Critiques / Reviews

MUSIQUE VOCALE

David Lang: The Little Match Girl Passion
Theatre of Voices, (Ars Nova Copenhagen)/Paul Hillier
Harmonia Mundi HMU 807496 (65 min 7 s)
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Quel éblouissement ! Quelle surprise ! Cette Passion de la petite fille aux allumettes est tout bonnement une révélation ! Le compositeur américain David Lang réinterprète le fameux conte d’Andersen avec des extraits des Évangiles et du livret de la Passion selon saint Matthieu de Bach. Cette juxtaposition littéraire donne à réfléchir sur la formidable et touchante force de l’espoir dans la souffrance. La musique est d’une beauté, d’une pureté et d’une émotion troublantes. Les quatre chanteurs du Theatre of Voices– aux timbres de voix lumineux– s’accompagnent de quelques percussions pour donner vie à cette œuvre unique, récipiendaire du prix Pulitzer en 2008. David Lang est souvent associé à la mouvance minimaliste, bien qu’il soit plus prêt d’esprit et de style d’Arvo Pärt que de Philip Glass. Tout comme Pärt, Lang use de divers archaïsmes dans sa musique, en plus de partager un certain goût pour le mysticisme et le fait religieux. Il y a fort à parier que cette Passion nouveau genre représente un incontournable dans sa production. Le disque est complété par quatre œuvres pour ensemble vocal a capella, interprété par l’Ars Nova Copenhagen. Un disque hypnotisant, inspirant et apaisant.  EC

Monteverdi : Secondo libro de’ madrigali
Rossana Bertini, soprano; Rosa Dominguez, mezzo-soprano; Claudio Cavina, alto; Giuseppe Maletto, Sandro Naglia, ténor; Marco Radaelli, baryton; Daniele Carnovich, basse; Concerto Italiano/Rinaldo Alessandrini
Naïve OP 30487 (58 min 5 s)
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Convergence vers l’équilibre, voilà le mot d’ordre. D’abord les voix, aux timbres bien définis (quelle basse précise !) et soyeux à souhait. Ensuite, une prise de son toute en pureté, clarté et subtilité. Enfin, et surtout, la mise en place d’une interprétation en fonction à la fois du texte et du style. En effet, Monteverdi achève ici sa « première période » créatrice, encore redevable à la Renaissance, mais flirte avec les futures techniques d’écriture baroques; Alessandrini prend donc soin de « théâtraliser » le jeu vocal, mais sans la moindre exagération. À ce sujet, une écoute avec textes en mains s’impose : l’auditeur constatera par lui-même toute la vie que l’ensemble insuffle à ces vieilles partitions, sans aide d’indications de dynamiques ou de phrasé. Voilà une leçon de musique que beaucoup n’oublieront pas de sitôt.  RB

Pieczonka / Puccini
Adrianne Pieczonka, soprano; Münchner Rundfunkorchester/Dan Ettinger
Orfeo C 779 091 A (53 min 9 s)
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After a successful debut disc of Wagner and Strauss arias on the Orfeo label, Canadian soprano Adrianne Pieczonka returns to the studio for this all-Puccini disc, with selections from Gianni Schicchi, Madama Butterfly, Suor Angelica, Edgar, La Bohème, Le Villi, Manon Lescaut, La Fanciulla del West, Turandot and Tosca. Of these, only Tosca is in the soprano’s active repertoire. (There are, however, two lovely photos in the booklet of her Mimi opposite tenor Miroslav Dvorsky from a 1994 COC La Bohème.) This new disc amply demonstrates her versatility. The voice, with its rich, gleaming tone has the requisite dynamic variation and musical sensitivity for Puccini. Pieczonka favours lyric soprano arias – thus we get Liu instead of Turandot, Fidelia instead of Tigrana. Her approach is clean and tidy – she uses very little portamento and rubato, and she doesn’t indulge in melismas, preferring to sing what is on the page. Perhaps the delivery could have used a bit more dramatic urgency, but in purely vocal terms it is impeccable. The opening phrases of “Vissi d’arte” and “Sì, mi chiamano Mimì” are particularly lovely. Fast-rising conductor Dan Ettinger, who is also a baritone, proves singer-friendly as he leads the Munich Radio Orchestra in a sensitive fashion. The booklet contains a short essay on Puccini in German and English, and the aria texts in Italian. This is an important addition to the discography of Pieczonka, unquestionably the reigning Canadian prima donna.  JKS

