Jazz
March 31, 2007
Écrans sonores : Le documentaire musical
à l’heure du numérique
Marc Chénard
Dans le numéro de fin 2006 de
ce périodique, cette section était consacrée, en bonne partie, à
la série Jazz Icons, une documentation visuelle inédite de
valeur historique appréciable. Par ailleurs, nous nous sommes penchés
dans les derniers mois sur l’objet-disque, en évoquant d’abord
son glorieux passé, puis son présent marqué d’incertitudes de toutes
sortes.
Mais de tous les changements survenus
dans le domaine de l’enregistrement durant les trente à vingt dernières
années, ce sont les supports visuels qui ont pris le plus d’ampleur
sur la place publique. Désormais, le digital versatile disc
(DVD) est roi et maître, faisant mordre la poussière à la cassette
VHS qui, comme certains s’en rappelleront, avait elle-même consigné
sa concurrente Beta aux oubliettes. Pourtant, il aura fallu attendre
près de 20 ans après l’introduction du numérique pour que cette
technologie s’applique à l’image. Chose intéressante, ce passage
a été accepté très rapidement, ce qui ne fut pas le cas avec le
CD, qui, à ses débuts, était bien loin de faire l’unanimité et
continue toujours d’avoir ses détracteurs.
Trois portraits
Support visuel et auditif de fine
pointe, le DVD a donc ce double avantage de rapprocher le mélomane
du son ainsi que de la performance. Bien sûr, il y a les captations
de concerts qui nous font revivre l’événement, mais il y a aussi
le documentaire qui permet d’en apprendre davantage sur les créateurs.
Depuis plusieurs années déjà,
le Festival international des films sur l’art (FIFA) inscrit
à son programme un volet musique, qui regroupe plusieurs genres, dont
le jazz. Par le passé, les amateurs se retrouvaient, par exemple, pour
découvrir Cecil Taylor au grand écran de la Cinémathèque, ou être
témoin du premier concert électrique de Miles Davis. Pour cette nouvelle
édition du festival, sa vingt-cinquième, la cuvée s’avère des
plus intéressantes.
En effet, trois documentaires ont
été sélectionnés : deux sur des pianistes (et pas n’importe lesquels),
le dernier sur une percussionniste. Le premier de ceux-ci, intitulé
The Art of the Improviser, est un portrait du renommé Keith
Jarrett. Mis sur le marché en 2004 (et recensé d’ailleurs dans
ces pages par le collègue Collard), cette réalisation du cinéaste
britannique Mike Dibb est, du point de vue cinématographique, une production
solide. En 84 minutes, on découvre le monde de ce jazzman qui, dès
les premières minutes, affirme : « Je suis devenu musicien de jazz
à cause de la musique classique. » Sa carrière est méticuleusement
retracée : ses débuts de jeune prodige, qui donna son premier concert
à huit ans ; son arrivée au jazz (avec des films d’archives intéressants
des années 60 et 70) ; son ascension au zénith après avoir scellé
son pacte avec l’étiquette ECM et le producteur Manfred Eicher ; enfin,
la maladie qui l’a écarté de la scène au milieu des années 90.
Ses fanas connaissent sans doute cette production, mais pour les autres,
il faut souligner le fait qu’elle nous offre de multiples points de
vues. Jarrett a plus que son mot à dire, évidemment, et on entend
les questions de l’intervieweur (toujours pertinentes), mais d’autres
intervenants témoignent aussi, ses accompagnateurs actuels Gary Peacock
et Jack de Johnette en tête de liste, son premier gérant (George Avakian),
l’actuel (Steve Cloud), son promoteur japonais (Toshinori Koinuma),
son frère Scott, sa femme, bref, tous ses proches. Pourtant, on n’entend
ni journalistes, ni critiques (mais peut-on s’en étonner, le musicien
ayant posé ses conditions avant de donner son aval au projet ?). Notons
enfin que le DVD contient un segment de plus de vingt minutes d’un
concert au Japon et des supppléments d’entrevues, qui ne seront pas
montrés en salle.
