Critiques/Reviews
October 16, 2008
Musique Vocale
Prokofiev: Betrothal in a Monastery
Lyubov Petrova, Claire
Ormshaw, soprano; Alexandra Durseneva, Nino Surguladze, mezzo-soprano;
Viacheslav Voynarovskiy, Vsevolod Grivnov, Peter Hoare, tenor; Andrey
Breus, Alan Opie, Pavel Baransky, baritone; Jonathan Veira, bass-baritone;
Sergei Alexashkin, Maxim Mikhailov, bass
London Philharmonic
Orchestra / Vladimir Jurowski; The Glyndebourne Chorus / Thomas Blunt
Glyndebourne GFOCD 002-06 (2CD: 135
min 31 s)
HHHHHI
$$$$
Voilà un petit opéra-comique
tout à fait charmant composé en 1940 et, surprise, issu de la plume
de Prokofiev. L'entrée en guerre de la Russie a annulé les espoirs
de longévité de cette œuvre légère, basée sur une pièce de Sheridan
(1751-1816). Betrothal in a Monastery raconte l’histoire de
la fille d’un riche aristocrate qui cherche à se soustraire à un
mariage forcé. La musique enjouée, souriante, pétillante, rappelle
la Symphonie Classique. Les solistes sont presque tous russes,
d'où le naturel parfait des inflexions vocales et musicales. À une
solide distribution s’ajoute la direction précise et nerveuse de
Vladimir Jurowski, qui obtient de ces Londoniens une palette d’émotions
et de couleurs très variées. Le luxueux livret présente les textes
en français, anglais, allemand et russe (cyrillique malheureusement :
aucune chance, donc, de suivre les dialogues originaux à moins de savoir
déchiffrer cet alphabet particulier), illustré de quelques belles
photos de la production 2006 du Glyndebourne Opera.
FC
Verdi and Verismo
Fabiana Bravo, soprano
St. Petersburg Radio and TV Orchestra
/
Charles Rosekrans
KLEOS Classics KL5149 (72 min 32
s)
HHHHII $$$
Argentinean soprano
Fabiana Bravo is that rare breed – a true spinto soprano with
a dark-hued powerful instrument, strong sense of drama, and glamorous
stage presence. Since winning the 5th Luciano Pavarotti Voice Competition
in 1996, Bravo has made a name for herself in the Verdi and verismo
repertoires. A generous artist on stage, her performances are noted
for their intensity and all-out vocalism. This CD, recorded in St. Petersburg,
Russia, in 2006, gives the listener a good idea of her art. The disc
is a generous 72 minutes long, featuring 14 arias from Don Carlo,
Simon Boccanegra, Corsaro, Aïda, Forza,
Mefistofele, Adriana, Wally, Tosca, Andrea
Chenier, Edgar and Suor Angelica. The singing is impressive,
particularly her blazing top with a genuine high pianissimo, which she
uses to great effect in “La vergine degli angeli” and “Senza mamma”.
The timbre and weight of her sound are ideal in the Verdi and Puccini
heroines featured on the disc. For dramatic effect, Bravo is not afraid
to dip into her generous chest voice. Like other big-voiced dramatic
sopranos, Bravo is best seen on stage, as this type of voice
easily isn't so captured on disc. The close miking exaggerates her breathing,
and sometimes one can hear a slow vibrato and an overall unsteadiness.
Occasionally, she telegraphs a coming high note by breaking the line
to take a breath, as in “Vissi d'arte” and “O patria mia”. The
St. Petersburg Radio and TV Orchestra under American conductor Charles
Rosekrans does yeoman service – one wishes for more incisive and commanding
leadership from the maestro. These quibbles aside, the disc is well
worth a listen for those curious about the art of this exciting soprano.
JKS
Musique instrumentale
BEETHOVEN: Ideals of the French
Revolution
Maximilian Schell, narrator; Adrianne
Pieczonka, soprano
Orchestre symphonique de Montréal,
OSM Chorus / Kent Nagano
Analekta AN 2 9942-3 2CDs (108 min
15 s)
HHHIII
$$$$
Musically, The
General is essentially Beethoven’s incidental music for Goethe’s
play Egmont. But the original Goethe text has been set aside
and replaced by a new one created by the Welsh music critic Paul Griffiths.
The General is based on the Rwandan experiences of Canadian general
Roméo Dallaire, as recounted in his book Shake Hands With the Devil.
Dallaire was head of the ill-fated UN peacekeeping mission in Rwanda
in 1993-1994. The world simply wasn’t interested in preventing the
massacre and Dallaire returned to Canada a broken man.
For some reason
Griffiths decided to tell the Rwanda story without mentioning either
names or places. But without any mention of Rwanda, Dallaire, Tutsis
and Hutus, Griffiths’ text is almost meaningless. This recording has
been issued in both an English and a French version but neither one
includes the text.
On the positive
side, Nagano and the OSM play Beethoven’s music with great intensity.
And the same goes for their performance of the Fifth Symphony on the
second CD. Nagano’s performance indicates he has been strongly influenced
by the period instrument specialists. He takes all the repeats and very
quick tempi in accordance with Beethoven’s metronome markings. He
has the strings play with little or no vibrato much of the time. The
opening of the slow movement sounds strikingly different with this approach.
There are some inconsistencies: why eliminate vibrato in the strings
but allow it in the bassoon solos? And one can’t help wondering what
the Fifth Symphony has to do with “the ideals of the French Revolution.”
