Critiques/Reviews
February 12, 2008
Politique de critique : Nous présentons
ici tous les bons disques qui nous sont envoyés. Comme nous ne recevons
pas toutes les nouvelles parutions discographiques, l’absence de critique
ne constitue pas un jugement négatif. Vous trouverez des critiques
additionnelles sur notre site Web www.scena.org.
Review Policy: While we review
all the best CDs we get, we don’t always receive every new release
available. Therefore, if a new recording is not covered in the print
version of LSM, it does not necessarily imply that it is inferior. Many
more CD reviews can be viewed on our Web site at www.scena.org.
HHHHHH indispensable / a must!
HHHHHI excellent / excellent
HHHHII très bon / very good
HHHIII bon / good
HHIIII passable / so-so
HIIIII mauvais / mediocre
$ <
10 $
$$ 10–15
$
$$$ 15–20
$
$$$$ >
20 $
Critiques / Reviewers
AL Alexandre
Lazaridès
FC Frédéric
Cardin
FB Francine
Bélanger
GL Graham
Lord
JKS Joseph
K. So
LPB Louis-Pierre
Bergeron
PD Pierre
Demers
PMB Pierre
Marc Bellemare
PG Philippe
Gervais
Musique vocale
Songs of Samuel Barber: Hermit Songs,
Op. 29; Mélodies passagères Op. 27; Dover Beach Op. 3; and others
Gerald Finley, baritone; Julius Drake,
piano; The Aronowitz Ensemble
Hyperion CDA67528
HHHHHI
$$$$
Following the critically acclaimed disc
of Charles Ives songs, baritone Gerald Finley and pianist Julius Drake
teamed up for this album of Samuel Barber songs. The resulting product
reaffirms their position as a great singer-pianist duo. Finley has a
beautiful instrument, backed by solid technique, dramatic commitment,
and superb musicianship. He is perfectly suited to these songs. A great
melodist and unabashedly romantic, Barber’s way with a melody bears
a strong kinship to fellow American Ned Rorem, and to Giancarlo Menotti,
with whom Barber had a lifelong professional and personal relationship.
At a time when others rushed to serialism, Barber stuck to a lushly
lyrical style deemed to be regressive and old-fashioned. It is thus
ironic that his contemporaries, having flirted with atonality, reverted
back to a more traditional style. Sadly, Barber, who died in 1981, didn’t
live long enough to witness the pendulum swinging back his way.
This disc contains 27 of Barber’s
best output, including Hermit Songs and Dover Beach, two
of this three best song cycles. It’s a pity that the third, Knoxville,
Summer 1915, isn’t included. Commissioned by Eleanor Steber,
Knoxville is sung by a soprano and very occasionally by a boy treble.
For once, I would love to hear a mature male voice in this! While Barber
did not specify a voice type for Hermit Songs,
it will forever be associated with the great Leontyne Price, who premiered
it with the composer at the keyboard, and subsequently recorded it for
RCA. It is refreshing to hear a baritone in this piece. Set to translations
of Medieval Gaelic poems attributed to Irish monks, it has a disarming
simplicity. Barber composed Dover Beach and sang the cycle himself
on its first recording in 1935. Barber’s skill and sophistication
in the setting of this highly dramatic cycle on the loss of religious
faith at the tender age of twenty is quite something. The composer dedicated
Mélodies passagères Op. 27 to Pierre Bernac and Francis Poulenc.
Composed in a distinctly French manner and derivative in style, it is
as if Barber were deliberately imitating Poulenc. Finley sings beautifully
throughout. His English is crystal clear, and his attention to textual
details exemplary. Julius Drake is at the top of his game, offering
excellent support. The recorded sound is warm and mellow. The beautifully
produced booklet, with the trademark landscape oil painting on the cover,
contains an essay, artist bios and song texts, except for the James
Joyce items. Hyperion claims it is for copyright reasons, but it is
probably because the Joyce Estate demanded money. This disc is a strong
contender as the best vocal recital by a Canadian artist.
Joseph K. So
Schubert : Die Winterreise (version
de musique de chambre de Normand Forget)
Pentaèdre; Christoph Prégardien, ténor;
Joseph Petric, accordéon
ATMA classique ACD2 2546
HHHHHI
$$$
On considère souvent Die Winterreise
comme étant la quintessence du cycle de lieder; une quantité innombrable
de ténors et de barytons ont gravé leur interprétation, notamment
Dieter Fischer-Dieskau, Peter Pears et, plus récemment, Ian Bostridge.
Le Voyage d’hiver est
une des dernières œuvres de Schubert. Écrite en 1827 au moment où
il sent avec désespoir sa santé décliner, le compositeur y exprime
ses plus sombres pensées sur l’amour impossible et la fatalité de
la mort. La lecture d’un recueil de poèmes de son contemporain Wilhelm
Müller l’interpelle profondément. Müller y raconte, en 24 tableaux,
l’histoire d’un jeune homme qui, abandonné à la suite d’un échec
amoureux, se lance dans un voyage sans retour à travers la campagne
gelée. Schubert venait de trouver un souffle avec lequel il pourrait
sublimer ses pensées lugubres et atteindre de nouveaux niveaux d’émotion,
de profondeur.