De l’Amérique, passons maintenant
au Vieux Continent, cette Europe qui, elle, a accordé les lettres de
noblesse au jazz bien avant sa terre natale. Parmi ces pays, la petite
Confédération hélvétique est l’une des terres d’élection de
la modernité jazzistique, particulièrement dans sa partie germanique.
Musicienne nationale pour ainsi dire, la pianiste Irène Schweizer
fait aussi l’objet d’un très bon documentaire éponyme, film réalisé
par une compatriote, Gita Gsell. De ses débuts dans des ensembles de
jazz d’allégeance hard bop des années soixante, Schweizer a plongé
dans la musique free européenne des années 60, sous l’impulsion
de Cecil Taylor (qui, fait étrange, n’est nullement mentionné dans
ses propos). Tourné en 2003 et 2004, ce film d’une durée de 75 minutes,
remonte dans le temps jusqu’à son premier contact avec la musique,
ses parents étant tenanciers d’un hôtel jumelé d’une salle de
spectacle à Schaffhausen, jusqu’à un périple en Afrique du Sud
avec un compagnon musical de longue date, le batteur Louis Moholo. Le
tout est agrémenté de conversations avec la musicienne (en Schwyzerdütsch,
mais ne craignez rien, il y aura des sous-titres français à la projection),
les producteurs de la maison de disque Intakt (Patrik Landolt and Rosemarie
Meier), ses acolytes musiciens, tels Joëlle Léandre, Han Bennink,
le susdit M. Moholo, et le producteur du festival de jazz de Willisau,
Nikolaus Troxler, etc. Pour les mordus aussi, le DVD contient plus de
trente minutes d’un splendide concert en duo avec M. Bennink et un
autre segment de vingt minutes avec Hamid Drake et Fred Anderson (voir
chronique de l’enregistrement sonore sur la page suivante).
Dernier document de ce triumvirat,
Queen of Percussion est un portrait de la percussionniste danoise
Marilyn Mazur, réalisé par Christian Braad Thomasen. Peut-être
moins connu du grand public, elle fait pourtant partie de l’ensemble
régulier de Jan Garbarek depuis 15 ans et s’est fait remarquer aux
côtés de Miles Davis dans les années 80, par exemple en dansant sur
scène en frappant un de ses tambours (vu dans un extrait d’archives).
On la voit en concert avec son ensemble tout feu tout femmes (Percussion
Paradise), et aussi avec son autre formation (Future Song). La dame
a le verbe bien facile, comme on le constatera dans le segment où elle
fait le tour de son arsenal d’instruments entassés dans sa demeure,
mais on a aussi droit à de brèves interventions de son mari, le bassiste
Klas Hovman, et de Garbarek. Si vous connaissez le danois, tant mieux,
mais les autres pourront quand même suivre les sous-titres offerts
en langue anglaise. Avis à ceux et celles qui s’intéressent au tam-tam,
72 minutes, tambours battants.
n
Voir calendrier Jazz +
en page 24 pour la date, l’heure et le lieu
de projection de ces films.
A Springtime Breath of Fresh Musical
Air
Paul Serralheiro
The 7th annual Jazz
en Rafale series, a mini-festival celebrating established and emerging
talent in Quebec and beyond, will run from the 15th
to the 24th of this month at the Espace Dell’ Arte. Co-presented
by Jazz Services and the Effendi Label under the artistic direction
of the label’s co-president Alain Bédard, this event juxtaposes veterans
like Michel Donato, Jean-Pierre Zanella and Yves Léveillé with up-and-comers
in the field, eleven of whom are given the spotlight in a competition
testing their creative efforts. The winner earns free studio time and
a first professional CD release.
Last year’s winners, the NDE
Quartet from Sherbrooke, will perform and launch their debut release
the first night. Of their winning the contest last year, Sébastien
Beaulieu has said that “the jazz milieu is not easy. Contests like
this one help a lot, creating the chance for groups to make themselves
known.” Bédard, for his part, avers that “everyone liked
the demo the band first sent in, with a good reading of the standard,
Invitation, and interesting original compositions to boot” While
the originals are probably the most creative aspect of the contest,
the standards, as Bédard opines, give “a common point of reference
for the groups, so we can readily evaluate the characteristics of each
contestant.”