Some fine music-making
on this set but lots of questions too. Fans of Kent Nagano – and there
are a growing number of them – will want to have this album as the
first recorded documentation of his work in Montreal.
PER
Bruckner 9
Orchestre Métropolitain du Grand
Montréal / Yannick Nézet-Séguin
Atma classique SACD2 2514 (67 min
1 s)
HHHIII
$$
L’interprétation
de la Neuvième de Bruckner par Nézet-Séguin suscite les mêmes
réserves que celle de la Septième, enregistrée il y a deux
ans par le même chef. Un trait étonnant, innovateur de l’écriture
brucknérienne consiste à opposer les sections orchestrales pour qu'elles
soient à la fois contraires et complémentaires. Privée de ce contraste,
l'oeuvre peut paraître malhabile, ainsi que l'ont jugée ses premiers
détracteurs. Ici, l’équilibre des blocs sonores laisse à désirer.
La section des bois de l’Orchestre Métropolitain tend à s'effacer;
les cordes, elles aussi, peinent à se faire entendre lorsque la masse
orchestrale est imposante. Dans ces conditions, les thèmes semblent
surgir de nulle part et disparaître à l’improviste, et leur mise
en relief, dans certains cas, est pratiquée sur un fond plutôt brouillé.
Du coup, la présence simultanée d’autres événements musicaux n’est
plus perceptible; le tissu orchestral en sort aminci. Il faut croire
que Wand, Jochum, Celibidache ou Giulini ont placé trop haut la barre
de cette œuvre exceptionnelle.
AL
Handel: Water Music / Music
for the Royal Fireworks
L’arte dell’Arco / Federico Guglielmo
Cpo 777 312-2 (66 min 5 s)
HHHHHI $$$$
Cette toute nouvelle
version des deux œuvres les plus populaires de Haendel est, en théorie,
« authentique ». Cependant, et bien qu’admirablement rendue par
l’ensemble italien L’Arte dell’Arco, elle soulève des questions
sur le sens du terme « authentique ». Une interprétation est-elle
authentique parce qu'elle fait appel aux instruments anciens ? Assurément
pas. Ou encore parce que les forces d’exécution de l'œuvre sont
réduites ? Le doute s'accroît. Federico Guglielmo dirige ici un ensemble
de 26 musiciens; or, Water Music et Fireworks ont été
composés pour de vastes, voire monumentaux déploiements extérieurs…
Cela dit, l’interprétation extrêmement vive et dépouillée proposée
ici de ces icônes de la musique ancienne vient rafraîchir, dépoussiérer
les sentiers de l'orthodoxie post-baroque. Elle met en relief des textures
nouvelles, des lignes discursives souvent noyées ou simplement oubliées.
Je ne voudrais pas me départir de mes enregistrements « épiques »
de Haendel, mais suis maintenant heureux d'en posséder une surprenante
révision. Je crois que vous le serez aussi.
FC
Haydn : Concerto pour trompette
/ Concerto pour cor no 1 / Concerto pour clavecin en ré / Double Concerto
pour violon et fortepiano en fa
Dimitri Babanov, cor; Jürgen Schuster,
trompette; Ariadne Daskalakis, violon; Harald Hoeren, clavecin et fortepiano;
Cologne Chamber Orchestra / Helmut Müller-Brühl
Naxos 8.570482 (72 min 52 s)
HIIIII $$$
Cette nouvelle parution
de Naxos propose quatre concertos rarement entendus de Franz Joseph
Haydn, dont les deux seuls survivants parmi la demi-douzaine écrites
pour instruments à vent. Dans le Concerto pour cor no 1,
Hob. VIId:3, composé en 1762, Haydn fait une incursion inhabituelle
pour l’époque dans le registre grave de l’instrument soliste. Le
corniste russe Dmitri Babanov possède un son suave très agréable,
rehaussé par une acoustique résonante et une prise de son précise.
Les instruments modernes de l’orchestre de chambre de Cologne
offrent un accompagnement rafraîchissant, quoiqu'un peu mou dans le
3e mouvement.
Légèrement
antérieur, le Concerto pour clavecin, Hob. XVIII:2, est une
œuvre joyeuse et, avec ses modulations surprenantes, non dépourvue
d’humour. Le clavecin y est à la fois membre de l’orchestre et
soliste. Le Double Concerto pour violon et fortepiano, Hob. XVIII:6,
est le seul concerto de Haydn pour deux instruments solistes. Il s’agit
d’une pièce d’intérêt limité, aux mélodies peu attachantes.
Le duo de solistes permet néanmoins à Haydn d’explorer le lien entre
concerto et musique de chambre.
Homme de son
temps, Haydn compose en 1800 le célèbre Concerto pour trompette,
Hob. VIIe:1, pour un instrument d'invention récente à l'époque : la
trompette à clés. (Ces clés, actionnées par la main gauche, couvrent
des orifices et permettent à l’instrumentiste de jouer la gamme chromatique
dans tous les registres, une nouveauté par rapport à la trompette
naturelle.) Le deuxième mouvement donne à entendre une mélodie expressive
dans le riche registre grave. Jürgen Schuster possède un son lyrique
(quoiqu’un peu trop chargé d’air à mon goût), mais il a la fâcheuse
habitude de terminer ses phrases par des accents éclatants, pas toujours
du meilleur goût. Une version qui ne détrônera pas celles de Winton
Marsalis et de Håkan Hardenberger.
