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La Scena Musicale - Vol. 13, No. 5 February 2008


February 12, 2008

Politique de critique : Nous présentons ici tous les bons disques qui nous sont envoyés. Comme nous ne recevons pas toutes les nouvelles parutions discographiques, l’absence de critique ne constitue pas un jugement négatif. Vous trouverez des critiques additionnelles sur notre site Web www.scena.org.

Review Policy: While we review all the best CDs we get, we don’t always receive every new release available. Therefore, if a new recording is not covered in the print version of LSM, it does not necessarily imply that it is inferior. Many more CD reviews can be viewed on our Web site at www.scena.org.

HHHHHH indispensable / a must!

HHHHHI excellent / excellent

HHHHII très bon / very good

HHHIII bon / good

HHIIII passable / so-so

HIIIII mauvais / mediocre

$ < 10 $

$$ 10–15 $

$$$ 15–20 $

$$$$ > 20 $

Critiques / Reviewers

AL Alexandre Lazaridès

FC Frédéric Cardin

FB Francine Bélanger

GL Graham Lord

JKS Joseph K. So

LPB Louis-Pierre Bergeron

PD Pierre Demers

PMB Pierre Marc Bellemare

PG Philippe Gervais

Musique vocale

Songs of Samuel Barber: Hermit Songs, Op. 29; Mélodies passagères Op. 27; Dover Beach Op. 3; and others

Gerald Finley, baritone; Julius Drake, piano; The Aronowitz Ensemble

Hyperion CDA67528


Following the critically acclaimed disc of Charles Ives songs, baritone Gerald Finley and pianist Julius Drake teamed up for this album of Samuel Barber songs. The resulting product reaffirms their position as a great singer-pianist duo. Finley has a beautiful instrument, backed by solid technique, dramatic commitment, and superb musicianship. He is perfectly suited to these songs. A great melodist and unabashedly romantic, Barber’s way with a melody bears a strong kinship to fellow American Ned Rorem, and to Giancarlo Menotti, with whom Barber had a lifelong professional and personal relationship. At a time when others rushed to serialism, Barber stuck to a lushly lyrical style deemed to be regressive and old-fashioned. It is thus ironic that his contemporaries, having flirted with atonality, reverted back to a more traditional style. Sadly, Barber, who died in 1981, didn’t live long enough to witness the pendulum swinging back his way.

This disc contains 27 of Barber’s best output, including Hermit Songs and Dover Beach, two of this three best song cycles. It’s a pity that the third, Knoxville, Summer 1915, isn’t included. Commissioned by Eleanor Steber, Knoxville is sung by a soprano and very occasionally by a boy treble. For once, I would love to hear a mature male voice in this! While Barber did not specify a voice type for Hermit Songs, it will forever be associated with the great Leontyne Price, who premiered it with the composer at the keyboard, and subsequently recorded it for RCA. It is refreshing to hear a baritone in this piece. Set to translations of Medieval Gaelic poems attributed to Irish monks, it has a disarming simplicity. Barber composed Dover Beach and sang the cycle himself on its first recording in 1935. Barber’s skill and sophistication in the setting of this highly dramatic cycle on the loss of religious faith at the tender age of twenty is quite something. The composer dedicated Mélodies passagères Op. 27 to Pierre Bernac and Francis Poulenc. Composed in a distinctly French manner and derivative in style, it is as if Barber were deliberately imitating Poulenc. Finley sings beautifully throughout. His English is crystal clear, and his attention to textual details exemplary. Julius Drake is at the top of his game, offering excellent support. The recorded sound is warm and mellow. The beautifully produced booklet, with the trademark landscape oil painting on the cover, contains an essay, artist bios and song texts, except for the James Joyce items. Hyperion claims it is for copyright reasons, but it is probably because the Joyce Estate demanded money. This disc is a strong contender as the best vocal recital by a Canadian artist.
Joseph K. So

Schubert : Die Winterreise (version de musique de chambre de Normand Forget)

Pentaèdre; Christoph Prégardien, ténor; Joseph Petric, accordéon

ATMA classique ACD2 2546


On considère souvent Die Winterreise comme étant la quintessence du cycle de lieder; une quantité innombrable de ténors et de barytons ont gravé leur interprétation, notamment Dieter Fischer-Dieskau, Peter Pears et, plus récemment, Ian Bostridge.

Le Voyage d’hiver est une des dernières œuvres de Schubert. Écrite en 1827 au moment où il sent avec désespoir sa santé décliner, le compositeur y exprime ses plus sombres pensées sur l’amour impossible et la fatalité de la mort. La lecture d’un recueil de poèmes de son contemporain Wilhelm Müller l’interpelle profondément. Müller y raconte, en 24 tableaux, l’histoire d’un jeune homme qui, abandonné à la suite d’un échec amoureux, se lance dans un voyage sans retour à travers la campagne gelée. Schubert venait de trouver un souffle avec lequel il pourrait sublimer ses pensées lugubres et atteindre de nouveaux niveaux d’émotion, de profondeur.