Although the winner’s disc is
produced by the label, Bédard stresses the difference between it and
Jazz Services is that the latter is a non-profit organization that promotes
the talent presented at this event, regardless of label affiliations.
“We never got grants in the past because everyone always thought there
was a conflict of interests between the label and the event, so we’ve
continued without them, but each year we have had groups who had no
connection to the company.” The only sponsorship comes in the form
of a small grant from the Conseil des arts de Montréal for the shows
of Toronto bassist Roberto Occhipinti and local pianist Julie Lamontagne.
While “some groups get grants from their end,” Bédard still hopes
that “for next year, Jazz Services can get more funding and integrate
a wider range of artists into the concert series.”
Other highlights of the event will
include the launch of a new disc by Michel Donato and his European friends
and a collaboration by the Effendi Jazz Lab and saxophonist-composer
François Théberge. “There’s a focus on Québécois musicians,”
Bedard avows, “but we’re always looking for a way to establish links
with musicians from outside.” Aside form Donato’s European cohorts,
this year’s series includes musicians from Brazil, Japan, Cuba and
Toronto. But he is quick to reiterate the main emphasis: the showcasing
of younger musicians: “There’s lots of talent out there, and our
goal is to bring that new generation along.” n
For schedule of events: See calendar
Jazz + on page 24
(Pour l’horaire complet des spectacles
de la série Jazz en Rafale,
voir le calendrier Jazz + en p. 24)
au rayon du disque
Marc Chénard, Charles Collard, Félix-Antoine
Hamel, Paul Serralheiro
Irene Schweizer Fred Anderson Hamid
Drake: Willisau & Taktlos (Live)
Intakt CD104
MMMMPP
Les notes de cet enregistrement
récent sur l’excellente maison de disques hélvétique Intakt établissent
une analogie entre l’improvisation et la consommation alimentaire.
Ainsi, les bons improvisateurs ne doivent pas juste arriver à table
affamés, mais aussi avec de quoi se sustenter. Ici, nous sommes en
présence d’une pianiste, née en 1941, d’un saxophoniste né en
1929 et d’un jeunot, un percussioniste né en 1955. Figure emblématique
du jazz suisse depuis plus de 40 ans, Dame Irène est douée d’un
incomparable savoir pianistique qui fait écho à ses racines (du hard
bop jusqu’au free jazz, dans le sillage de Cecil Taylor, bien sûr),
mais aussi à une passion pour la musique kwela de l’Afrique du Sud.
Quand elle n’est pas au clavier, elle s’adonne à la batterie, ce
qui explique son jeu très percussif, faisant d’elle une partenaire
idéale pour les batteurs. Et lorsqu’il s’agit de l’un des grands
batteurs de notre temps, comme Hamid Drake, les étincelles ne peuvent
que gicler. C’est ce qui se passe dans la première des quatre plages
de ce recueil, un duo de 21 minutes qui pétille d’une complicité
exemplaire. Après cette excursion en direct au festival Taktlos, le
duo revient à la charge pour 50 minutes de plus, cette fois-ci avec
le vétéran ténor Fred Anderson. Musicien free, sans être
un hurleur, le saxo est somme toute assez conservateur dans son jeu,
gravitant autour d’un centre tonal, et n’excédant jamais les limites
normales de son instrument. De ce fait, il impose à ses partenaires
un certain ambitus, ce qui rend cette musique libertaire éminemment
accessible à ceux pour qui cette musique pose problème. Rien
de tel ici, car la générosité de ces artistes vous fera, sans
aucun doute, danser dans votre tête. MC
Myra Melford: The Image of Your Body
Cryptogramophone CG 131
MMMMPP
Inscrite à ses débuts dans la
mouvance du jazz post-free new-yorkais des années 80, la pianiste Myra
Melford a enrichi sa palette sonore de certaines musiques du monde.