Porpora Arias
Karina Gauvin, soprano; Il Complesso Barocco/Alan Curtis
ATMA Classique ACD2 2590 (76 min 58 s)
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Following the success of her recent Handel disc for ATMA Classique, Gauvin returns to the studio for a disc of arias by Nicola Porpora (1686 – 1768). Gauvin and conductor Alan Curtis unearthed these long forgotten pieces at the British Museum, choosing the best ones for this recording. Some of these compositions have not seen the light of day for centuries. It demonstrates once again the wealth of wonderful material waiting to be discovered. One can’t find a more worthy exponent of these arias than Canadian soprano Karina Gauvin, who possesses the beauty of tone and stunning technique to do these works justice. The very first aria, “Nobil onda” from Adelaïde, is a veritable trill-fest – I tried to count the number and gave up mid-aria! The bravura pieces require great agility, while the adagio pieces demand rock-solid legato and a real sense of line, not to mention plenty of breath! The recorded sound is crisp and clear, with just the right balance of orchestra and soloist. The booklet has a substantial article on Porpora, a piece on the baroque band Il Complesso Barocco, plus artist bios. There are also nice photos of the recording sessions. Considering the musicological importance of this recording, a few facsimiles of the original manuscripts would have been nice. At a generous 77 minutes, it is best to sample the arias a few at a time. This is a “must-have” disc for admirers of Gauvin and rare Baroque repertoire.  JKS

Verismo
Renée Fleming, soprano; Coro e Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi/Marco Armiliato
Decca 4781533 (72 min 18 s)
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Verismo has hardly figured in the career of Renée Fleming, whose operatic roles in recent seasons have consisted of Strauss, Handel, Massenet, Verdi, Tchaikovsky, Dvorak and Rossini, with not a single verismo opera. It is to her great credit that this foray into unfamiliar territory has produced such wonderful results. This disc contains arias and scenes from fourteen operas – familiar ones like La Bohème, Turandot, Manon Lescaut and La Rondine, but also rarities like Leoncavallo’s Bohème, Zaza, Conchita, Gloria, Siberia, Iris and Lodoletta, pieces hardly ever staged today. Fleming sings with her usual warm, refulgent tone and perfect technical command, but also a genuine feel for the verismo style. To my ears, Fleming’s tendency to over-emote has sometimes marred her work in Handel, Verdi and Strauss, but such heart-on-sleeve vocalism is perfect in this repertoire, which she sings with expression and refinement. The aria “Sola, perduta, abbandonata” is the “original manuscript edition” with extra music Puccini deleted in the performing edition. Decca spares no expenses in engaging supporting singers for several extended scenes, including the fast rising Arturo Chacón-Cruz and the new German tenor sensation Jonas Kaufmann – talk about luxury casting! Italian conductor Marco Armiliato is superb in leading the Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi, a band unfamiliar to me. The booklet has an interesting essay – in microscopic print – on the repertoire, plus a bevy of obligatory glamour photos of La Fleming. This is an excellent disc and highly recommended for anyone interested in Italian verismo.  JKS