La présente version, pour voix
d’homme accompagnée d’un quintette à vents et d’un accordéon,
est exceptionnelle à tous points de vue. Normand Forget, le hautboïste
de Pentaèdre, a préparé un arrangement raffiné qui non seulement
remplace la partie de piano originale, mais la pousse plus loin en colorant
les atmosphères. La partition fait appel à des instruments secondaires
(piccolo, hautbois d’amour, clarinette basse, etc.). Le quintette
se transforme même en chœur sans paroles pour un des lieder ! Notons
que Forget a gardé l’ordre initial des poèmes et non celui du cycle
de Schubert.
Avec cet enregistrement, le ténor
allemand Christoph Prégardien confirme sa place parmi les grands chanteurs
de lieder actuels; sa voix, dont on ne perd pas un seul mot, est tour
à tour plaintive, puissante et rêveuse, toujours ronde et contrôlée
à l’aigu comme au grave. L’inspiration est continue et la complicité
avec Pentaèdre, palpable. Le quintette à vents, complété du formidable
accordéon de Joseph Petric, produit un accompagnement d’une extrême
beauté.
Pentaèdre, un peu à la manière
du Kronos Quartet, réussit à se renouveler constamment; la formation
transcende le genre du quintette à vents. Avec quel nouveau projet
va-t-il nous surprendre ? Louis-Pierre Bergeron
Tango Notturno
Isabel Bayrakdarian, soprano; Serouj
Kradjian, piano; Fabian Carbone, bandoneon; Marie Berard, violin; Roman
Borys, cello; Roberto Occhipinti, bass; Shalom Bard, clarinet; Daiel
Bolshoy, guitar; Levon Ichkhanian, oud
CBC Records MVCD 1176 (70m 15s)
HHHHHI
$$$
Arguably more than any other musical
genre, the tango epitomizes romance – or should I say desire – in
all its varieties. Though Latin in origin, tango is really an international
genre, as this CD amply demonstrates. Prominently featured are of course
the magical pieces by the famous Argentinean tango masters Carlos Gardel
and Astor Piazolla. But equally important are the works by Danish, German,
Egyptian and Armenian composers featured on this disc. In fact, one
of the most popular of all tango melodies, “Jalousie”, was written
by Jacob Gade, a Dane; and the more adventurous minded should seek out
a highly enjoyable disc sung by, of all people, the great basso profundo
Matti Salminen in a delicious selections of Finnish tango music!
This new disc from CBC Records
stars soprano Isabel Bayrakdarian. Her affinity to the Latin genre is
well known, witness her Azulao disc on CBC, and in particular
her lovely interpretation of Villas-Lobos’ Bachianas brasileiras
No. 5. While her lyric instrument is a departure from what
one is used to hearing in these sultry songs, Bayrakdarian’s stylish
singing here is a marvel. She combines a beautiful voice, solid technique,
innate musicality, not to mention immaculate diction and great attention
to textual nuance. A true vocal chameleon, one is struck by the variety
of timbres and accents she employs, from an innocently girlish sound
in some of the pieces to a highly dramatic and world-weary timbre in
Piazolla’s “Rinacerò”, the last selection on the disc.
She is beautifully supported by the Tango Ensemble on this recording,
led by the collaborative piano of Bayrakdarian’s husband, Serouj Kradjian,
an accomplished pianist in his own right. Playing no small part is the
idiomatic bandoneón of Fabián Carbone. Also deserving of mention is
Canadian Opera Company concertmaster Marie Bérard, for her lovely violin
solo in “Jalousie”. Kudos to the CBC engineers for a most atmospheric
recording, a few overdone reverbs notwithstanding. On balance,
this disc has my vote as the best “World Music” album by a Canadian
classical artist in 2007. JKS
Pierre de La Rue : The Complete Magnificats
/ 3 Salve Reginas
VivaVoce; Peter Schubert, dir.
Naxos 8.557896-97 (119 min 53 s)
HHHHHI
$$
Ce disque est exceptionnel pour deux
raisons. D’abord, il nous offre le premier enregistrement complet
des remarquables Magnificats de Pierre de La Rue (1460-1518). Deuxièmement,
il nous donne la chance d’entendre Peter Schubert et son ensemble
Viva Voce s’exprimer avec une splendeur qui ne peut que les inscrire
dans la lignée des grands ensembles vocaux spécialisés en musique
ancienne. Le style de La Rue est à la croisée de l’ancien et du
nouveau. Il utilise aussi bien les techniques, déjà éprouvées, de
la 1re moitié du 15e siècle que les nouvelles
méthodes apparues dans la 2e. Chez de La Rue, les mélismes
mélodiques du cantus firmus cohabitent intelligemment avec la
nouvelle rigueur imposée à la relation entre structure syllabique
et développement motivique. Ce coffret double est un délice pour tous
les amoureux de polyphonie. De plus, il permettra à l’un de nos fleurons
musicaux de rayonner aux quatre coins de la planète.
Frédéric Cardin
Best of Rolando Villazón (CD : 57
m 30 s)
Live in Prague - Concert from Smetana
Hall (DVD: 51 m)
Virgin Classics 504762-20
HHHHHI
$$$
If you are new to the art of Mexican
tenor Rolando Villazón, this combination CD-DVD set is the one to buy.