D’une part, on perçoit celle de l’Inde (apprise durant un séjour
à Calcutta dans les années 90, où elle a étudié, entre autres,
l’harmonium), d’autre part, celles des Balkans et du Maghreb. Avec
cet ensemble de dix compositions pour quintette gravées en 2003, Melford
se place dans un univers éloigné du jazz libertaire américain, et
c’est peut-être grâce à la perspicacité de Jeff Gauthier, patron
du label Cryptogramophone, que ce disque est disponible. En début de
programme, Equal Grace vient opportunément rappeler les talents
de cette compositrice et enseignante qui réside à Berkely en Californie
depuis 2003. La trompette envoûtante de Cuong Vu (un nom à retenir)
mêle ses accents à l’harmonium dans une dérive « electro-organique »
placée sous le signe de l’Europe de l’Est. L’album offre plusieurs
solos de longue haleine avec des boucles de guitare planante, voire
d’ombrageuses rêveries de jazz fusion qui ne laissent pourtant pas
de vive impression. La plage-titre, en revanche, respire un air exotique
convaincant, alors que le banjo de Brandon Ross réussit vraiment à
sonner comme un oud. Soulignons la pièce Be Bread, qui donne
son nom à ce quintette, et dont le thème en forme de raga est soutenu
par une rythmique qui danse, assurée par le bassiste électrique Stomu
Takeishi et le batteur Elliot Humberto Kavee. On appréciera pour les
ambiances souvent mystérieuses, mais cette offrande pèche aussi par
certaines longueurs. CC
Mainstreams and Tributaries:
Honouring past Masters
Bennie Wallace: Disorder at the Border
(The Music of Coleman Hawkins)
Enja Jenj 3327-2P
MMMMPP
William Parker and the Little Huey
Creative Music Orchestra:
For Percy Heath
Victo CD102
MMMMPP
Bennie Wallace, a saxophonist from the
American south who entered the scene in the 1970s, brings to his sound
much that’s axiomatic about jazz. At once free-playing and traditional
with commercial appeal, a dedicated tenorman and composer, this horn
player gives the reins of inspiration over to the spirit of Coleman
Hawkins. What’s more, he comes to this project with a good 30 years
of pro playing under his belt. The angularity and flow that Wallace
is known for are perfectly suited to a tribute to the father of tenor
sax, with a representative sampling of two Hawkins originals, (one of
these being the title of this recording), two standards and one spiritual
associated with “Hawk,” or “Bean”, his Swing Era nickname. Swing-era
sampling though it may be, this stuff gets lifted off the pages of history
in fresh arrangements by Anthony Wilson and Wallace in a “little big
band” setting. Between the carousing brassy bookends that open and
close the disk (the title track and Joshua Fought the Battle
of Jericho respectively), we get nuanced offerings, including “Body
and Soul,” (of course), which Wallace renders with sensitivity and
spirit, respecting the terms of the tune’s title in its reconstitution
of this tribute album’s dedicatee.
An unlikely connection is suggested here
by this latest offering from bassist William Parker and his fourteen-man
Little Huey Orchestra. True, the free jazz bassist may well seem remotely
connected to the bebop master and ground-keeper of the Modern Jazz Quartet,
but the band leader’s laconic notes to a 2005 Victoriaville performance,
barely a month after Heath’s death at 81, inform us that the connection
is a personal one. In it, Parker mentions having met the late bassist
on two occasions and received important words of encouragement. Parker
— a creative wellspring to some and a relative unknown to most —
was told by an elder to “keep playing your music.” As
can be expected, Parker’s drive and inventiveness are impressive and
he brings everyone on board along with him in this four-part tribute
simply called For Percy Heath, Parts 1,2,3,4. The swing, the
melodic flow and form are organic, coherent, and firmly anchored in
the blues-drenched tone of the leader’s throbbing lines. The Little
Huey Orchestra (an improvising big band named after a Bronx poet who
died at 17) brings lots of talent to the table with results that are
as uplifting as they are elegiac. PS
Damian Nisenson + Jean Félix Mailloux
+ Pierre Tanguay : Muzika
Malasartes Musique mam 001 (distribution
DAME)
MMMMPP
Curieux parcours que celui du saxophoniste
Damian Nisenson: argentin, il a également habité en Suisse et est
Montréalais depuis quelques années; musicien féru de jazz et de musiques
actuelles, il bénéficia aussi d’une formation de comédien, de clown
et d’acrobate, en plus de ses études en histoire, en journalisme
et en psychologie ! Accompagné du contrebassiste Jean Félix Mailloux
et de l’omniprésent Pierre Tanguay à la batterie, il interprète
ici huit thèmes originaux plus une pièce traditionnelle, révélant
une forte influence de la musique klezmer, est-européenne (Druse
Dubke), ainsi que de lointains échos du tango (Paspire).