MUSIQUE INSTRUMENTALE

Anton Bruckner : Symphony No. 8
Philharmoniker Hamburg/Simone Young
Oehms OC 638 (2 CD : 82 min 41 s)
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Cet enregistrement devant public a le double mérite de nous faire découvrir d’abord la Huitième de Bruckner dans sa première version, ensuite un talentueux chef en la personne de Simone Young. Celle-ci a déjà confié au disque les Symphonies n° 2, 3 et 4 du compositeur autrichien, et pour la même étiquette. On sait que pour l’imposante Huitième, c’est d’habitude la deuxième version de 1890, retouchée par le musicologue Robert Haas, qui a la faveur des chefs d’orchestre, à juste titre, étant donné que la version originale de 1887 est moins aboutie. Elle n’en est pas moins intéressante par son orchestration peu conforme aux attentes du public de l’époque. Les transitions en sont aussi plus abruptes, ce qui lui donne par moments une allure farouche. Il n’en reste pas moins qu’on n’y retrouve pas l’unité d’une vision d’ensemble, ce qui expliquerait que Bruckner se soit attelé à son remaniement dès les premières critiques. Simone Young conduit l’œuvre avec conviction, mais non sans quelque lourdeur. Prise de son tout à fait adéquate. AL

Johann von Herbeck : Symphonie Nr. 4 d-Moll / Symphonische Variationen F-Dur
Hamburger Symphoniker/Martin Haselböck; Irénée Peyrot, orgue
NCA 60150-215 (61 min 36 s)
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Disons-le d’emblée, il s’agit en ce qui me concerne d’une découverte enivrante  ! Johann von Herbeck (1831-1877) est né à Vienne et eut une influence non négligeable sur la vie musicale de la capitale, malgré la relative brièveté de son existence. Il dirigea, entre autres, la première de l’Inachevée de Schubert et il succéda à Brahms comme directeur artistique à la « Gesellschaft der Musikfreunde », en plus de jouer un rôle important dans la nomination d’Anton Bruckner à son poste viennois. En tant que directeur de l’orchestre de la Cour, il introduisit les Messes de Schubert au répertoire de l’orchestre. Sa musique, à en juger par ce qui est proposé sur ce disque magnifiquement interprété, est d’une très grande beauté. Le sens mélodique de von Herbeck est à situer au niveau des plus grands romantiques allemands. Ce qui est curieux par contre, ce sont les intonations anglaises que l’on y retrouve. Le début de la Symphonie no 4 (pour orgue et orchestre) possède cette noble prestance teintée de mélancolie qui annonce les Variations Enigma d’Elgar. Le Finale quant à lui est puissant et imposant, construit sur un canevas fugué rappelant, ici encore, Elgar et son arrangement de la Fantasie et Fugue en do mineur, BWV 537 de Bach. Les Variations symphoniques en fa majeur reviennent elles aussi à l’Angleterre avec un thème principal dont Hubert Parry aurait été fier. Plus loin par contre, von Herbeck bifurque vers des textures plus pastorales, associées volontiers à un tableau romantique de la campagne autrichienne. Tout cela crée une œuvre tout à fait unique, à découvrir absolument, en attendant que le reste de sa production (3 autres symphonies, 7 messes et plusieurs œuvres pour orchestre, chœur, etc.) soit lui aussi ressuscité d’un injuste oubli. Une redécouverte excitante !  FC

Mozart : Symphonies K385 “Haffner” & K551 “Jupiter”
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks/Wolfgang Sawallisch
Profil PH07021
(54 min 12 s)
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Rayonnante vitalité que celle qui émane de cet enregistrement dirigé en 1998 par un chef né en 1923, donc déjà septuagénaire ! Rarement a-t-on entendu une « Haffner » aussi irrésistible par sa brièveté, aussi jeune, voudrait-on dire, si l’on ne savait que certains chefs, considérés pourtant comme jeunes, ne pourraient prétendre à tant d’allant. Mozart avait alors vingt-six ans, et cela se sent bien sous la baguette de Sawallisch qui obtient de l’Orchestre symphonique de la radio bavaroise une remarquable coordination des cordes. Les dégradés dynamiques, d’une précision rare, forcent l’admiration, de vraies prouesses  ! En fait, la « Haffner » vole la vedette à la « Jupiter », menée tout de même avec vigueur et clarté, avec un quatrième mouvement dont les lignes soumises à un contrepoint enchevêtré chantent toujours, grâce aussi à une prise de son bien remastérisée à l’occasion de cette réédition.  AL