The CD contains selections from all the recital discs he made when under
contract to EMI/Virgin Classics. While the 35-year-old singer is still
very much in his vocal prime, his hectic schedule and a tendency to
give unstintingly have taken a toll on his voice, at least temporarily.
A certain unreliability has crept into his singing, resulting in a 6-month
hiatus in the latter part of 2007. (He resumed performing this January,
as Werther at the Vienna State Opera, to cautiously good reviews). His
Virgin Classics output dates from 2004-6, when his voice was in pristine
shape. His Italian opera arias disc – my personal favourite – was
recorded in 2004 with the late Marcello Viotti. Everything is sung with
gorgeous tone, rock-solid technique and his trademark sense of drama.
His ingratiating, darkish timbre recalls a young Plácido Domingo; his
liberal use of mezza voce is an unalloyed pleasure. Also in this
potpourri is the French album from a year later with Evelino Pidò,
and a marvellous third disc of mixed repertoire under the baton of Michel
Plasson. Everything has been previously issued except for “Donna non
vidi mai” from Manon Lescaut, the Puccini Des Grieux role he
has yet to sing onstage.
However beautiful Villazón’s
voice is, a substantial part of his magic is visual. A charming and
irrepressible personality onstage and off, Villazón exudes an unbridled
joy of singing that is infectious. You can get a glimpse of it in the
concert from Prague, taped in November 2005. It was a relatively short
concert of ten arias, all your usual chestnuts. In thrilling voice,
he gave his all vocally and dramatically. He even took the trouble to
learn a few words in Czech and had the local audience eating out of
his hand. Let’s hope he has completely recovered from what ailed
him for the past year or so, as a tenor of his stature is hard to find.
JKS
Carestini: The Story of a Castrato
Philippe Jaroussky, haute-contre; Le
Concert d’Astrée; Emmanuelle Haïm, dir.
Œuvres de Porpora, Haendel, Leo, Hasse,
Gluck, Graun
Virgin 00946 3 95242 2 8
72 min 06 s
HHHHHH
$$$$
Carestini fut un des castrats les plus
appréciés de son temps, rivalisant avec Farinelli et parcourant l’Europe
pendant près de trente ans, au service des meilleurs compositeurs.
En vue de retracer la carrière de celui dont tous admiraient « les
grandes et singulières dispositions », le haute-contre français Philippe
Jaroussky a pensé offrir un choix de douze arias, inédits pour la
plupart. À ses débuts, Carestini évoluait dans le registre de mezzo
: l’Ariodante de Haendel, c’était lui, et bien que ce rôle soit
aujourd’hui repris par des femmes, il ne pose aucun problème à Jaroussky,
doté d’aigus très faciles, comme on le voit aussi dans le brillant
air de Porpora qui ouvre ce disque. Plus tard, la voix de Carestini
se changea en un puissant contralto : c’est alors que Graun lui confia
le rôle-titre de son Orfeo, œuvre méconnue dont Jaroussky
nous offre deux extraits, où il use avec beaucoup de goût de son registre
de poitrine pour rendre les notes graves. L’orchestre du Concert d’Astrée
pourra sembler ici un peu en retrait, mais qu’importe ! Philippe Jaroussky
est un jeune chanteur comme il s’en trouve peu. Il est de ceux qui
captent instantanément l’attention par leur audace et leur présence,
et dont on sait déjà qu’on voudra collectionner tous les disques.
Philippe
Gervais
Musique d’orchestre
Haendel Water Music
Les Violons du Roy; Bernard Labadie,
dir.
ATMA Classique ACD2 2569
HHHHHH
$$
Les trois suites pour orchestre qui composent
la Water Music de Georg Friedrich Haendel font partie de ces
pièces qui, par le génie de leur construction et l’énergie irrésistible
qui s’en dégage, connaissent une popularité qui ne s’est jamais
essoufflée depuis sa création. La quantité énorme de versions endisquées
en fait foi. On en trouve de toutes les sortes et pour tous les goûts :
instruments d’époque ou modernes, grand ensemble ou orchestre de
chambre, esthétique baroque ou romantique, etc.
Haendel, nouvellement arrivé en
Angleterre, reçoit en 1717 une commande particulière : on lui demande
de la musique festive, devant être jouée sur la Tamise à l’occasion
d’un trajet nocturne du roi George 1er entre Whitehall
et Chelsea. Le compositeur concocte alors un amalgame de pièces nouvelles
et anciennes, qu’il groupe en trois suites de tonalités différentes;
elles constituent de bons exemples de suite pour orchestre, genre dont
la forme n’était pas fixée à l’époque. On y trouve une ouverture
d’inspiration française, diverses danses et des mouvements lents.
Haendel fait appel, en plus des cordes, à des instruments à vent pouvant
être entendus à grande distance, notamment des hautbois, des cors
et des trompettes. Des comptes rendus de l’époque indiquent que le
roi a tellement aimé l’œuvre qu’il demanda aux musiciens de la
rejouer entièrement deux autres fois le même soir !
