, écrite à une époque heureuse de sa vie, a joui dès sa création d’une immense popularité. Par contre, bien que considérée comme un chef-d’œuvre de virtuosité, la deuxième sonate n’a jamais été aussi remarquée. Les pièces centrales du disque, Berceuse, Romance et Andante sont plus légères et se rapprochent de la musique de salon, ce qui permet à l’auditeur d’apprécier à la fois le génie, la virtuosité et l’élégance du compositeur, remarquablement traduits par l’interprétation exceptionnelle des deux artistes. FB
Georges Migot : Suite à trois, Le Livre des danceries
Trio Hochelaga (Anne Robert, violon; Paul Marleyn, violoncelle; Stéphane Lemelin, piano); Robert Cram, flûte
Atma classiques ACD2 2543 (57 min 43 s)
$$
Grâce à Stéphane Lemelin, qui dirige chez Atma la série «Musique française : Découvertes 1890-1939 », et après son enregistrement de l’inclassable Zodiaque de Georges Migot, l’on peut espérer que le compositeur français finira par occuper la place qui lui revient dans la discographie, une place en marge des grands courants de la musique européenne de l’entre-deux-guerres. Le Trio (ou Suite à trois) pour violon, violoncelle et piano date de 1935. C’est une œuvre ambitieuse et fascinante de presque trois quarts d’heure, où Migot traite les instruments comme autant de solitudes qui semblent ne s’unir que dans la désolation du troisième mouvement, au nom paradoxal de Danse. L’auditeur en sort presque sonné. Le Livre des danceries (1929) pour flûte, violon et piano, de moitié moins long, est d’une veine moins sombre et plus dépouillée, culminant dans un troisième mouvement marqué Religieux. Le jeu du trio Hochelaga, tout comme celui du flûtiste, est à placer sous le signe de la conviction pleinement partagée. AL
Mendelssohn Piano Trios Op. 49 & 66
Itzhak Perlman, violon; Yo-Yo Ma, violoncelle; Emmanuel Ax, piano
Sony Music 88697521922 (59 min 25 s)
$$
Bien qu’amis et collaborateurs de longue date, le violoniste Itzhak Perlman, le violoncelliste Yo-Yo Ma et le pianiste Emmanuel Ax ne s’étaient jamais réunis pour enregistrer de la musique de chambre avant ce disque soulignant le deux centième anniversaire de naissance de Mendelssohn. L’occasion était belle et cette collaboration a donné cet album empreint d’une grande sensibilité. Mendelssohn était un musicien accompli, grand compositeur et pianiste virtuose, sa musique était profondément inspirée. Son œuvre est empreinte d’une profonde émotion autant que de grandes envolées dramatiques et d’une joie de vivre communicative. Schumann a dit de lui qu’il était le Mozart du dix-neuvième siècle. Les trois musiciens réunis ici ont su par la finesse de leur jeu, leur compréhension du compositeur, leur immense talent et leur complicité évidente faire de cet enregistrement un grand moment de musique romantique. FB
DVD
Wagner: Der Ring des Nibelungen – Siegfried
Lance Ryan (Siegfried); Gerhard Siegel (Mime); Juha Uusitalo (Der Wanderer); Franz-Josef Kapellmann (Alberich); Jennifer Wilson (Brünnhilde); Orquestra de la Comunitat Valenciana/Zubin Mehta
Metteur en scène: Carlus Padrissa
Unitel Classica 700908 (256 min)
$$$$
La scénographie de la Tétralogie d’Unitel a été confiée à la célèbre troupe La Fura dels Baus, connue pour ses prises de position iconoclastes et son recours au mélange des arts de la performance et du cirque. Le programme prévient d’emblée que la production, filmée en 2007 et 2008 à Valence, utilise « des images qui s’adressent à un jeune public du XXIe siècle habitué au langage visuel des films de La Guerre des étoiles et de Harry Potter ». La priorité accordée aux aspects visuels est évidente, mais les mélomanes trouveront ici leur compte. Zubin Mehta, à la tête d’un orchestre de jeunes professionnels gagnés à la cause wagnérienne, dirige avec justesse et énergie. Si le plateau vocal était de la même veine, nous aurions tenu là une captation exceptionnelle. Il se défend bien en général, mais le maillon faible est malheureusement le Siegfried de Lance Ryan, aussi peu convaincant par la voix que par le jeu. Il se montre au bout de ses moyens au cours de la scène finale d’autant plus étirée que les projections en sont absentes. Elles avaient été largement mises à contribution jusque-là, faisant croire que les nouvelles technologies donneraient des ailes aux arts de la scène dans leur recherche de « l’art total » rêvé par Wagner. Reste qu’il est difficile d’évaluer isolément ce Siegfried à certains égards excessif, mais le plaisir qu’il procure est bien réel – même si l’on n’a vu aucun Harry Potter. AL
You Cannot Start Without Me: Valery Gergiev
Maestro Valery Gergiev; Yefim Bronfman; Renee Fleming; Dmitri Hvorostovsky; Leonidas Kavakos; Uliana Lopatikina; Anna Netrebko; London Symphony Orchestra; The Metropolitan Opera; Mariinsky Theatre Orchestra
BelAir Classiques BAC053 (87 min)
 $$$$
Frankly, this documentary is a mess, and an unimaginative one at that. Gergiev is one of the most charismatic of conductors but there is little evidence of it here. Half a dozen times we hear Gergiev emphasizing that he is not concerned with technical issues when he conducts but with expression. His goal is to make the music ‘interesting.’ Now let’s see what that means in performance. But director Allan Miller gives us almost nothing, except the least ‘interesting’ performance of the Russian Easter Overture I have ever heard.
Gergiev’s home base is St. Petersburg, where he heads the Mariinsky Theatre. We see him rehearsing the orchestra and sitting at his desk having some pretty inconsequential meetings with various artists. There is even a scene in which staff members at the Mariinsky have a meeting without Gergiev. What is the point?
Throughout the film we see Gergiev rehearsing Stravinsky’s Le Sacre du Printemps with the London Symphony. But the rehearsal clips are interspersed with performance clips of different passages. Again, what is the point? There are numerous shots of buses, trains, and cars, and scenes in various Russian cities as Gergiev and the Mariinsky tour the country. None of it is very ‘interesting’.
There are also some shots of a horrendous Mariinsky production of Gotterdammerung and a wonderful Met production of Eugene Onegin. My favourite bit in the film was Gergiev’s remark to the LSO after a rehearsal of Le Sacre du Printemps: “My apologies for torturing you.” And your guess is as good as mine as to what the title means. PER
|
|