Poul Ruders : Concertos
Erik Heide, violon; Mathias Reumert, percussion; Aarhus Symphony Orchestra/Thømas Sondergård
Dacapo 8.226034 (66 min 55 s)
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Si le compositeur danois Poul Ruders semble familier aux auditeurs canadiens, c’est que son opéra The Handmaid’s Tale, basé sur le roman de Margaret Atwood, a été présenté à Toronto en 2004. Ce récent disque nous permet de découvrir avec grand bonheur une autre facette de sa production en proposant trois œuvres bien différentes. Concerto in Pieces (1995) est une série de variations sur un thème de Purcell qui prend l’allure d’un véritable concerto pour orchestre tant la virtuosité de tous les musiciens est sollicitée. Ruders fait ici un sympathique clin d’œil à Britten et à son Young person’s guide to the orchestra. Le Concerto pour violon (1981) est une magnifique partition enjouée d’inspiration baroque dans sa forme et son foisonnement musical. Dans Monodrama (1988), pour percussion soliste et orchestre, Ruders dévoile son côté sombre et dramatique, mais éblouit encore une fois par la puissance et la virtuosité de son inspiration. Sa musique est certes contemporaine, mais tout à fait accessible, dans la lignée de la tonalité libre qui caractérise la musique nordique contemporaine. Et que dire des interprètes sinon qu’ils sont fabuleux, flamboyants d’esprit et techniquement méticuleux. De la bonne musique, bien jouée. Que demander de plus ?  EC

Vivaldi : Concerti per oboe
Alfredo Bernardini, hautbois et dir.; Zefiro
Naïve OP 30478 (71 min 45 s)
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Bien que le corpus des concertos pour hautbois de Vivaldi ne possède ni la même ampleur ni l’aura et la perfection de celui pour violon, il contient suffisamment de trésors typiquement vivaldiens pour contenter le mélomane le plus exigeant. Ce volume 42 de l’Édition Vivaldi (entreprise essentielle s’il en est une dans le monde de la musique) nous présente une musique pimpante et volatile, telle un champagne bien frais, et des mélodies irrésistibles. L’ensemble Zefiro est en terrain de connaissance et il manie les courbes et l’éclat de cette musique avec la virtuosité d’un jongleur de rue à Venise au 18e siècle. Alfredo Bernardini est un interprète doué et il possède une sonorité suave et équilibrée.  FC

MUSIQUE DE CHAMBRE + SOLO

Bach Partitas 1, 5 & 6
Murray Perahia, piano
Sony 88697443612 (69 min 26 s)
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On ne peut s’empêcher de penser au très regretté Dinu Lipatti dès les premières notes de la Première Partita sous les doigts de Murray Perahia. On entend un musicien qui a su se faire transparent pour laisser toute la place à la seule musique, une musique constamment ailée, même si l’on sait bien que cette transparence découle d’un long travail. Elle est le fait de celui qui serait parvenu à l’art suprême, celui du dépouillement, alors que tant d’interprètes, quand ils abordent les œuvres pour clavier du grand cantor, semblent s’escrimer à perpétuer le souvenir de Gould, tout de même inimitable. On suit Perahia tout au long de ces trois Partitas (les trois autres ont déjà été enregistrées) avec la même émotion et le même bonheur. L’imposante Sixième, jouée d’habitude comme une passion ou un drame, subit ici un allègement inattendu, sans excès, sans pathétisme. La virtuosité est transcendée au point de passer inaperçue, et tout coule de source, sans effort. L’élégance dans la simplicité, n’est-ce pas ce qu’on peut appeler la grâce ?  AL