LPB
Ludus Danielis
The Dufay Collective / William Lyons
Harmonia Mundi HMU 907479 (68 min
23 s)
HHHHHH
$$$
À la fois théâtre
par ses dialogues, drame par l'opposition entre la foi chrétienne de
Daniel et les cours païennes des rois Balthazar et Darius, oratorio
par l'importance accordée au chœur, le Jeu de Daniel combine
deux épisodes du Livre de Daniel, soit le commentaire de l’inscription
« Mane, Tekel, Phares » et le séjour miraculeux du prophète dans
la fosse aux lions. Cet ancêtre de l’opéra est le résultat d’un
travail collectif entrepris au XIIIe siècle, sans doute à Beauvais
(France). Le texte offre une langue savoureuse, encore latine (la prononciation
adoptée ici est hétérogène, souvent incompréhensible) mais travaillée
par la germination de la future langue française (par exemple, « Va,
car il veut te parler » est rendu par « Veni desiderat parler a toi
»). On ne peut qu’admirer la variété de la réalisation instrumentale
aux effets acoustiques parfois étrangement modernes, et l’improvisation
indispensable en présence d’un manuscrit dont l’imprécision ouvre
la porte à beaucoup de liberté. La prise de son ample suggère un
espace vaste comme celui des cathédrales où ce Jeu était représenté.
AL
Lully : Psyché
Boston Early Music Festival Orchestra
and Chorus
Paul O’Dette & Stephen Stubbs
Cpo 777 367-2 (3 CD, 173 min 42 s)
HHHHHI
$$$$
Après un excellent
Thésée, l’équipe du festival de Boston propose ici sa récente
production de Psyché, nouvel inédit de Lully. Créé en 1678,
cet opéra résulte du remaniement d’une fastueuse tragédie-ballet
donnée quelques années plus tôt, ce qui lui confère une place à
part dans la production du florentin. Transformé en opéra par l’insertion
de nombreux récitatifs, Psyché conserve néanmoins de nombreuses
traces de ses origines : les chœurs y tiennent un rôle mineur, au
profit des petits ensembles vocaux et bien sûr des danses, presque
tout le cinquième acte étant occupé par les entrées successives
du grand ballet final, véritable apothéose qui réunit sur scène
la plupart des dieux de l’Olympe et leur suite (mais aussi des polichinelles!).
Fait inhabituel également, l’action dramatique est entièrement construite
autour de deux héroïnes : Vénus (Karina Gauvin) poursuit la nymphe
Psyché (Carolyn Sampson), jalouse de l’intérêt que son fils Amour
et son mari Vulcain lui portent. Les deux chanteuses, bien que
ce répertoire ne leur soit pas souvent associé, s’en tirent avec
honneur, l’une composant une Vénus fougueuse, l’autre une Psyché
toute en finesse (et sans accent anglais!). Dans l’ensemble,
si l’intrigue reste mince, elle donne prétexte à de fort belles
pages, comme cette grande plainte italienne, à elle seule un petit
opéra, avec marche d’ouverture, concert des flûtistes sur scène,
lamento et ballet des porteurs de flambeaux. En dépit des faiblesses
qu’accusent certains petits rôles, ce coffret, à défaut de DVD,
préserve l’éloquence et la magie du spectacle qui avait séduit
l’été dernier.
PG
Ludwig van Beethoven:
Symphonies Nos 2 & 7
Minnesota Orchestra / Osmo Vänskä
BIS SACD-1816 Hybrid SACD (75 min
49 s)
HHHHHI
$$$$
It has been a banner
year for collectors who aim to acquire fifty or more recorded cycles
of the Nine. Boxed sets have been arriving steadily and most of them
reflect an advanced level of Beethoven performance even if the interpretations
seem to be increasingly generic. This is the concluding installment
of the Minnesota cycle and it is plainly a cut above the rest. Instead
of recording live concerts in rapid succession, BIS took the traditional
route to excellence: rehearsal followed by concert performances and
then into the studio. Symphonies Nos 2 and 7 come out
sounding as fresh and vital as previous issues. All credit is due to
Osmo Vänskä for taking the Bärenreiter Urtext Edition to heart while
eschewing idiosyncratic stylistic trends. The result is fundamental
Beethoven, never lacking in profundity and never neglecting the robust
good humour of its creator. The orchestra deserves as much recognition.
The playing is exemplary throughout but the ability to render perfect
piano passages (as here) is something that is embedded in an ensemble’s
musical DNA. There have been fine Beethoven cycles from New York (Bernstein/Sony),
Cleveland (Szell/Sony) and Chicago (Solti/Decca) but taken as a whole,
Minnesota can now claim the US national title on the basis of consistent
inspiration, dedicated musicianship and the highest quality of recorded
sound.
WSH
Messiaen Chamber Works
Hebrides Ensemble
Linn CKD 314 (73 min 59 s)
HHHHII
$$$$
Ceux que la curiosité
attire vers Messiaen mais qui craignent les rigueurs de l’avant-garde
devraient prendre le pari de ce disque. D’abord pour le choix des
œuvres, qui s'étalent du tout début (1932) à la toute fin (1991)
de la carrière du compositeur. Ensuite pour l’instrumentation, familière
et engageante. Enfin et surtout, pour la calme précision de l’interprétation.