La présente version, pour voix d’homme accompagnée d’un quintette à vents et d’un accordéon, est exceptionnelle à tous points de vue. Normand Forget, le hautboïste de Pentaèdre, a préparé un arrangement raffiné qui non seulement remplace la partie de piano originale, mais la pousse plus loin en colorant les atmosphères. La partition fait appel à des instruments secondaires (piccolo, hautbois d’amour, clarinette basse, etc.). Le quintette se transforme même en chœur sans paroles pour un des lieder ! Notons que Forget a gardé l’ordre initial des poèmes et non celui du cycle de Schubert.

Avec cet enregistrement, le ténor allemand Christoph Prégardien confirme sa place parmi les grands chanteurs de lieder actuels; sa voix, dont on ne perd pas un seul mot, est tour à tour plaintive, puissante et rêveuse, toujours ronde et contrôlée à l’aigu comme au grave. L’inspiration est continue et la complicité avec Pentaèdre, palpable. Le quintette à vents, complété du formidable accordéon de Joseph Petric, produit un accompagnement d’une extrême beauté.

Pentaèdre, un peu à la manière du Kronos Quartet, réussit à se renouveler constamment; la formation transcende le genre du quintette à vents. Avec quel nouveau projet va-t-il nous surprendre ? Louis-Pierre Bergeron

Tango Notturno

Isabel Bayrakdarian, soprano; Serouj Kradjian, piano; Fabian Carbone, bandoneon; Marie Berard, violin; Roman Borys, cello; Roberto Occhipinti, bass; Shalom Bard, clarinet; Daiel Bolshoy, guitar; Levon Ichkhanian, oud

CBC Records MVCD 1176 (70m 15s)


Arguably more than any other musical genre, the tango epitomizes romance – or should I say desire – in all its varieties. Though Latin in origin, tango is really an international genre, as this CD amply demonstrates. Prominently featured are of course the magical pieces by the famous Argentinean tango masters Carlos Gardel and Astor Piazolla. But equally important are the works by Danish, German, Egyptian and Armenian composers featured on this disc. In fact, one of the most popular of all tango melodies, “Jalousie”, was written by Jacob Gade, a Dane; and the more adventurous minded should seek out a highly enjoyable disc sung by, of all people, the great basso profundo Matti Salminen in a delicious selections of Finnish tango music!

This new disc from CBC Records stars soprano Isabel Bayrakdarian. Her affinity to the Latin genre is well known, witness her Azulao disc on CBC, and in particular her lovely interpretation of Villas-Lobos’ Bachianas brasileiras No. 5. While her lyric instrument is a departure from what one is used to hearing in these sultry songs, Bayrakdarian’s stylish singing here is a marvel. She combines a beautiful voice, solid technique, innate musicality, not to mention immaculate diction and great attention to textual nuance. A true vocal chameleon, one is struck by the variety of timbres and accents she employs, from an innocently girlish sound in some of the pieces to a highly dramatic and world-weary timbre in Piazolla’s “Rinacerò”, the last selection on the disc. She is beautifully supported by the Tango Ensemble on this recording, led by the collaborative piano of Bayrakdarian’s husband, Serouj Kradjian, an accomplished pianist in his own right. Playing no small part is the idiomatic bandoneón of Fabián Carbone. Also deserving of mention is Canadian Opera Company concertmaster Marie Bérard, for her lovely violin solo in “Jalousie”. Kudos to the CBC engineers for a most atmospheric recording, a few overdone reverbs notwithstanding. On balance, this disc has my vote as the best “World Music” album by a Canadian classical artist in 2007. JKS

Pierre de La Rue : The Complete Magnificats / 3 Salve Reginas

VivaVoce; Peter Schubert, dir.

Naxos 8.557896-97 (119 min 53 s)


Ce disque est exceptionnel pour deux raisons. D’abord, il nous offre le premier enregistrement complet des remarquables Magnificats de Pierre de La Rue (1460-1518). Deuxièmement, il nous donne la chance d’entendre Peter Schubert et son ensemble Viva Voce s’exprimer avec une splendeur qui ne peut que les inscrire dans la lignée des grands ensembles vocaux spécialisés en musique ancienne. Le style de La Rue est à la croisée de l’ancien et du nouveau. Il utilise aussi bien les techniques, déjà éprouvées, de la 1re moitié du 15e siècle que les nouvelles méthodes apparues dans la 2e. Chez de La Rue, les mélismes mélodiques du cantus firmus cohabitent intelligemment avec la nouvelle rigueur imposée à la relation entre structure syllabique et développement motivique. Ce coffret double est un délice pour tous les amoureux de polyphonie. De plus, il permettra à l’un de nos fleurons musicaux de rayonner aux quatre coins de la planète.
Frédéric Cardin

Best of Rolando Villazón (CD : 57 m 30 s)

Live in Prague - Concert from Smetana Hall (DVD: 51 m)