Cette version des fameuses suites
de la Water Music s’avère un véritable coup de cœur dès
les premières secondes d’écoute. Pour cette nouvelle collaboration
entre les Violons du Roy et Atma classique, l’ensemble de Québec
revient au répertoire baroque qui est sa spécialité. Les Violons,
en alliant une interprétation stylistiquement rigoureuse à la perfection
de son des instruments modernes, parviennent encore une fois à des
sommets d’inspiration et de vitalité. Son ensemble a beau être relativement
restreint (28 musiciens), Labadie en tire une fougue absolument incroyable !
Les bois nous offrent des solos inspirés, les cuivres sont retentissants,
les cordes nerveuses et inspirées. Voici certainement un ensemble dont
la capitale peut être fière. Cet enregistrement, qui propose également
deux extraits de l’oratorio Solomon, est le tout premier réalisé
dans la nouvelle salle Raoul-Jobin du Palais Montcalm, un lieu à l’acoustique
vivante qui convient parfaitement à cette musique composée pour les
grands espaces. Louis-Pierre Bergeron
Prokofiev: Symphony No. 5 / Ode to
the End of the War
Russian National Orchestra; Vladimir
Jurowski, dir.
Pentatone Classics PTC 5186 083 (57 m
7 s)
HHHHHI
$$$$
Once again, chalk one up for the young
guns: the new generation of conductors is truly yielding some remarkable
talents. Russian Vladimir Jurowski, 35, has become a household name
in Britain, where he holds directorships with the London Philharmonic
and the Glyndebourne Opera, in addition to his work with noted period
instrument ensemble, The Orchestra of the Age of Enlightenment. Even
with all this activity in the UK, he still finds time to return home
and visit the Russian National Orchestra in his capacity as Principal
Guest Conductor and record treasures of the repertoire. The latest?
Prokofiev’s immortal Symphony No. 5. Our expectations of such
a recording should be high, since the RNO has proven itself over recent
years as an ensemble worthy of significant international attention and,
after all, one expects the national orchestra to be at the top of its
game to play the nation’s gems. Somehow romantic yet economical, grandiose
yet with the intimate ambience of chamber music, Jurowski and the RNO
sculpt a remarkable interpretation of this epic warhorse. Jurowski stays
away from any sense of the mechanical rigidity so often heard in other
versions, while razor-sharp technique and disciplined ensemble playing
through all sections of the orchestra make Jurowski’s tempo fluctuations
seem organic and convincing. What is perhaps most striking about the
recording of this symphony, however, is the crystal-clear view it provides
of Prokofiev’s genius when it comes to orchestration. This is critical,
as many other recordings of the Fifth neglect textures and orchestral
colours rarely heard outside the composer’s œuvre: full marks to
both the musicians and the recording team at PentaTone. A fresh and
insightful approach to a standard, this recording is highly recommended
for veterans and newcomers alike. The bonus track is Ode to the End
of the War, a seldom-heard 1945 work written for a truly bizarre
array of instruments (wind orchestra with 8 harps, 4 pianos, percussion,
and 8 double basses). While the title and era of composition might lead
one to see it as nothing more than a Soviet composer’s duty to appease
Stalin and the party, it is truly a great piece, no doubt neglected
simply due to its unconventional ensemble roster. Graham Lord
Bruckner : Symphony No. 7
Chicago Symphony Orchestra; Bernard Haitink,
dir.
CSO-Resound CSOR 901 706 (67 min 31 s)
HHHHHI
$$$$
Au sommet de son art, Bernard Haitink
livre ici une exécution imposante, d’une maîtrise toute en retenue,
de la monumentale Septième Symphonie de Bruckner. La
séparation des voix fait ressortir un travail de contrepoint généralement
perdu ou sous-estimé ailleurs; cela ressemble par moments à de la
musique de chambre, ce qui est inattendu quand il s’agit de l’orchestration
si particulière du maître de Saint-Florian. Le premier mouvement est
d’une ampleur pour ainsi dire liturgique; le chef prend le temps de
respirer, et pourtant la ligne d’ensemble n’est jamais ignorée;
la dynamique est constamment contenue, sans effets inutiles. Le deuxième
mouvement souffre quelque peu de ce traitement élargi et paraît trop
morcelé, même si le jeu demeure constamment beau. Dans le Scherzo,
les célèbres cuivres de l’orchestre de Chicago s’en donnent à
cœur joie, quoique leur exaltation, bien mise en relief par la prise
de son, semble plutôt écrasante pour les cordes. Le dernier mouvement,
dont la qualité d’écriture ne vaut pas les mouvements précédents,
est traité en douceur et renoue avec l’atmosphère du premier mouvement.
Une version qui mérite certainement l’attention des brucknériens. Alexandre
Lazaridès
Cimarosa: Overtures vol 2
Toronto Chamber Orchestra; Kevin Mallon,
dir.
Naxos 8.570279 (67 min 55 s)
HHHHHH
$
Des quelque 65 opéras que Cimarosa (1749-1801)
a composé, seulement un ou deux se maintiennent aux confins du répertoire.