Les habitués du Maître trouveront que le Quatuor pour la fin du
temps n'inspire pas le recueillement mystique qui lui est si caractéristique,
et qu’il souffre de problèmes d’équilibre (le souffle de Martin
à la clarinette va parfois jusqu'à dominer le timide violoncelle de
Conway), mais ils applaudiront à l’exécution de Thème et variation,
Le merle noir, sans oublier les rares Fantaisie (récemment
redécouverte par la veuve du compositeur) et Pièce pour piano et
quatuor à cordes.
RB
Schnittke : Die Klavierkonzerte
Ewa Kupiec, Maria Lettberg, piano;
Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin / Frank Strobel
Phoenix Edition 103 (72 min 25 s)
HHHHHI $$$$
Serait-ce la première
intégrale des concertos pour piano de Schnittke ? (Excluons la Music
for Piano and Chamber Orchestra de 1964, qui n'est pas à proprement
parler un concerto.) Précisons d'emblée qu'un gouffre stylistique
sépare l’œuvre de jeunesse des deux concertos suivants. Le premier
(ils ne sont pas numérotés), en effet, ressemble davantage à Bartok
qu’à Schnittke lui-même. Qu’à cela ne tienne, on tirera plaisir
de l'excellente prise de son et de la fougueuse interprétation.
Les jeunes interprètes ont le don d’illustrer tout le délire qui
irrigue ces pages. Leur élan casse-cou provoque bien quelques erreurs
de synchronisation rythmique, quelques trébuchements dans l'articulation,
mais l’enthousiasme des musiciens s’avère contagieux et l’auditeur
se fait indulgent. Il existe de meilleures versions du Concerto pour
piano et cordes, mais pas dans un programme globalement mieux réussi.
Gardez l’œil sur Kupiec, son jeu devrait s'affiner avec l'âge.
RB
Schubert : Piano Sonata in A,
D.959 / 6 Moments musicaux
Martin Helmchen, piano
Pentatone classics PTC 5186 329 (67
min 18 s)
HHHHII
$$$$
Lauréat du concours
Clara Haskil en 2001, Martin Helmchen possède une technique à la fois
impeccable et discrète, dont une certaine sécheresse semble être
le revers. Son interprétation de la grande Sonate en la de Schubert
en souffre. L’exécution obéit au métronome, sans cultiver les moments
où la suspension du temps est l’enjeu de la pulsation rythmique.
Le pianiste, même s'il le fait avec intelligence et goût, opte pour
une interprétation objective – les notes d’abord – particulièrement
dommageable dans le deuxième mouvement; le cataclysme central tient
ici de la prouesse au lieu d’évoquer une plongée dans les abîmes.
En revanche, les fausses miniatures que sont les Moments musicaux
surprennent agréablement, à l’exception peut-être du dernier, trop
évasif. Le pianiste respire ici plus largement et prend son temps;
il aménage les épisodes centraux en rêverie qu’on souhaiterait
sans fin, à l’image des « divines longueurs » toujours bien calculées
de Schubert.
AL
The Art of George Szell Volumes
1 & 2
Volume 1: Beethoven: Symphony
No 7; Weber: Overture to Oberon; Mendelssohn: Symphony
No 4; Schumann: Symphony No 4; Wagner: Overture to Tannhäuser;
Smetana: The Moldau, Overture to The Bartered Bride,
Quartet in E minor (orch Szell); Brahms: Symphony
No 2; Strauss: Don Juan, Till Eulenspiegels
lustige Streiche; Rimsky-Korsakov: Capriccio Espagnol; Sousa:
The Stars and Stripes Forever; Prokofiev: Violin Concerto No
1; Gershwin: Rhapsody in Blue
West Hill Radio Archives WHRA 6018
(291 m)
Volume 2: Haydn: Symphony No 97;
Mozart: Overture to the Marriage of Figaro; Beethoven: Symphony
No 6; Weber: Overture to Euryanthe; Schubert: Symphony
No 9; Wagner: Prelude and Good Friday Spell from Parsifal;
Brahms: Piano Concerto No 2; Lalo: Symphony Espagnole;
Franck: Symphony in D minor; Sibelius: Symphony No 2
West Hill Radio Archives WHRA 6019
(299 m)
New York Philharmonic-Symphony Orchestra,
The Cleveland Orchestra / George Szell
Previously unissued broadcast concerts
1943 – 1957
HHHHHI
$$$
Vintage performance
on compact disc of both studio material and as here, live concerts,
has become a reliable growth sector for the classical recording industry.
West Hill Radio Archives of Don Mills score a major coup with these
sets of first-ever releases of truly historical importance. Here is
Szell caught on the fly at the outset of his conducting career in America,
drawing out the best from two very fine orchestras.
Posterity has
not been kind to George Szell. He has been saddled with the reputation
of a ruthless tyrant. In reality, Szell was a supremely gifted musician
who approached his art as a matter of life or death. A martinet perhaps,
but he ran his own orchestra in Cleveland like a good regiment and established
a tradition of excellence which is maintained to this day.
The performances
in both sets are vital and thrilling. Precision is razor-sharp without
any sacrifice of lyricism or poetry. Szell’s 1943 debut concerts with
the NYPSO and in Cleveland are documented in Volume 1. This is the real
deal in real time: nitpicking musical criticism would equate to gratuitous
impertinence.
We are indebted
to Lani Spahr for the quality of this edition. He served as producer,
annotator (the booklet notes are superb) and audio restoration engineer.