Virgin Classics 504762-20


If you are new to the art of Mexican tenor Rolando Villazón, this combination CD-DVD set is the one to buy. The CD contains selections from all the recital discs he made when under contract to EMI/Virgin Classics. While the 35-year-old singer is still very much in his vocal prime, his hectic schedule and a tendency to give unstintingly have taken a toll on his voice, at least temporarily. A certain unreliability has crept into his singing, resulting in a 6-month hiatus in the latter part of 2007. (He resumed performing this January, as Werther at the Vienna State Opera, to cautiously good reviews). His Virgin Classics output dates from 2004-6, when his voice was in pristine shape. His Italian opera arias disc – my personal favourite – was recorded in 2004 with the late Marcello Viotti. Everything is sung with gorgeous tone, rock-solid technique and his trademark sense of drama. His ingratiating, darkish timbre recalls a young Plácido Domingo; his liberal use of mezza voce is an unalloyed pleasure. Also in this potpourri is the French album from a year later with Evelino Pidò, and a marvellous third disc of mixed repertoire under the baton of Michel Plasson. Everything has been previously issued except for “Donna non vidi mai” from Manon Lescaut, the Puccini Des Grieux role he has yet to sing onstage.

However beautiful Villazón’s voice is, a substantial part of his magic is visual. A charming and irrepressible personality onstage and off, Villazón exudes an unbridled joy of singing that is infectious. You can get a glimpse of it in the concert from Prague, taped in November 2005. It was a relatively short concert of ten arias, all your usual chestnuts. In thrilling voice, he gave his all vocally and dramatically. He even took the trouble to learn a few words in Czech and had the local audience eating out of his hand. Let’s hope he has completely recovered from what ailed him for the past year or so, as a tenor of his stature is hard to find. JKS

Carestini: The Story of a Castrato

Philippe Jaroussky, haute-contre; Le Concert d’Astrée; Emmanuelle Haïm, dir.

Œuvres de Porpora, Haendel, Leo, Hasse, Gluck, Graun

Virgin 00946 3 95242 2 8

72 min 06 s


Carestini fut un des castrats les plus appréciés de son temps, rivalisant avec Farinelli et parcourant l’Europe pendant près de trente ans, au service des meilleurs compositeurs. En vue de retracer la carrière de celui dont tous admiraient « les grandes et singulières dispositions », le haute-contre français Philippe Jaroussky a pensé offrir un choix de douze arias, inédits pour la plupart. À ses débuts, Carestini évoluait dans le registre de mezzo : l’Ariodante de Haendel, c’était lui, et bien que ce rôle soit aujourd’hui repris par des femmes, il ne pose aucun problème à Jaroussky, doté d’aigus très faciles, comme on le voit aussi dans le brillant air de Porpora qui ouvre ce disque. Plus tard, la voix de Carestini se changea en un puissant contralto : c’est alors que Graun lui confia le rôle-titre de son Orfeo, œuvre méconnue dont Jaroussky nous offre deux extraits, où il use avec beaucoup de goût de son registre de poitrine pour rendre les notes graves. L’orchestre du Concert d’Astrée pourra sembler ici un peu en retrait, mais qu’importe ! Philippe Jaroussky est un jeune chanteur comme il s’en trouve peu. Il est de ceux qui captent instantanément l’attention par leur audace et leur présence, et dont on sait déjà qu’on voudra collectionner tous les disques.

Philippe Gervais

Musique d’orchestre

Haendel Water Music

Les Violons du Roy; Bernard Labadie, dir.

ATMA Classique ACD2 2569


Les trois suites pour orchestre qui composent la Water Music de Georg Friedrich Haendel font partie de ces pièces qui, par le génie de leur construction et l’énergie irrésistible qui s’en dégage, connaissent une popularité qui ne s’est jamais essoufflée depuis sa création. La quantité énorme de versions endisquées en fait foi. On en trouve de toutes les sortes et pour tous les goûts : instruments d’époque ou modernes, grand ensemble ou orchestre de chambre, esthétique baroque ou romantique, etc.

Haendel, nouvellement arrivé en Angleterre, reçoit en 1717 une commande particulière : on lui demande de la musique festive, devant être jouée sur la Tamise à l’occasion d’un trajet nocturne du roi George 1er entre Whitehall et Chelsea. Le compositeur concocte alors un amalgame de pièces nouvelles et anciennes, qu’il groupe en trois suites de tonalités différentes; elles constituent de bons exemples de suite pour orchestre, genre dont la forme n’était pas fixée à l’époque. On y trouve une ouverture d’inspiration française, diverses danses et des mouvements lents. Haendel fait appel, en plus des cordes, à des instruments à vent pouvant être entendus à grande distance, notamment des hautbois, des cors et des trompettes. Des comptes rendus de l’époque indiquent que le roi a tellement aimé l’œuvre qu’il demanda aux musiciens de la rejouer entièrement deux autres fois le même soir !