Pourtant, chaque fois qu’on a l’excellente idée de tirer de l’oubli
un de ses autres ouvrages, instrumental ou vocal, le résultat est toujours
heureux, comme en témoigne avec abondance une discographie de plus
en plus fournie et constituée en bonne partie d’intégrales d’opéras,
opere serie et surtout opere buffe. C’est par ce biais
que l’on connaissait déjà plusieurs des ouvertures (L’Italiana
a Londra, L’Armida immaginaria, etc.) qui composent le
programme de ce CD, les autres étant, sauf erreur, des premières parutions
au disque. La plupart de ces partitions sont exécutées ici d’après
les éditions critiques récentes réalisées par le musicologue néo-zélandais
Allan Badley (cosignataire des notes d’accompagnement) et publiées
par la firme italienne Artaria. Cimarosa s’y révèle sinon un génie,
du moins un très grand maître en pleine possession de tous les moyens
de son art et dont le style noble et élégant, très proche de celui
de Mozart - moments d’extase et zones d’ombre en moins - se caractérise
par une inventivité et un raffinement mélodiques et orchestraux hors
du commun, même au siècle des Lumières. C’est donc avec impatience
que l’on attendra la suite de cette magnifique série ! PMB
Grieg : Peer Gynt Suites, Six Orchestral
Songs
Malmö Symphony Orchestra; Bjarte Engeset,
dir.
Inger Dam-Jensen, soprano, Palle Knudsen,
baryton
Naxos 8.570236 (65 min 45 s)
HHHIII
$
On trouvera ailleurs des interprétations
plus inspirées des deux Suites tirées de la musique pour scène
de Peer Gynt. Sous la baguette d’Engerset, les mélodies s’affadissent
et l’atmosphère de légende indispensable, faite de nostalgie et
de poésie rêveuse, mais aussi d’une sorte de tendre ironie, n’est
guère au rendez-vous. Tout cela finit par ressembler à de la musique
de village. Le programme vaut beaucoup plus par les œuvres chantées
qui suivent. Le baryton Palle Knudsen sait mettre en valeur le premier
lied tiré de l’opus 21 de Grieg, Quatre Poèmes de la Fille du
pêcheur de Bjørnson, et surtout la ballade populaire du Prisonnier
de la montagne op. 32 où l’art du compositeur norvégien pour
suggérer l’univers nordique est au mieux. La soprano Dam-Jensen,
malgré une voix assez belle, convainc moins dans les Six Chants
orchestraux EG 177 que Grieg a réunis à partir de diverses œuvres;
on y retrouve entre autres la célèbre Chanson de Solveig et
la Berceuse de Solveig tirés de Peer Gynt. AL
Musique de chambre
et solo
Bach : Les suites pour violoncelle
Jean-Guihen Queyras, (violoncelle Gioffredo
Cappa, 1696)
Harmonia Mundi 901970.71
HHHHII
$$$$
Le violoncelliste Jean-Guihen Queyras
a interprété les suites de Bach pendant vingt-neuf ans avant de les
enregistrer. Il s’en est imprégné, elles sont devenues une part
de lui et il nous les livre avec beaucoup d’enthousiasme et de vitalité.
C’est avec une grande humilité devant l’œuvre grandiose de Bach
qu’il nous découvre son âme grâce aussi à son violoncelle Gioffredo
Cappa de 1696, dans ce magnifique coffret de deux CD et un DVD.
Comme toujours chez Harmonia Mundi,
nous avons ici un produit de grande qualité, autant par la perfection
de l’enregistrement que la sobriété de la pochette et surtout la
virtuosité de l’interprète, ce qui procure au mélomane un réel
plaisir d’écoute.
Le visionnement du DVD de la suite
numéro 3 est d’un égal bonheur, car il permet d’apprécier les
qualités d’interprétation de Queyras et de vibrer avec lui dans
cette même énergie qui se dégage de la musique de Bach. Francine
Bélanger
Couperin : Pièces de clavecin
Pierre Hantaï, clavecin
Mirare MIR 027 (65 min 49 s)
HHHHHH
$$$$
Applaudi pour ses interprétations de
Bach et de Scarlatti, Pierre Hantaï n’avait à ce jour jamais enregistré
de musique française en soliste. Il a néanmoins longtemps mûri ce
répertoire, notamment en concert, si bien que le disque de François
Couperin qu’il offre ici se classe d’emblée parmi les meilleurs.
Le secret tient d’abord au choix de l’instrument : un clavecin lyonnais
du dix-huitième siècle dont ne subsistait que la caisse et la table
d’harmonie, et qui a repris vie récemment grâce à un travail poussé
de restauration. Exploitant pleinement ce médium idéal, Pierre Hantaï
nous mène de surprise en surprise, sans pourtant forcer le trait. Au
contraire, il traite la partition avec sérieux et noblesse et c’est
de cette lecture attentive que naît l’émotion. Derrière des titres
un peu désuets, qui semblent annoncer de naïfs tableautins, se cachent
en effet des pièces au climat souvent trouble : voyez l’élégance
rêveuse de la Flore, l’extraordinaire nervosité de l’Anguille
ou encore la poignante mélancolie des Vieux Seigneurs, sarabande
grave dont les arpèges dissonants se réfugient avec nostalgie dans
l’aigu. Pierre Hantaï refuse les intégrales, qui lui semblent fastidieuses,
mais proposera semble-t-il un second florilège Couperin, qu’on attend
avec joie. Philippe Gervais
Fernandes, Freitas Branco
Alexandre Da Costa, violon; Extramadura
Symphony Orchestra; Jesús Amigo, dir.