The sound quality of the 1940s concerts is as good as any afforded Toscanini
or Walter from sources of the same period. Imaging for the concerts
from 1953 and 1957 is predictably finer. At no point is the audio less
than serviceable. It is also heartening to discover that Mr Spahr is
a renowned performer on period oboes. The giants of bygone days are
often scoffed at by advocates of the authentic brigade but Spahr lavished
respect and affection on this project.
WHRA has also
made strenuous efforts on behalf of the inimitable Charles Munch in
Boston. Three Munch boxes of previously unissued material are now on
the market. The most recent, Charles Munch in Boston, The Early Years
(WHRA 6015), has been sampled and found to be just as essential as the
Szell collection. The seven CDs are packed with performances of spontaneous
flexibility and the odd repertory duplication makes for fascinating
comparisons to Szell live.
WSH
Variés : Four American Quartets
Fine Arts Quartet
Naxos 8.559354 (62 min 27 s)
HHIIII
$
Les compilations
de musiques diverses n'ont qu'un intérêt, celui de la découverte.
À moins d'une préférence marquée du mélomane pour tel ou tel ensemble
instrumental, la webradio, dans son infinie variété, les rend caduques.
De plus, le répertoire n’impressionne guère ici: le Premier
Quatuor de Ralph Evans sonne comme du mauvais Bartok à « tonalité
élargie » (avec un demi-siècle de retard !); Philip Glass, fidèle
à lui-même, donne dans un simplisme soporifique; George Antheil, dans
son Troisième Quatuor, change de chapeau en passant du
futurisme révolutionnaire de sa jeunesse à un folklorisme teinté
d’humour; et le rapiéçage que sont les Echoes de Bernard
Herrmann, malgré leur matériau solide et touchant, trahissent l’absence
de conception formelle de ce spécialiste de musique de film. Bravo
tout de même au Fine Arts Quartet pour son honorable prestation.
RB
DVD
John Adams: Doctor Atomic
Gerald Finley (Oppenheimer), Jessica
Rivera (Kitty Oppenheimer), Eric Owens (General Groves), Richard Paul
Fink (Teller), James Maddalena (Hubbard), Thomas Glenn (Wilson), Jay
Hunter Morris (Nolan), Ellen Rabiner (Pasqualita), Ruud van Eijk (Bush)
Chorus of De Nederlandse Opera, Netherland
Philharmonic Orchestra / Lawrence Renes
Stage and Video Director: Peter Sellars
Opus Arte OA 0998 D (2 DVD – 168
min 9 s)
HHHHHI
$$$
This is a very timely
release from Opus Arte because it allows us to catch an American epic
on the rise. Doctor Atomic was commissioned by the San Francisco Opera
and was first staged there in 2005. This performance, a San Francisco
/ Chicago / Amsterdam co-production, was recorded in June 2007. The
debut of Doctor Atomic at New York’s Metropolitan Opera is imminent
and an international live cinema relay from that venue has been announced
for November 8. There is a tendency to approach contemporary music with
caution, if not downright suspicion. Fear not, because this is opera
on a grand scale: an intense music drama with cumulative individual
and collective emotional impact.
John Adams
has set a blank-verse (with poetic augmentation) libretto by Peter Sellars.
Most of the text was extracted verbatim from primary sources, which
entails the presentation of far more information than is customary on
the opera stage. It is a tribute to the collaboration of Adams and Sellars
that this material emerges with impressive clarity in operatic English.
The overture plays to a sequence of black and white newsreel footage
displaying the ravages of total war and fully mobilized societies. The
first scene introduces frenzied activity at the Los Alamos, New Mexico,
setting of the Manhattan Project (the codeword for the development of
the atomic bomb). It features turba-like choral delivery with dancers
in support. The principals exchange lengthy pronouncements in the manner
of sprechgesang, conveying their concerns about moral issues, the practical
application of new science and the terrifying risks at hand on the eve
of the first actual test of the weapon. The libretto is a serious challenge,
which could not possibly work without the composer’s valiant-for-truth,
rhythmically vital music. This first scene is a 27-minute barrage of
tension, which dissolves in the harmony of the second. Away from the
crowd, in the Oppenheimer bed chamber, the chief scientist and his wife
find consolation in a sequence of achingly beautiful and loving songs.
The pattern is maintained through both acts with scenes of buzzing ensembles
alternating with intimacy and introspection.
Doctor Atomic
further demonstrates the pre-eminence of Gerald Finley in the baritone
opera repertory. His range and articulation are truly inspiring. Jessica
Rivera is equally impressive as Kitty Oppenheimer. The remainder of
the cast is fully committed with not a single weak link. Peter Sellars
achieves period authenticity to a remarkable degree and in line with
his determination to present the unvarnished facts of the situation.
No embellishment is required to reenact a supreme drama, which continues
to influence all of our lives. Adams and Sellars render great art at
the service of humanity.
WSH
Maazel: 1984
Keenlyside, Gustafson, Margison,
Damrau, Brownlee
Orchestra & Chorus of the Royal
Opera House, Covent Garden / Lorin Maazel
Decca DVD 074 3289 (2CD: 147 min)
HHHHII
$$$$
Based on George Orwell's
dystopian novel, conductor/ composer Lorin Maazel’s operatic adaptation
of 1984 attracted a great deal of attention when it premiered
at Covent Garden in 2005, but unfortunately for Maazel it was mostly
of the wrong kind. Although the singers were praised, the British press
was hostile. The score was deemed banal and derivative; and there was
much nasty snickering that Covent Garden had “sold out” by mounting
a vanity project heavily subsidised by the wealthy composer. In 2007,
performances in Valencia fell through due to severe flooding of the
opera house, but a revival subsequently took place at La Scala in early
2008, again to mixed reviews. This DVD release captures the Covent Garden
production.