Cette version des fameuses suites de la Water Music s’avère un véritable coup de cœur dès les premières secondes d’écoute. Pour cette nouvelle collaboration entre les Violons du Roy et Atma classique, l’ensemble de Québec revient au répertoire baroque qui est sa spécialité. Les Violons, en alliant une interprétation stylistiquement rigoureuse à la perfection de son des instruments modernes, parviennent encore une fois à des sommets d’inspiration et de vitalité. Son ensemble a beau être relativement restreint (28 musiciens), Labadie en tire une fougue absolument incroyable ! Les bois nous offrent des solos inspirés, les cuivres sont retentissants, les cordes nerveuses et inspirées. Voici certainement un ensemble dont la capitale peut être fière. Cet enregistrement, qui propose également deux extraits de l’oratorio Solomon, est le tout premier réalisé dans la nouvelle salle Raoul-Jobin du Palais Montcalm, un lieu à l’acoustique vivante qui convient parfaitement à cette musique composée pour les grands espaces. Louis-Pierre Bergeron

Prokofiev: Symphony No. 5 / Ode to the End of the War

Russian National Orchestra; Vladimir Jurowski, dir.

Pentatone Classics PTC 5186 083 (57 m 7 s)


Once again, chalk one up for the young guns: the new generation of conductors is truly yielding some remarkable talents. Russian Vladimir Jurowski, 35, has become a household name in Britain, where he holds directorships with the London Philharmonic and the Glyndebourne Opera, in addition to his work with noted period instrument ensemble, The Orchestra of the Age of Enlightenment. Even with all this activity in the UK, he still finds time to return home and visit the Russian National Orchestra in his capacity as Principal Guest Conductor and record treasures of the repertoire. The latest? Prokofiev’s immortal Symphony No. 5. Our expectations of such a recording should be high, since the RNO has proven itself over recent years as an ensemble worthy of significant international attention and, after all, one expects the national orchestra to be at the top of its game to play the nation’s gems. Somehow romantic yet economical, grandiose yet with the intimate ambience of chamber music, Jurowski and the RNO sculpt a remarkable interpretation of this epic warhorse. Jurowski stays away from any sense of the mechanical rigidity so often heard in other versions, while razor-sharp technique and disciplined ensemble playing through all sections of the orchestra make Jurowski’s tempo fluctuations seem organic and convincing. What is perhaps most striking about the recording of this symphony, however, is the crystal-clear view it provides of Prokofiev’s genius when it comes to orchestration. This is critical, as many other recordings of the Fifth neglect textures and orchestral colours rarely heard outside the composer’s œuvre: full marks to both the musicians and the recording team at PentaTone. A fresh and insightful approach to a standard, this recording is highly recommended for veterans and newcomers alike. The bonus track is Ode to the End of the War, a seldom-heard 1945 work written for a truly bizarre array of instruments (wind orchestra with 8 harps, 4 pianos, percussion, and 8 double basses). While the title and era of composition might lead one to see it as nothing more than a Soviet composer’s duty to appease Stalin and the party, it is truly a great piece, no doubt neglected simply due to its unconventional ensemble roster. Graham Lord

Bruckner : Symphony No. 7

Chicago Symphony Orchestra; Bernard Haitink, dir.

CSO-Resound CSOR 901 706 (67 min 31 s)


Au sommet de son art, Bernard Haitink livre ici une exécution imposante, d’une maîtrise toute en retenue, de la monumentale Septième Symphonie de Bruckner. La séparation des voix fait ressortir un travail de contrepoint généralement perdu ou sous-estimé ailleurs; cela ressemble par moments à de la musique de chambre, ce qui est inattendu quand il s’agit de l’orchestration si particulière du maître de Saint-Florian. Le premier mouvement est d’une ampleur pour ainsi dire liturgique; le chef prend le temps de respirer, et pourtant la ligne d’ensemble n’est jamais ignorée; la dynamique est constamment contenue, sans effets inutiles. Le deuxième mouvement souffre quelque peu de ce traitement élargi et paraît trop morcelé, même si le jeu demeure constamment beau. Dans le Scherzo, les célèbres cuivres de l’orchestre de Chicago s’en donnent à cœur joie, quoique leur exaltation, bien mise en relief par la prise de son, semble plutôt écrasante pour les cordes. Le dernier mouvement, dont la qualité d’écriture ne vaut pas les mouvements précédents, est traité en douceur et renoue avec l’atmosphère du premier mouvement. Une version qui mérite certainement l’attention des brucknériens. Alexandre Lazaridès

Cimarosa: Overtures vol 2

Toronto Chamber Orchestra; Kevin Mallon, dir.