Atma Classique ACD2 2578 (73 min 45 s)
HHHIII
$$$
Il y a deux ans, le même ensemble et
le violoniste montréalais Da Costa avaient donné une interprétation
des plus intéressantes du Concerto pour violon de Luis de Freitas
Branco. Le présent enregistrement de la Symphonie no
2 en si bémol mineur (1926) ne se situe pas à la même hauteur. L’œuvre
se laisse écouter, mais elle fourmille de réminiscences de l’idiome
symphonique post-romantique (Brahms, Tchaïkovski, Sibelius...) qui
dénotent plus de savoir-faire que d’originalité. Le meilleur moment
est sans doute le troisième mouvement, une sorte de scherzo délicatement
orchestré, mais la coda du dernier mouvement sombre dans le pompiérisme.
À quoi il faut ajouter que l’orchestre sonne bien mollement tout
au long. Quant au Concerto (1948) de Armando José Fernandes,
sans charme ni intérêt, on se demande s’il était nécessaire de
l’exhumer tant le prosaïsme de l’écriture et le statisme sont
patents. Da Costa lui-même ne semble pas trop y croire, le chef non
plus. AL
Jupiter String Quartet
Shostakovich Quartet No. 3, Britten String
Quartet No. 2
Marquis Classics MAR 371 (65 m 55 s)
HHHHII
$$$
The Jupiter String Quartet is, on paper,
a blue-chip young group with all the right credentials to succeed in
this remarkably competitive business of chamber music. This release,
its debut CD, comes on the heels of a host of prizes and honours: first
prize at the 2004 Banff International String Quartet Competition, the
Grand Prize at the Fischoff National Chamber Music Competition of the
same year, winners of the 2005 Young Concert Artists International Audition,
and selection for a residency at Lincoln Center, among others. It’s
perhaps appropriate, then, that such a youthful ensemble starts off
its professional recording career with the innocent and playful strains
of the first movement from Shostakovich’s Third String Quartet;
the uncharacteristic simplicity and jollity of it cannot possibly prepare
you for the darker and more ominous moods that come later in the piece.
Programmatically, the Shostakovich is well paired on the disc with Britten’s
Second String Quartet: both pieces were written shortly after WWII
and represent the work of two composers who didn’t wish to celebrate
the Allied victory in music but, rather, chose to come to terms with
the devastation of the war through their art. The Jupiters attack both
works with terrific panache and maturity. A feeling of elasticity pervades
their performance on this recording, as the ensemble is remarkably sensitive
to the extremes in mood achieved by these giants of 20th-century composition.
In particular, the sustained, quiet intensity of the massive 20-minute
finale of the Britten quartet, Chacony, connects one variation
to another, keeping the listener in rapt suspense until the rousing,
explosive conclusion. Their Shostakovich won’t replace my Emerson
Quartet recording (what can?) in terms of performance or recording quality,
but it is still a convincing and successful interpretation, especially
for a first release; clearly, the term “rookie” hardly applies to
this ensemble. GL
Saint-Saëns: Piano Concertos 2 &
5
Jean-Yves Thibaudet, piano, l’Orchestre
de la Suisse romande ; Charles Dutoit, dir.
Decca 475 8764 (66 min 25 s)
HHHHII
$$$
Le jeu épidermique, plus brillant que
profond, qui caractérise autant le chef Dutoit que le pianiste Thibaudet
et qui convient à une certaine musique française de la seconde moitié
du XIXe siècle, fait merveille dans le Deuxième et le Cinquième
Concertos de Saint-Saëns. C’est un piano bondissant et cabriolant
que l’on entend ici. Les difficultés dont sont parsemées les deux
partitions sont surmontées avec un brio digital étonnant par Thibaudet,
et l’Orchestre de la Suisse romande, fouetté par Dutoit, participe
de la fête sonore. Le Deuxième Concerto, enlevé de bout en
bout, et dont le troisième mouvement est particulièrement électrisant,
convainc cependant plus que le Cinquième dont l’Andante
semble un peu statique. Données en supplément et placées entre les
deux compositions de Saint-Saëns, les Variations symphoniques
de Franck ne trouvent pas l’atmosphère de recueillement nécessaire.