Contemporary
classical music, and opera is no exception, faces the challenge of balancing
musical and compositional merit with accessibility to the public. In
terms of box office, the Covent Garden performances were sold out and
the La Scala revival was said to be profitable – not many works can
claim to have achieved that. But upon careful listening, it must be
said that some of the criticisms levelled at 1984 are not without
foundation. Maazel's score lacks a single musical language – the piece
is a patchwork of many different styles. He writes more gratefully for
the voice than many modern day composers, but the vocal line tends to
dominate at the expense of the orchestration, which isn't so complex
or interesting. A more unfair criticism has to do with the straightforward
adherence of the libretto to the book. It is felt in some circles that,
given the recent UK responses to terrorism in London through mass surveillance,
the composer and librettist should have updated the story to reflect
this. In any case, if one were to consider this work as a sort of “cross-over
opera” along the lines of a musical, 1984 works well – I
find it gripping theatre. The sets by Carl Fillion, the costumes by
Yasmina Gigeure and the direction by Canadian Robert Lepage are effective.
The opera works well on the home screen, expertly executed by veteran
Brian Large.
The singers,
led by the magnificent Winston of Simon Keenlyside, are uniformly excellent.
Keenlyside is well partnered by Nancy Gustafson’s Julia. As O'Brien,
Richard Margison gets a rare chance to play the bad guy. Diana Damrau
must have relished the chance of doing the split – not to mention
her stratospheric high notes – as the Gym Instructor, and Lawrence
Brownlee (Syme) also gets to show off his high register. Included in
the release is a 27-minute introduction to the opera by Maazel, illustrating
at the piano – he is not shy about showing off his singing voice either!
On balance, this work is effective and provocative theatre and well
worth experiencing.
JKS
MARIA: The Barcelona Concert
& Malibran Rediscovered
Cecilia Bartoli, mezzo-soprano
Decca DVD 0743252 (Disc 1: 79 min;
Disc 2: 68 min)
HHHHHH
$$$$
Now twenty years
into an exceptional career, the mature Cecilia Bartoli remains a unique
artist at the height of her powers. This latest venture focusing on
Maria Malibran finds Bartoli in superb form, her charismatic personality
as fresh and spontaneous as ever. With her wide-ranging voice and stunning
technique, it's natural for Bartoli to gravitate towards the legendary
Malibran. As in her previous projects, a tremendous amount of research
has gone into this as evidenced by the film included in this release,
Malibran Rediscovered – The Romantic Revolution. This documentary
gives us a fascinating glimpse into Bartoli the singer, the artist,
the scholar, and the person. Like Malibran, Bartoli is the daughter
of singers, and both made their debuts as Rosina in Il barbiere di Siviglia
– if you don't count Bartoli's Shepherd Boy in Tosca at the age of
8! Her technique, with its remarkable range and incredible flexibility,
is said to resemble Malibran’s, though of course no sound record of
that exists. The camera captures Bartoli and filmmaker Sturminger
to the museums, examining historical documents on Malibran, to a coaching
session with Christopher Raeburn, to meetings with Bartoli's remarkable
parents, and to Malibran’s grave. Extremely interesting are snippets
of Bartoli singing “Casta diva” from Norma; even more amazing is
her “Sempre libera” (!) from La traviata, albeit with a B natural
in lieu of the interpolated E-flat at the end.
The centerpiece
of this release is the Barcelona concert, in which Bartoli sings an
intriguing program combining rarities of Garcia, Persiani and Hummel
with bel canto standards like “Willow Song” and “Prayer”
from Rossini's Otello, and “Ah! Non giunge” from Bellini's
La sonnambula. (Sadly missing is “Casta diva”) Everything is
performed with her unique brand of stupendous technique and singular
artistry. The camera work is exemplary throughout, with the possible
exception of the grainy, home movie-like short glimpses backstage, but
even that has a cinema verité fascination. A desert-island disc
that I will return to again and again, this is an absolute “must-have”
release, not just for admirers of Cecilia Bartoli but for lovers of
great singing.
JKS
Olivier Messiaen – La Liturgie
de cristal
Un film d’Olivier Mille
Juxtapositions (107 min plus suppléments)
HHHHHI
$$$$
Musicien de la couleur,
rythmicien maîtrisant les moindres inflexions d’une pulsation, ornithologue
fasciné par ces « petits serviteurs de l’immortelle joie », pédagogue
captivant qui a inspiré toute une génération de compositeurs, Olivier
Messiaen reste l’une des figures musicales dominantes du XXe siècle.
Ce film d’Olivier Mille, produit en 2002 pour Arte, trace un portrait
de Messiaen en trois segments. Dans « Les oiseaux et la nature »,
on voit Messiaen à l’œuvre alors qu’il retranscrit des chants
d’oiseaux et explique, fort éloquemment, comment il les « adapte
» pour être perçus par l’oreille humaine. Dans « Les couleurs,
les rythmes et l’enseignement », on se glisse dans sa classe de composition,
où ses propos clairs et nuancés (on aura rarement perçu Debussy avec
autant de justesse) fascinent autant que la profonde connivence qui
unit maître et élèves. Le dernier segment, «La foi, la religion
», permet de mieux apprécier l’œuvre pour orgue, mais aussi l'immense
opéra Saint François d’Assise (qui sera présenté par l’OSM
en décembre), somme d’une vie de travail, de dévotion. Des images
magnifiques prises au mont Messiaen en Utah se mêlent à des documents
d’archives, assurant une narration cohérente, sinon linéaire, soutenue
par de nombreux extraits musicaux. (On aurait toutefois souhaité que
les pièces et les interprètes ne soient pas identifiés seulement
au générique final.) Les suppléments comprennent des entrevues avec
des compositeurs (dont Pierre Boulez, Gilbert Amy et George Benjamin)
et des musiciens qui permettent de mieux mesurer l’influence de Messiaen.