Naxos 8.570279 (67 min 55 s)


Des quelque 65 opéras que Cimarosa (1749-1801) a composé, seulement un ou deux se maintiennent aux confins du répertoire. Pourtant, chaque fois qu’on a l’excellente idée de tirer de l’oubli un de ses autres ouvrages, instrumental ou vocal, le résultat est toujours heureux, comme en témoigne avec abondance une discographie de plus en plus fournie et constituée en bonne partie d’intégrales d’opéras, opere serie et surtout opere buffe. C’est par ce biais que l’on connaissait déjà plusieurs des ouvertures (L’Italiana a Londra, L’Armida immaginaria, etc.) qui composent le programme de ce CD, les autres étant, sauf erreur, des premières parutions au disque. La plupart de ces partitions sont exécutées ici d’après les éditions critiques récentes réalisées par le musicologue néo-zélandais Allan Badley (cosignataire des notes d’accompagnement) et publiées par la firme italienne Artaria. Cimarosa s’y révèle sinon un génie, du moins un très grand maître en pleine possession de tous les moyens de son art et dont le style noble et élégant, très proche de celui de Mozart - moments d’extase et zones d’ombre en moins - se caractérise par une inventivité et un raffinement mélodiques et orchestraux hors du commun, même au siècle des Lumières. C’est donc avec impatience que l’on attendra la suite de cette magnifique série ! PMB

Grieg : Peer Gynt Suites, Six Orchestral Songs

Malmö Symphony Orchestra; Bjarte Engeset, dir.

Inger Dam-Jensen, soprano, Palle Knudsen, baryton

Naxos 8.570236 (65 min 45 s)


On trouvera ailleurs des interprétations plus inspirées des deux Suites tirées de la musique pour scène de Peer Gynt. Sous la baguette d’Engerset, les mélodies s’affadissent et l’atmosphère de légende indispensable, faite de nostalgie et de poésie rêveuse, mais aussi d’une sorte de tendre ironie, n’est guère au rendez-vous. Tout cela finit par ressembler à de la musique de village. Le programme vaut beaucoup plus par les œuvres chantées qui suivent. Le baryton Palle Knudsen sait mettre en valeur le premier lied tiré de l’opus 21 de Grieg, Quatre Poèmes de la Fille du pêcheur de Bjørnson, et surtout la ballade populaire du Prisonnier de la montagne op. 32 où l’art du compositeur norvégien pour suggérer l’univers nordique est au mieux. La soprano Dam-Jensen, malgré une voix assez belle, convainc moins dans les Six Chants orchestraux EG 177 que Grieg a réunis à partir de diverses œuvres; on y retrouve entre autres la célèbre Chanson de Solveig et la Berceuse de Solveig tirés de Peer Gynt. AL

Musique de chambre

et solo

Bach : Les suites pour violoncelle

Jean-Guihen Queyras, (violoncelle Gioffredo Cappa, 1696)

Harmonia Mundi 901970.71


Le violoncelliste Jean-Guihen Queyras a interprété les suites de Bach pendant vingt-neuf ans avant de les enregistrer. Il s’en est imprégné, elles sont devenues une part de lui et il nous les livre avec beaucoup d’enthousiasme et de vitalité. C’est avec une grande humilité devant l’œuvre grandiose de Bach qu’il nous découvre son âme grâce aussi à son violoncelle Gioffredo Cappa de 1696, dans ce magnifique coffret de deux CD et un DVD.

Comme toujours chez Harmonia Mundi, nous avons ici un produit de grande qualité, autant par la perfection de l’enregistrement que la sobriété de la pochette et surtout la virtuosité de l’interprète, ce qui procure au mélomane un réel plaisir d’écoute.

Le visionnement du DVD de la suite numéro 3 est d’un égal bonheur, car il permet d’apprécier les qualités d’interprétation de Queyras et de vibrer avec lui dans cette même énergie qui se dégage de la musique de Bach. Francine Bélanger

Couperin : Pièces de clavecin

Pierre Hantaï, clavecin

Mirare MIR 027 (65 min 49 s)


Applaudi pour ses interprétations de Bach et de Scarlatti, Pierre Hantaï n’avait à ce jour jamais enregistré de musique française en soliste. Il a néanmoins longtemps mûri ce répertoire, notamment en concert, si bien que le disque de François Couperin qu’il offre ici se classe d’emblée parmi les meilleurs. Le secret tient d’abord au choix de l’instrument : un clavecin lyonnais du dix-huitième siècle dont ne subsistait que la caisse et la table d’harmonie, et qui a repris vie récemment grâce à un travail poussé de restauration. Exploitant pleinement ce médium idéal, Pierre Hantaï nous mène de surprise en surprise, sans pourtant forcer le trait. Au contraire, il traite la partition avec sérieux et noblesse et c’est de cette lecture attentive que naît l’émotion. Derrière des titres un peu désuets, qui semblent annoncer de naïfs tableautins, se cachent en effet des pièces au climat souvent trouble : voyez l’élégance rêveuse de la Flore, l’extraordinaire nervosité de l’Anguille ou encore la poignante mélancolie des Vieux Seigneurs, sarabande grave dont les arpèges dissonants se réfugient avec nostalgie dans l’aigu. Pierre Hantaï refuse les intégrales, qui lui semblent fastidieuses, mais proposera semble-t-il un second florilège Couperin, qu’on attend avec joie. Philippe Gervais

Fernandes, Freitas Branco

Alexandre Da Costa, violon; Extramadura Symphony Orchestra; Jesús Amigo, dir.