Beethoven Sonatas: Op. 5, No. 1 & 2; Op. 69
Friedrich Kleinhapl, cello; Andreas Woyke, piano
ARS 38 035 (SACD) (74 min 45 s)
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Cello aficionados will be familiar with Friedrich Kleinhapl (www.kleinhapl.com), who has concertized widely in Europe, but has also appeared in North America, Mexico and China. Recently, he went on a mini-tour of Canada and the US that took him and his pianist Andreas Woyke (www.andreas-woyke.com) to La Chapelle de Bon-Pasteur in Montreal, as well as venues in Annapolis MD, New York City, and Washington DC. A prolific recording artist, Kleinhapl has a dozen titles to his credit, and the reviews have been uniformly glowing. This new disc of Beethoven cello sonatas is the latest in his prodigious output. Kleinhapl combines virtuoso technique, uncommon musicality, genuine depth of feeling and a singing tone that is his trademark. Kleinhapl and Woyke have collaborated extensively, and it shows in no uncertain terms on this disc – it is a pleasure to hear the way they complement each other and their absolute rhythmic precision. There is a sense of joy to their music-making that is infectious. The engineering of the SACD is superb – the sound is warm, clear, yet intimate, with the piano slightly more distant than the cello, as it should be. The booklet has an informative essay on the Beethoven sonatas, with no author attributed. There’s also an interesting if rather awkwardly translated piece by Kleinhapl, in which the cellist thinks it is surprising that Beethoven could have produced music of such beauty “considering his continuous struggle with life.” I suppose this can be said about many others from Mozart to Schubert, Schumann or Wolf – life’s bitterness often provides the seeds of inspiration! Highly recommended for chamber music enthusiasts.  JKS

Ge Gan-Ru : Fall of Bagdad (String Quartets 1, 4 & 5)
Modern Works String Quartet (Airi Yoshioka, Mayuki Fukuhara, violon; Veronica Salas, alto; Madeleine Shapiro, violoncelle)
Naxos 8.570603 (60 min 43 s)
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Nous connaissons très peu la musique contemporaine de Chine. À l’exception de quelques « rock stars » tel Tan Dun, peu de compositeurs chinois sont entendus sur nos scènes. Une chance qu’il y a le disque pour diffuser un peu mieux ces créateurs qui peuvent nous surprendre à l’occasion ! C’est le cas ici avec ces trois quatuors à cordes de Ge Gan-Ru, l’un des plus importants compositeurs d’avant-garde en Chine. Pour un auditeur le moindrement intéressé par la musique contemporaine, il n’y a rien de très dérangeant dans cette musique, mais force est de constater que c’est admirablement bien écrit. Certains passages évoquent les atmosphères de George Crumb ou encore les textures sonores de Takemitsu. Les techniques de jeu contemporain abondent, le langage est parfois un peu cliché dans le genre, mais l’intention et la clarté du discours étonnent et convainquent. De plus, le compositeur sait se faire commentateur de son temps puisque le Quatuor no 5, intitulé « La chute de Bagdad », relate l’actualité internationale récente sans pour autant tomber dans une facilité anecdotique. Une belle découverte pour tout amateur de musique contemporaine.  EC

Glass House Dancing
Sarah Hagen, piano
SHCD00421 (54 min 05 s) 
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Cet enregistrement s’adresse au néophyte qui aime et veut entendre de la belle musique classique. Ici, pas de nouveau répertoire, on explore des sentiers battus et l’on se contente de bien faire les choses. À ce qu’il semble, Sarah Hagen signe ici son premier album. Elle donne par ailleurs des récitals alliant musique, arts visuels et mode qui visent à amener son public à apprécier la musique pour piano seul. Toutes les pièces sont assez bien rendues, les quelques écarts par rapport aux textes ne sont pas trop gênants, et la technique quoique limitée de la pianiste n’empêche pas l’auditeur de passer un bon moment. On n’écoutera pas nécessairement ce disque dans l’état de concentration le plus profond, mais on l’appréciera pour son ambiance. On ne se demandera pas pourquoi tel titre précède tel autre, ni ce que désigne exactement « Glass House Dancing »; plutôt, on écoutera avec plus ou moins d’attention selon son humeur. Ce type de compilation existe depuis toujours, et il semble évident qu’il favorise une vulgarisation de la « grande musique ». Tant mieux si cela ouvre à certains de nouveaux horizons.  NB