À noter que le film sera présenté à l’Auditorium Maxwell-Cummings
du MBAM le 30 novembre (entrée libre).
LR
Richard Wagner: Der Ring des
Nibelungen (The Copenhagen Ring)
Johan Reuter (Wotan I), James
Johnson (Wotan II, Wanderer), Michael Kristensen (Loge), Stephen Milling
(Fasolt/Hunding), Christian Christensen (Fafner), Sten Byriel (Alberich),
Bengi-Ola Morguy (Mime), Randi Stene (Fricka), Anne Magarethe Dahl (Freia),
Susanne Resmark (Erda), Stig Andersen (Siegmund/Siegfried), Gitta-Maria
Sjöberg (Sieglinde), Iréne Theorin (Brünnhilde), Gisela Stille (Waldvogel),
Guido Paevatalu (Gunther), Peter Klaneness (Hagen), Ylva Kihlberg (Guntrune),
et al
Royal Danish Opera Chorus / Philip
White; Royal Danish Orchestra / Michael Schønwandt
Stage Director: Kasper Bech Holten
Video Direction: Uffe Bogwartd, Peter
Bogwartd
Decca 074 3264 (7 DVDs – 920 min)
HHHIII
$$$
Perchance, the numerical
rating above reflects a split decision. As a performance of the towering
central works of Richard Wagner, this production (box-titled as The
Copenhagen Ring) might earn a charitable two stars based on orchestral
performance and the energy displayed on stage. But, as a succession
of evenings of riveting musical drama it is plainly worth double that.
Billed as the first feminist Ring, Kasper Bech Holten focuses on Brünnhilde
and stretches the cycle over a 20th century framework – the entire
20th century. Wagner’s music is essentially complete (and performed
well) and we hear most of the text but Holten radically revises character
depiction and plot details and introduces a new layer of symbolism from
end to end. As a Wagner performance, this can only enhance our admiration
for the monumental artistic achievements of Barenboim/Kupfer (Warner)
and Boulez/Chéreau (DG) in Bayreuth.
The composer’s
meticulous (and often impractical) stage directions have been under
constant modification since the 1950s. Holten’s is the most radical
revision to date and he pulls up just short of parody. And yet he succeeds
in realizing his artistic vision. The scene-setting Das Rheingold
is typically the weak link in any performance of the cycle. This one
exploits our curiosity and grips the attention throughout. To ring in
some conspicuous changes to the ‘preliminary’ evening: 1) The opening
scene is set in a drinking lounge where Alberich is getting hammered.
The Rhine Maidens are bargirls who tease their way to catastrophe. Instead
of mineral deposits, the Rhinegold is physically personified as a naked
youth swimming languidly in the aquarium window of the bar. In a drunken
jealous rage, Alberich slays him and cuts out his heart with a broken
bottle. This is the ‘gold’ that is stolen to cast the spell in forging
the ring. 2) John Reuter’s performance as Wotan (in Rheingold
only) inspires an instant cautionary dictum: “Beware of an aroused,
debt-ridden Wilhelminian dude with a spear in his hands.” He removes
the ring from Alberich along with a forearm causing bloodshed of Texas
Chainsaw Massacre dimensions. More gore follows… 3) Loge is depicted
as a chain smoking yellow-press journalist who ends up knowing too much.
Wotan slaughters him before he gets a chance to deliver his crucial,
prophetic valedictory.
And so it goes.
In Die Walkure, it is Sieglinde who draws the sword out of the
tree and Wotan allows Hunding to scuttle away from the duel unharmed.
Götterdämerung opens with ropeless Norns singing from the audience
and the Gibichung are depicted as ruthless masked gunmen from the Serbian
corner of the Balkan triangle. In the end, Brünnhilde declines to submit
to immolation and departs with her off-stage newborn child (Yikes! The
Wälsung walk among us! Well, maybe in Denmark.)
The production
is of variable vocal quality. Stunning performances from James Johnson
and Stig Andersen really carry the show in Die Walküre and
Siegfried. Also notable are The Alberich of Sten Byriel, Stephen
Milling as Hunding, Guido Paevatalu (Gunther) and Peter Klaveness, who
presents an unforgettable psychopathic portrayal of Hagen.
Mostly Wagner,
part scary movie, this set is not recommended for those approaching
the Ring for the first time. It offers terrific entertainment
value but other productions remain closer to the spirit and intent of
the composer. According to taste and inclination, viewers may regard
it as corruption of the highest operatic art. But it deserves to be
viewed.