Les phrasés gémissants du pianiste ne peuvent être tenus pour un
signe de gravité et les quatre dernières minutes de l’œuvre, aux
temps beaucoup trop appuyés à l’orchestre, ressemblent à une faute
de goût. Prise de son aérée et généreuse. AL
Wilhelm Friedemann Bach :
Œuvres pour
clavier, vol. 1
Robert Hill, fortepiano
Naxos 8.556966 (64 min et 21 s)
HHHHHH
$
Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784),
l’aîné des fils du grand Jean-Sébastien, était un singulier personnage
dont la vie personnelle et la carrière professionnelle furent un désastre,
une interminable descente dans l’alcoolisme et la misère. Quant à
sa production artistique, aux antipodes de celle de son père, elle
est l’œuvre d’un génie, rebelle à toute règle. C’est une musique
étrange qui, par (d’assez) longs moments, donne l’impression d’avoir
été composée un siècle, voire deux, après l’époque où a vécu
le musicien. Les plus fascinantes de ces partitions sont celles qu’il
a écrites pour les claviers, car ceux-ci lui permettaient de s’exprimer,
en toute liberté, à travers des formes qui n’en étaient guère,
comme la polonaise ou la fantaisie. Ce corpus des œuvres pour clavier
fait ici l’objet d’une interprétation qui, avec la parution d’une
intégrale proposée, pourrait s’avérer définitive. Robert Hill,
qui signe aussi des notes d’accompagnement très éclairantes, interprète
cette musique (les 12 Polonaises, F.12, la Sonate en ré majeur,
F.3 et la Fantaisie en la mineur, F.23) exactement comme elle
doit être jouée, « avec authenticité », sans forcer la note muséologique
ni verser dans le romantisme ou le post-romantisme, mais comme une musique
qui, en un certain sens, est intemporelle. PMB
Scarlatti : Concertos pour flûte
Francis Colpron, flûte à bec; Les Boréades
Atma ACD2 2521 (60 min 06 s)
HHHHHI
$$$
Francis Colpron est un infatigable découvreur,
et surtout un avocat passionné de la restauration de l’œuvre d’Alessandro
Scarlatti. Il faut d’abord savoir que la musique instrumentale de
Scarlatti demeure en majorité non éditée. Colpron assume donc seul
la corvée (mais peut-on qualifier ainsi un travail si beau et si intellectuellement
nourrissant ?) de déchiffrer de vieux microfilms, ou de vieilles partitions
déchirées, tachées, entremêlées, dans le seul but de redonner vie
à des chefs-d’œuvre qui ne méritent ni l’oubli ni l’ignorance.
Le résultat est un corpus comme celui présenté sur ce très bel enregistrement
(la prise de son est particulièrement pleine et vibrante). Cinq concertos
pour flûte à bec, une petite sinfonia et une sonate (pour trois flûtes
et basse continue) respirent à nouveau avec vigueur et vitalité dans
la bouche et sous les doigts de M. Colpron et de ses Boréades. Là
où Vivaldi favorise la virtuosité éclatante, Scarlatti préfère
la beauté des belles harmonies et le plaisir d’un développement
mélodique charmant. Francis Colpron et les Boréades sont de merveilleux
complices et leur interprétation pleine de lumière et de fraîcheur
rend amplement justice à ces petits bijoux dévoilés ici avec un remarquable
éclat. FC
DVD
Donizetti : L’Elisir d’Amore
Anna Netrebko, Rolando Villazón, Leo
Nucci, Ildebrando D’Arcangelo
Chor und Orchester der Wiener Staatsoper;
Alfred Eschwé, dir.
Virgin Classics 00946 363352 9 (DVD:
130 min)
HHHHHI
$$$$
Captée sur le vif en avril 2005, cette
production de l’Élixir d’amour est enlevante dans l’ensemble,
mais brille surtout par la présence du couple qui nous a déjà donné
une inoubliable Traviata. Anna Netrebko incarne une Adina mutine
et fraîche qui sait néanmoins, le moment venu, montrer la sincérité
de ses sentiments amoureux. La voix est belle et le jeu toujours nuancé
prouve qu’il s’agit là d’une véritable cantatrice. Rolando Villazón
démontre des qualités de comique, mais peut-être en fait-il trop
par moments sans y croire; la candeur de son Nemorino ressemble à la
longue à de la stupidité; on s’étonne alors que l’intelligente
Adina puisse s’éprendre d’un tel benêt de village. Le charlatan
Dulcamara est rendu par un D’Arcangelo en grande forme : son duo endiablé
du deuxième acte avec Adina est l’un des meilleurs moments de la
production. Seul le vétéran Leo Nucci (Belcore) semble en retrait
autant par la voix que par une interprétation quelque peu guindée malgré
une présence scénique indéniable. Le décor réaliste et les costumes
dans les teintes pastel évoquent une contrée lumineuse et sans drame;
orchestre et chef sont à l’écoute des chanteurs. Une réserve : la
prise de son est lointaine dans plusieurs solos, y compris Una furtiva
lagrima que Villazón a dû bisser. AL
Mozart : Die Zauberflöte
Piotr Beczala, Dorothea Röschmann, Detlef
Roth, Matti Salminen, Désirée Rancatore, Gaële Le Roi, Uwe Peper
Orchestre et Chœurs de l’Opéra national
de Paris; Ivan Fischer, dir.
TDK DVWW-OPMFP (158 min)
HHHHHI
$$$$
Une Flûte enchantée… enchanteresse
! On n’a pas assez d’yeux pour apprécier toute la richesse des
costumes, toutes les effervescences scéniques. En un tour de main peut
apparaître une jungle luxuriante peuplée d’animaux sauvages. Une
autre fois, c’est la Reine de la Nuit qui surgit du sol et s’envole
dans les airs, habillée d’une robe démesurée qui meuble toute la
scène. Il y a plein de ces trouvailles visuelles qui tiennent de la
magie. Côté chant aussi, nous sommes choyés. Le personnage de Pamina
est très bien rendu par Röschmann, une mozartienne accomplie – on
se remémorera avec plaisir sa Susanna des Noces de Figaro (DVD
Arthaus 100 017). Roth insuffle dynamisme et justesse vocale à son Papageno.