Haydn : Piano Sonatas – II
Marc-André Hamelin, piano
Hyperion CDA67710 (152 min 57 s)
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Marc-André Hamelin serait-il le meilleur pianiste québécois de sa génération ? La variété et le volume de son répertoire le suggèrent, son mélange de technique et de musicalité le confirme. Son Haydn dépoussière la tradition et fait revivre ces sonates sous-estimées, qu’on dirait presque jouées par Beethoven ! La grande précision du doigté sert à merveille les ornements et nombreux petits passages en cascade, la force musculaire fait éclater les accords fortissimo, et l’évidente réflexion à la base des lectures fait ressortir une sensibilité qu’on a malheureusement appris à oublier chez Haydn. Non pas que l’humour soit absent, mais il n’est plus seul à l’avant-plan. L’auditeur attentif remarquera quelques rares accrocs en fins de phrases et un niveau sonore assez bas (toujours le même problème chez Hyperion, malgré une excellente prise de son), mais l’ensemble impressionne tellement que ces défauts s’écrasent sous le poids de l’autorité.  RB

Holst : The Planets (Version pour quintette de cuivres et orgue)
Buzz Ensemble; Mélanie Barney, orgue
Fidelio FACD028 (55 min 19 s)
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Ma première réaction en voyant la pochette de ce disque, ce fut WOW ! Puis, à l’écoute, le « wow » s’est multiplié en autant d’onomatopées admiratives. L’arrangement du jeune compositeur Enrico O. Dastous démontre un flair pour les textures et la transposition savante ainsi qu’un grand respect de la partition originale. Par contre, dans ce genre d’aventure, l’arrangement, aussi bon soit-il, ne suffit pas. Il doit être appuyé par des musiciens de haut calibre qui lui permettent de rayonner. Et en ce sens, Enrico Dastous est choyé. Le Quintette Buzz est composé de musiciens exceptionnels. La cohérence de l’ensemble se situe à un très haut niveau de professionnalisme. En les écoutant, on ne peut qu’être convaincu que cet ensemble a un très bel avenir devant lui. La jeune Mélanie Barney est une partenaire de premier choix, sensible et raffinée. La prise de son réverbérante donne du coffre et de l’ampleur à la musique, mais l’équilibre délicat entre les cuivres et l’orgue n’est jamais sacrifié sur l’autel de la puissance. Les tempi sont généralement de l’ordre de la promenade, ce qui est un cran plus relaxe que dans les versions pour orchestre, mais l’auditeur n’y perd rien au change. Superbe.  FC

DVD

Igor Stravinsky: The Rake’s Progress
Laura Claycomb (AnnTruelove), Andrew Kennedy (Tom Rakewell), William Shimell (Nick Shadow), Julianne Young (Mother Goose), Dagmar Peckova (Baba the Turk), Darren Jeffrey (Truelove), Donal J Byrne (Sellem), Shadi Torbey (Keeper of the Madhouse), Symphony Orchestra and Chorus of La Monnaie-De Munt, Brussels/Kazushi Ono
Stage Director: Robert Lepage
Video Director: Benoit Vlietinck
Opus Arte OA BD 7038 D – Blu-ray Disc (174 min)
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Canadian director Robert Lepage daringly transfers the Auden/Stravinsky Hogarthian morality play from England of the 1700s to Las Vegas in mid-20th century. A risky proposition, perhaps, but Lepage pulls it off brilliantly, taking liberal swipes at Hollywood, TV land and the perils of overproduction and over-consumption along the way. There is something in the production akin to the genius of film director Stanley Kubrick (viz Dr. Strangelove and A Clockwork Orange): impeccable logic applied to consummate strangeness. Projection of the tale has the immediacy of today’s bloody awful ‘reality’ TV: repellent but mesmerizing in the spectacle of the corruption of human dignity in pursuit of the glory of exposure on network television. May it be added that first class vocals and a superb account of the musical score enhance the entertainment value of this exceptional production? It should not be missed. The Rake’s Progress is also available on conventional DVD from Opus Arte.  WSH 