WSH
To Russia with Love
Dmitri Hvorostovsky, baritone
Moscow Chamber Orchestra; Style of
Five Folk Ensemble / Constantine Orbelian
Delos DV 7005
HHHHHI
$$$$
Recorded live in
St. Petersburg, Russia on September 15, 2006, this DVD consists of a
program of Russian folk and contemporary songs which Dmitri Hvorostovsky
has since taken on tour all over the world, including a concert in Toronto
last season. To my eyes and ears, Hvorostovsky is the most significant
baritone today, pace Bryn Terfel and a number of other wonderful
singers. Others may have a more varied repertoire or an even more powerful
stage persona, but none can beat the Siberian for his resplendent quality
of tone and rock-solid technique with its amazingly long breath line.
When DH came to Toronto’s Roy Thomson Hall, the audience was heavily
Russian, and as in this video, the singer was offered bouquets galore
from his adoring female fans. The soulful romances on the program were
archetypically Russian, pretty much all written in the minor key, on
the joys and pains of love and love lost. The baritone was his usual
spectacular self, offering up volleys of refulgent tone. In no time
the audience was eating out of his hand. If one were to nitpick, there
was a stylistic sameness to it all – experiencing them in a single
sitting is like eating a whole box of marzipan. Leading the Moscow Chamber
Orchestra was DH’s frequent collaborator and conductor of choice,
Constantine Orbelian. The Style of Five Folk Ensemble contributed several
terrific instrumental arrangements of folk tunes, allowing the baritone
brief rests between numbers. Three encores were given, including “O
Sole Mio”, and of course the obligatory “Dark Eyes”, a showstopper
that is indelibly linked to Hvorostovsky. His fans will want it all,
as will any lover of great singing.
JKS
Livres
Le piano absolu : L’éducation
d’un prodige
Lang Lang avec David Ritz
Paris : JC Lattès, 2008
298 p.
ISBN13 978-2-7096-3041-2
HHHHII
$$$$
À 26 ans, Lang Lang
est devenu l’une des plus grandes stars de la scène classique actuelle.
Charismatique, médiatisé, véritable pont humain entre les cultures
orientale et occidentale, le pianiste chinois continue de faire couler
beaucoup d’encre, les articles dithyrambiques voisinant quasi quotidiennement
avec les critiques lapidaires. Dans cette autobiographie, mise en forme
par David Ritz (qui a déjà exploré les univers de Ray Charles, Smokey
Robinson, Aretha Franklin et Marvin Gaye), Lang Lang jette un regard
sur son parcours atypique.
Fils d’une
mère absente, qui consacre sa vie à travailler pour assurer la subsistance
de la famille, et d’un père musicien devenu policier, Lang Lang manifeste
rapidement des dons exceptionnels pour le piano. Ceux-ci fructifieront
en partie grâce à ce père tyrannique qui abandonnera son travail
pour faire de son fils une superstar en le faisant travailler de façon
obsessionnelle. L'enfant n'a plus qu'un seul but : devenir le numéro
1 parmi 36 millions de Chinois qui travaillent leur instrument. Pari
insensé? La route de Lang Lang a été, quoi qu’on en pense, parsemée
d'embûches avant le premier prix international décroché à 15 ans,
l'établissement aux États-Unis et l'ascension phénoménale qui l'y
attend.
Lang Lang se
livre avec une candeur charmante, dépourvue de tout misérabilisme.
Le ton adopté par Ritz est précis, vif, les dialogues primant sur
les descriptions. On déplorera à peine par moments le cachet très
français de la traduction (quelques tournures ou choix de termes dont
« cachetons » pour rendre gig, ou même le titre, grandiloquent, et
qui n’a rien à voir avec l’original) et ses maladresses dans le
champ musical (clé plutôt que tonalité, le Rachmaninov 2 plutôt
que le Deuxième de Rachmaninov). Au final, qu’on apprécie
ou non le jeu de Lang Lang, on ne peut qu’être fasciné par un tel
périple.
LR
Mœbius Écritures/Littérature:
Musique!
Comité de direction : Nicole Décarie,
Robert Giroux, Lysanne Langevin, Brigitte Mackay et Raymond Martin
Triptyque (139 p.)
HHHHII $$
La littérature a
de tout temps influencé la musique classique. Peut-on tenter l'association
inverse? C'est ce que ce numéro de la revue littéraire Mœbius
cherche à faire ici. D'entrée de jeu, on nous propose de jouer à
l'avocat du diable, Philippe Gervais et Bertrand Laverdure prenant un
malin plaisir à énoncer puis débouter certains préjugés entretenus
face à la musique dite de concert. Le sujet est ensuite abordé tour
à tour de façon presque tendre (les souvenirs de Claude Vaillancourt
ou de Gilles Marcotte), plus pointue (le compositeur Antoine Ouellette
qui tente de cerner le genre) ou plutôt virulente. Michel Gonneville
livre ici un pamphlet inspiré, rédigé peu après l'annonce du départ
de Georges Nicholson d'Espace musique. Côté fiction, la musique classique
sert de matériau à quelques nouvelles assez bien menées. Une mention
spéciale salue ici la plume habile de Stanley Péan dans « Neume
me quitte pas »,
le ton légèrement décalé de Simon Paquet dans « Un cas classique
» ou l'intensité saisissante
de Susanne Jacob dans « Adagio / Lapidation
». Karina Cahill propose quant
à elle « Suite
de mouvements en concert », une nouvelle toute en finesse dont le parcours
narratif est astucieusement inspiré par des pages de Rameau. Hans-Jurgen
Greif retrouve un univers qu'il connaît bien, celui de l'opéra, dans
la douce-amère « La reine Cendrillon
». Un recueil intéressant,
multiforme, comme la musique qui l'a inspiré.
LR
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