Rancatore interprète à merveille le fameux air Der Hölle Rache
kocht in meinem Herzen. Salminen, avec sa superbe voix de basse,
brille là comme il le fait dans tant d’autres productions DVD…
Question mise en scène et tournage, la référence absolue pour cet
opéra demeure l’adaptation d’Ingmar Bergman, de 1975 (DVD Criterion
71), mais le célèbre cinéaste n’avait pas la contrainte du direct,
et ses chanteurs - crime de lèse-majesté - s’exprimaient en suédois. Pierre
Demers
Verdi : Don Carlos
Ramon Vargas, Iano Tamar, Nadja Michael,
Bo Skovhus, Alastair Miles
Orchestra and Chorus of Wiener Staatsoper;
Bertrand De Billy, dir.
TDK DVWW-OPCARLOS (2 DVDs, 4h 7m)
HHHIII
$$$$$
Verdi originally conceived Don Carlos
as a French Grand Opera in five acts plus ballet. It premiered at the
Paris Opera in March 1867. In 1866, Verdi had already made a number
of cuts because of its length, and further cuts were authorized during
rehearsals. An Italian translation, with further changes, was first
performed as Don Carlo later at Covent Garden, followed by a
complete version in Italian given in Bologna. Today, the Italian version
is the more popular, but occasionally it is sung in French, with the
Fontainebleau Scene tagged on. The original uncut five-act French version
with ballet, lasting over five hours, is hardly ever revived. This DVD
is unique in that it is said to be note-complete.
So for Don Carlos purists,
is this the version to get? Originally conceived by Peter Konwitschny
for Hamburg, it later travelled to Barcelona and Vienna, where this
performance was taped. The set consists of a white box with low doors
on all three sides, essentially devoid of props, except for a tiny tree
religiously cared for by the Friar. Act Four opens with Philip lying
on some bedding on the floor, with Eboli. She stays onstage throughout
his “Elle ne m’aime pas” and the subsequent scene with the Grand
Inquisitor. These unusual twists are nothing compared to the ballet
sequence. There’s no dancing, just a comedy routine billed as “Eboli’s
Dream” in which Eboli and Carlos are married and give a dinner party
for Phillip and Elizabeth. Eboli burns the dinner so Carlos orders take-out
from Posa’s Pizza, delivered by Rodrigo. The nadir is reached during
the auto-dafé, which started in the opera house lobby where widescreen
TVs were set up, complete with commentator and paparazzi. Heretics were
brought in through the front entrance and led onstage, as were Philip,
Elizabeth, Eboli, and Rodrigo. Is this Verdi? I don’t think so.
It is a shame that the stage direction
hijacked an essentially fine performance. The orchestra under the stylish
baton of Bertrand de Billy sounds great. Honours go to Ramon Vargas
as a vocally impeccable Carlos. Bass Alistair Miles has all the stately
bearing necessary for Philip. The other principals are also quite good.
Georgian soprano Iano Tamar impresses with her dark, rich voice, lacking
only the necessary high piano. Soprano Nadja Michael pushes her
slender voice fearlessly as a glamorous Eboli – her timbre in this
mezzo role is lighter than Elizabeth’s! Baritone Bo Skovhus
(Rodrigo) is almost unrecognizable in his getup, and his singing is
a little uneven. Only Korean bass Simon Yang falls short vocally and
dramatically as the Grand Inquisitor. If there has ever been a DVD release
that cries out for a documentary with interviews of the creative team,
this is it - I’d love to hear Konwitschny’s explanation of his “concept.”
The verdict? If you are into extreme Regietheater, you will be
amused. On the other hand, if you don’t like staging not intended
by the composer, this version is to be avoided. JKS
Accessoire
Harmonie des sphères. Clé universelle.
10 $.
harmoniedesspheres.com
Les notions d’intervalles et de construction
de la gamme diatonique sont souvent mal assimilées par les étudiants.
Si tous sont généralement à l’aise avec les permutations d’intervalles
et les tétracordes en gamme de do, les difficultés se multiplient
de façon exponentielle quand on aborde les gammes avec des armures
plus complexes. Cette clé universelle, mise en espace par Sylvain Lalonde
– difficile de parler réellement d’une invention puisque les douze
demi-tons de l’octave ont toujours été connus –, permet de clarifier
nombre de ces hésitations. En positionnant le cercle supérieur sur
la tonique d’une gamme, on peut ainsi retrouver en un instant les
six autres notes qui la constituent. En se référant aux intervalles
sur le tour du disque, on a aussi immédiatement accès aux secondes,
tierces, sixtes majeures ainsi qu’aux quartes et quintes justes. On
regrettera par contre que l’on n’ait pas songé pour le moment à
inclure un disque qui permettrait de retrouver les notes des gammes
mineures et que l’on nomme une sixte une sixième. L’objet est sinon
essentiel, du moins tout à fait convivial. Nous attendrons avec curiosité
la méthode de solfège qui devrait suivre. Lucie Renaud
|
|