Massenet: Thaïs
Barbara Frittoli (Thaïs); Lado Ataneli (Athanaël); Orchestra and Chorus of the Teatro Regio Torino/Gianandrea Noseda
Stage Director: Stefano Poda
Arthaus Musik 101 385 (139 min)
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It is interesting to see this Teatro Regio Torino Thaïs so soon after the one from the Met starring Renée Fleming. Both are big-budget extravaganzas, with name singers and conductors. But here the similarities end. The John Cox production at the Met is pretty, tasteful but tame – one would never have guessed it is about debaucheries in ancient Alexandria. On the other hand, sex is front and center in the Stefano Poda production for Torino. There’s probably more exposed flesh here – particularly of the male variety – than in any other opera production in recent memory. (However it must be said that none of the principals take it off). Visually, it is often breathtaking in its use of colours and textures, enhanced by Poda’s brilliant lighting effects. While Fleming at the Met is swathed in a parade of chaste-looking Christian Lacroix gowns, Frittoli’s costumes, designed by the multi-tasking Poda, are infinitely sexier and more interesting. Musically the Torino forces are perhaps not on the same level as the Met’s, but the Italians play strongly for Gianandrea Noseda. The solo in Méditation – by an uncredited violinist – is every bit as exquisite. As Athanaël, Georgian baritone Lado Ataneli convincingly breathes fire and brimstone, helped by his powerful, stentorian delivery and an animal magnetism that the Met’s Thomas Hampson lacks. Alas, the major liability turns out to be the Thaïs of Italian soprano Barbara Frittoli. Her voice is now afflicted by an unsteadiness bordering on a wobble, and her singing is often effortful and her pitch approximate. A dramatically engaged singer, she seems unusually cautious here, perhaps due to the vocal challenges. She would occasionally produce a nice effect, but overall it is disappointing. Despite its flaws, this disc is well worth purchasing for the memorable Stefano Poda production alone.  JKS

Mussorgsky : Khovanshchina
Paata Burchuladze (Prince Ivan Khovansky), Klaus Florian Vogt (Prince Andrei Khovansky), John Daszak (Prince Vasily Golitsyn), Valery Alexejev (Boyar Shaklovity), Anatoli Kotcherga (Dosifey), Doris Soffel (Marfa); Bayerisches Staatsorchester/Kent Nagano
Director : Dmitri Tcherniakov
Medici Arts 2072428 (174 min)

C’est un opéra à la sauce postmoderne que nous montre cette captation réalisée à Munich en juillet 2007. L’intention du metteur en scène Dmitri Tcherniakov était, apprend-on, de détacher l’opéra de Moussorgski de son « ancrage historique » pour se conformer à la volonté du compositeur de mettre « le passé dans le présent ». Sauf qu’on a oublié d’ajouter que l’art passe par le particulier afin d’accéder à l’universel. L’action complexe de Khovanchtchina, ou « affaire Khovanski », se situe au XVIIe siècle, sous Pierre le Grand, et exige d’être éclaircie par des moyens d’ordre visuel, dans la mesure où le livret n’est pas toujours limpide. Sur ce point, le spectateur est laissé à lui-même de sorte que les incongruités entre les costumes, eux-mêmes disparates (il y a beaucoup de dessous et de sous-vêtements !), le décor et le texte tournent parfois au ridicule. Le plateau vocal est pour le moins peu convaincant, tandis que le chœur peine dans sa partie sous la baguette distante de Nagano. La production de l’Opéra de Vienne (Image Entertainment, 1989), dirigée par un Abbado incandescent, mise en scène par Alfred Kirchner et habitée avec ferveur par les chanteurs, avec Ghiaurov (Ivan) et Burchuladze (Dosifey) au sommet de leurs moyens, garde ainsi le haut du pavé.  AL