Atma Classique ACD2 2578 (73 min 45 s)


Il y a deux ans, le même ensemble et le violoniste montréalais Da Costa avaient donné une interprétation des plus intéressantes du Concerto pour violon de Luis de Freitas Branco. Le présent enregistrement de la Symphonie no 2 en si bémol mineur (1926) ne se situe pas à la même hauteur. L’œuvre se laisse écouter, mais elle fourmille de réminiscences de l’idiome symphonique post-romantique (Brahms, Tchaïkovski, Sibelius...) qui dénotent plus de savoir-faire que d’originalité. Le meilleur moment est sans doute le troisième mouvement, une sorte de scherzo délicatement orchestré, mais la coda du dernier mouvement sombre dans le pompiérisme. À quoi il faut ajouter que l’orchestre sonne bien mollement tout au long. Quant au Concerto (1948) de Armando José Fernandes, sans charme ni intérêt, on se demande s’il était nécessaire de l’exhumer tant le prosaïsme de l’écriture et le statisme sont patents. Da Costa lui-même ne semble pas trop y croire, le chef non plus. AL

Jupiter String Quartet

Shostakovich Quartet No. 3, Britten String Quartet No. 2

Marquis Classics MAR 371 (65 m 55 s)


The Jupiter String Quartet is, on paper, a blue-chip young group with all the right credentials to succeed in this remarkably competitive business of chamber music. This release, its debut CD, comes on the heels of a host of prizes and honours: first prize at the 2004 Banff International String Quartet Competition, the Grand Prize at the Fischoff National Chamber Music Competition of the same year, winners of the 2005 Young Concert Artists International Audition, and selection for a residency at Lincoln Center, among others. It’s perhaps appropriate, then, that such a youthful ensemble starts off its professional recording career with the innocent and playful strains of the first movement from Shostakovich’s Third String Quartet; the uncharacteristic simplicity and jollity of it cannot possibly prepare you for the darker and more ominous moods that come later in the piece. Programmatically, the Shostakovich is well paired on the disc with Britten’s Second String Quartet: both pieces were written shortly after WWII and represent the work of two composers who didn’t wish to celebrate the Allied victory in music but, rather, chose to come to terms with the devastation of the war through their art. The Jupiters attack both works with terrific panache and maturity. A feeling of elasticity pervades their performance on this recording, as the ensemble is remarkably sensitive to the extremes in mood achieved by these giants of 20th-century composition. In particular, the sustained, quiet intensity of the massive 20-minute finale of the Britten quartet, Chacony, connects one variation to another, keeping the listener in rapt suspense until the rousing, explosive conclusion. Their Shostakovich won’t replace my Emerson Quartet recording (what can?) in terms of performance or recording quality, but it is still a convincing and successful interpretation, especially for a first release; clearly, the term “rookie” hardly applies to this ensemble. GL

Saint-Saëns: Piano Concertos 2 & 5

Jean-Yves Thibaudet, piano, l’Orchestre de la Suisse romande ; Charles Dutoit, dir.

Decca 475 8764 (66 min 25 s)


Le jeu épidermique, plus brillant que profond, qui caractérise autant le chef Dutoit que le pianiste Thibaudet et qui convient à une certaine musique française de la seconde moitié du XIXe siècle, fait merveille dans le Deuxième et le Cinquième Concertos de Saint-Saëns. C’est un piano bondissant et cabriolant que l’on entend ici. Les difficultés dont sont parsemées les deux partitions sont surmontées avec un brio digital étonnant par Thibaudet, et l’Orchestre de la Suisse romande, fouetté par Dutoit, participe de la fête sonore. Le Deuxième Concerto, enlevé de bout en bout, et dont le troisième mouvement est particulièrement électrisant, convainc cependant plus que le Cinquième dont l’Andante semble un peu statique. Données en supplément et placées entre les deux compositions de Saint-Saëns, les Variations symphoniques de Franck ne trouvent pas l’atmosphère de recueillement nécessaire. Les phrasés gémissants du pianiste ne peuvent être tenus pour un signe de gravité et les quatre dernières minutes de l’œuvre, aux temps beaucoup trop appuyés à l’orchestre, ressemblent à une faute de goût. Prise de son aérée et généreuse. AL

Wilhelm Friedemann Bach : Œuvres pour
clavier, vol. 1

Robert Hill, fortepiano

Naxos 8.556966 (64 min et 21 s)


Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784), l’aîné des fils du grand Jean-Sébastien, était un singulier personnage dont la vie personnelle et la carrière professionnelle furent un désastre, une interminable descente dans l’alcoolisme et la misère. Quant à sa production artistique, aux antipodes de celle de son père, elle est l’œuvre d’un génie, rebelle à toute règle. C’est une musique étrange qui, par (d’assez) longs moments, donne l’impression d’avoir été composée un siècle, voire deux, après l’époque où a vécu le musicien. Les plus fascinantes de ces partitions sont celles qu’il a écrites pour les claviers, car ceux-ci lui permettaient de s’exprimer, en toute liberté, à travers des formes qui n’en étaient guère, comme la polonaise ou la fantaisie. Ce corpus des œuvres pour clavier fait ici l’objet d’une interprétation qui, avec la parution d’une intégrale proposée, pourrait s’avérer définitive. Robert Hill, qui signe aussi des notes d’accompagnement très éclairantes, interprète cette musique (les 12 Polonaises, F.12, la Sonate en ré majeur, F.3 et la Fantaisie en la mineur, F.23) exactement comme elle doit être jouée, « avec authenticité », sans forcer la note muséologique ni verser dans le romantisme ou le post-romantisme, mais comme une musique qui, en un certain sens, est intemporelle. PMB

Scarlatti : Concertos pour flûte

Francis Colpron, flûte à bec; Les Boréades

Atma ACD2 2521 (60 min 06 s)


Francis Colpron est un infatigable découvreur, et surtout un avocat passionné de la restauration de l’œuvre d’Alessandro Scarlatti. Il faut d’abord savoir que la musique instrumentale de Scarlatti demeure en majorité non éditée. Colpron assume donc seul la corvée (mais peut-on qualifier ainsi un travail si beau et si intellectuellement nourrissant ?) de déchiffrer de vieux microfilms, ou de vieilles partitions déchirées, tachées, entremêlées, dans le seul but de redonner vie à des chefs-d’œuvre qui ne méritent ni l’oubli ni l’ignorance. Le résultat est un corpus comme celui présenté sur ce très bel enregistrement (la prise de son est particulièrement pleine et vibrante). Cinq concertos pour flûte à bec, une petite sinfonia et une sonate (pour trois flûtes et basse continue) respirent à nouveau avec vigueur et vitalité dans la bouche et sous les doigts de M. Colpron et de ses Boréades. Là où Vivaldi favorise la virtuosité éclatante, Scarlatti préfère la beauté des belles harmonies et le plaisir d’un développement mélodique charmant. Francis Colpron et les Boréades sont de merveilleux complices et leur interprétation pleine de lumière et de fraîcheur rend amplement justice à ces petits bijoux dévoilés ici avec un remarquable éclat. FC


Donizetti : L’Elisir d’Amore

Anna Netrebko, Rolando Villazón, Leo Nucci, Ildebrando D’Arcangelo

Chor und Orchester der Wiener Staatsoper; Alfred Eschwé, dir.

Virgin Classics 00946 363352 9 (DVD: 130 min)


Captée sur le vif en avril 2005, cette production de l’Élixir d’amour est enlevante dans l’ensemble, mais brille surtout par la présence du couple qui nous a déjà donné une inoubliable Traviata. Anna Netrebko incarne une Adina mutine et fraîche qui sait néanmoins, le moment venu, montrer la sincérité de ses sentiments amoureux. La voix est belle et le jeu toujours nuancé prouve qu’il s’agit là d’une véritable cantatrice. Rolando Villazón démontre des qualités de comique, mais peut-être en fait-il trop par moments sans y croire; la candeur de son Nemorino ressemble à la longue à de la stupidité; on s’étonne alors que l’intelligente Adina puisse s’éprendre d’un tel benêt de village. Le charlatan Dulcamara est rendu par un D’Arcangelo en grande forme : son duo endiablé du deuxième acte avec Adina est l’un des meilleurs moments de la production. Seul le vétéran Leo Nucci (Belcore) semble en retrait autant par la voix que par une interprétation quelque peu guindée malgré une présence scénique indéniable. Le décor réaliste et les costumes dans les teintes pastel évoquent une contrée lumineuse et sans drame; orchestre et chef sont à l’écoute des chanteurs. Une réserve : la prise de son est lointaine dans plusieurs solos, y compris Una furtiva lagrima que Villazón a dû bisser. AL

Mozart : Die Zauberflöte

Piotr Beczala, Dorothea Röschmann, Detlef Roth, Matti Salminen, Désirée Rancatore, Gaële Le Roi, Uwe Peper

Orchestre et Chœurs de l’Opéra national de Paris; Ivan Fischer, dir.