Robert and Clara Schumann: Twin Spirits
Simon Keenlyside (singer), Rebecca Evans (singer), Sergej Krylov (violin), Natalie Clein (cello), Iain Burnside, Natasha Paremski (pianos), Derek Jacobi (narrator), Sting (speaker), Trudie Styler (speaker)
Devised and directed by John Caird
OA BD7043 D Blu-ray Disc (206 min)
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Like cucumber sandwiches at high tea, this depiction of the romance between two German musicians is a uniquely English confection. It follows in the tradition of BBC radio’s dramatization of biographical presentations. In this case, the extended courtship and all-too-brief marriage is rendered with convincing fidelity through an enlightened blending of the spoken word and musical examples from the respective compositions of Robert Schumann and Clara Wieck. Nobly narrated by Derek Jacobi, the dialogue is ably conveyed by Sting (when will he, as an emerging musical polymath, be granted a knighthood so that his real name may enter common usage?) and Trudie Styler reading the lovers’ correspondence compiled over decades. An unusual form of entertainment, but it kept a capacity audience in rapt attention over a long evening at Covent Garden. The singers and musicians give heartfelt support to the story with immaculate performances. The set includes close to two hours of extra features. It is also available from Opus Arte on conventional DVD format. Highly recommended to admirers of the Schumanns and all collectors with a special interest in German music of the Romantic period.  WSH

LIVRE

Jan Rubes: A Man of Many Talents
By Ezra Schabas
Toronto: The Dundurn Group, 2007 (304 p.), ISBN 978-1-55002-685-6
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One of Canada’s most versatile and colourful artists of opera, radio and film, the Czech-born Jan Rubes passed away in June. This 2007 biography by eminent musicologist and writer Ezra Schabas serves as a definitive account of Rubes’ extraordinary life. In three hundred and four pages divided into eighteen chapters plus preface, endnotes and bibliography, Schabas has penned a highly readable and entertaining account of Rubes, from his early days in Czechoslovakia, his arrival in Canada in 1949 as a displaced person, to his rise in his new country as an opera singer, movie and live theatre actor, radio and TV personality. Schabas, who met Rubes in 1952, treats the subject matter with honesty, sensitivity and a generous dose of good humour. His easy, fluid writing style makes the book a highly enjoyable read. The volume is lavishly illustrated with dozens of black and white photos of Rubes, from age three to the grand age of 85 in his last movie Our Fathers, in a brief appearance – and very convincingly – as Pope John Paul II. Of particular interest are the many photos of his operatic roles, fittingly with Mefistofeles on the cover. But my favourite is Orlofsky in Die Fledermaus, where Rubes bears an incredible resemblance to American comedian Johnny Carson. Unfortunately there are relatively few private family photos, other than an official family portrait from 1959, plus one of his three sons from 1973. It would have been nice if Schabas had interviewed a few of Rubes’ many colleagues for comments and testimonials. This deficiency is rectified on the back cover of the dust jacket, with Walter Homburger, Christopher Plummer, Lotfi Mansouri, Saul Rubinek, Eli Wallach, Anne Jackson, Mario Bernardi, R.H. Thomson, and Stuart Hamilton paying tribute to Rubes. In sum, this book is an absorbing read and an indispensable reference on the life of this great Canadian.  JKS