TDK DVWW-OPMFP (158 min)


Une Flûte enchantée… enchanteresse ! On n’a pas assez d’yeux pour apprécier toute la richesse des costumes, toutes les effervescences scéniques. En un tour de main peut apparaître une jungle luxuriante peuplée d’animaux sauvages. Une autre fois, c’est la Reine de la Nuit qui surgit du sol et s’envole dans les airs, habillée d’une robe démesurée qui meuble toute la scène. Il y a plein de ces trouvailles visuelles qui tiennent de la magie. Côté chant aussi, nous sommes choyés. Le personnage de Pamina est très bien rendu par Röschmann, une mozartienne accomplie – on se remémorera avec plaisir sa Susanna des Noces de Figaro (DVD Arthaus 100 017). Roth insuffle dynamisme et justesse vocale à son Papageno. Rancatore interprète à merveille le fameux air Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen. Salminen, avec sa superbe voix de basse, brille là comme il le fait dans tant d’autres productions DVD… Question mise en scène et tournage, la référence absolue pour cet opéra demeure l’adaptation d’Ingmar Bergman, de 1975 (DVD Criterion 71), mais le célèbre cinéaste n’avait pas la contrainte du direct, et ses chanteurs - crime de lèse-majesté - s’exprimaient en suédois. Pierre Demers

Verdi : Don Carlos

Ramon Vargas, Iano Tamar, Nadja Michael, Bo Skovhus, Alastair Miles

Orchestra and Chorus of Wiener Staatsoper; Bertrand De Billy, dir.


HHHIII $$$$$

Verdi originally conceived Don Carlos as a French Grand Opera in five acts plus ballet. It premiered at the Paris Opera in March 1867. In 1866, Verdi had already made a number of cuts because of its length, and further cuts were authorized during rehearsals. An Italian translation, with further changes, was first performed as Don Carlo later at Covent Garden, followed by a complete version in Italian given in Bologna. Today, the Italian version is the more popular, but occasionally it is sung in French, with the Fontainebleau Scene tagged on. The original uncut five-act French version with ballet, lasting over five hours, is hardly ever revived. This DVD is unique in that it is said to be note-complete.

So for Don Carlos purists, is this the version to get? Originally conceived by Peter Konwitschny for Hamburg, it later travelled to Barcelona and Vienna, where this performance was taped. The set consists of a white box with low doors on all three sides, essentially devoid of props, except for a tiny tree religiously cared for by the Friar. Act Four opens with Philip lying on some bedding on the floor, with Eboli. She stays onstage throughout his “Elle ne m’aime pas” and the subsequent scene with the Grand Inquisitor. These unusual twists are nothing compared to the ballet sequence. There’s no dancing, just a comedy routine billed as “Eboli’s Dream” in which Eboli and Carlos are married and give a dinner party for Phillip and Elizabeth. Eboli burns the dinner so Carlos orders take-out from Posa’s Pizza, delivered by Rodrigo. The nadir is reached during the auto-dafé, which started in the opera house lobby where widescreen TVs were set up, complete with commentator and paparazzi. Heretics were brought in through the front entrance and led onstage, as were Philip, Elizabeth, Eboli, and Rodrigo. Is this Verdi? I don’t think so.

It is a shame that the stage direction hijacked an essentially fine performance. The orchestra under the stylish baton of Bertrand de Billy sounds great. Honours go to Ramon Vargas as a vocally impeccable Carlos. Bass Alistair Miles has all the stately bearing necessary for Philip. The other principals are also quite good. Georgian soprano Iano Tamar impresses with her dark, rich voice, lacking only the necessary high piano. Soprano Nadja Michael pushes her slender voice fearlessly as a glamorous Eboli – her timbre in this mezzo role is lighter than Elizabeth’s! Baritone Bo Skovhus (Rodrigo) is almost unrecognizable in his getup, and his singing is a little uneven. Only Korean bass Simon Yang falls short vocally and dramatically as the Grand Inquisitor. If there has ever been a DVD release that cries out for a documentary with interviews of the creative team, this is it - I’d love to hear Konwitschny’s explanation of his “concept.” The verdict? If you are into extreme Regietheater, you will be amused. On the other hand, if you don’t like staging not intended by the composer, this version is to be avoided. JKS


Harmonie des sphères. Clé universelle. 10 $.


Les notions d’intervalles et de construction de la gamme diatonique sont souvent mal assimilées par les étudiants. Si tous sont généralement à l’aise avec les permutations d’intervalles et les tétracordes en gamme de do, les difficultés se multiplient de façon exponentielle quand on aborde les gammes avec des armures plus complexes. Cette clé universelle, mise en espace par Sylvain Lalonde – difficile de parler réellement d’une invention puisque les douze demi-tons de l’octave ont toujours été connus –, permet de clarifier nombre de ces hésitations. En positionnant le cercle supérieur sur la tonique d’une gamme, on peut ainsi retrouver en un instant les six autres notes qui la constituent. En se référant aux intervalles sur le tour du disque, on a aussi immédiatement accès aux secondes, tierces, sixtes majeures ainsi qu’aux quartes et quintes justes. On regrettera par contre que l’on n’ait pas songé pour le moment à inclure un disque qui permettrait de retrouver les notes des gammes mineures et que l’on nomme une sixte une sixième. L’objet est sinon essentiel, du moins tout à fait convivial. Nous attendrons avec curiosité la méthode de solfège qui devrait suivre. Lucie Renaud

(c) La Scena Musicale