La parenté de pièces comme Hanne
et Ojos rojos avec les compositons de John Zorn pour Masada est
inévitable, et pourtant le trio leur insuffle une vie propre. La sonorité
de Nisenson est chaude et généreuse, aussi bien à l’alto et au
ténor qu’au sopranino; son solo sur Carne de mia perna est
l’un des meilleurs moments de cet excellent disque. FAH
Classiques du
free?
Cecil Taylor Unit :
The Eighth
hatOLOGY 622
MMMMMP
John Carter & Bobby Bradford’s
New Art Jazz Ensemble : Seeking
hatOLOGY 620
MMMMMP
Cecil Taylor n’a plus besoin de présentation.
En 1981, lorsque The Eighth fut enregistré, le pianiste bénéficiait
d’un Unit au zénith : en plus du fidèle saxophoniste Jimmy Lyons,
on y retrouvait deux représentants de la nouvelle génération : le
batteur Rashid Bakr et le contrebassiste William Parker, qui devait
passer la décennie suivante auprès de Taylor. Après une courte introduction
en forme de chant incantatoire, le quartette construit peu à peu une
pièce de près de soixante minutes (Calling It The 8th)
selon les principes chers à Taylor : déconstruction du matériel thématique;
solos aériens de Lyons, véritable Charlie Parker post-moderne; épisodes
pianistiques frénétiques; dialogue continu avec contrebasse et batterie;
et... très peu de temps morts ! La performance se termine sur un rappel
de dix minutes (Calling It The 9th), d’une
intensité égale, sinon supérieure, à la pièce de résistance. Classique
? Indubitablement.
John Carter a toujours fait figure de
grand oublié: devant sa discographie peu fournie, on ne peut que se
réjouir de cette (seconde) réédition de l’un de ses premiers albums,
enregistré en 1969 pour l’étiquette californienne Revelation. Beaucoup
seront tentés d’écarter ce quartette du revers de la main pour de
« l’ornette-colemanite » aigüe, mais ce serait se priver d’un
enregistrement majeur et splendide. La clarinette, instrument auquel
Carter allait se dévouer exclusivement par après, ne se fait entendre
que sur le sautillant Sticks and Stones, l’un de ses meilleurs
solos sur disque; ailleurs, on l’entend à la flûte, au ténor et
à l’alto (notamment sur le très beau Karen On Monday). Le
trompettiste Bradford se montre un partenaire idéal et la section rythmique
(le bassiste Tom Williamson et le batteur Bruz Freeman) est alerte et
ouverte. Au risque d’utiliser un cliché, disons qu’il s’agit
d’un disque à (re)découvrir de toute urgence. FAH
Florian Weber Jeff Denson Ziv Ravitz
: Minsarah
Enja/Justin Time Jenj 3305-2
MMMMPP
D’après les photos dans le livret
de ce disque, nous avons le plaisir de découvrir trois musiciens assez
jeunes, mais pas pour autant inexpérimentés. Le pianiste Florian Weber,
qui signe quatre des onze titres de cette surface de 55 minutes, a du
Jarrett dans les doigts (et même son tic de chantonner en même temps),
mais échappe aussi à cette influence (surtout dans une version fringante
de ESP de Wayne Shorter ou son Lunatic en fin de programme);
par ailleurs, il emploie aussi du kalimba des boucles pré-enregistrées
et souffle même dans une bouteille de rhum. Ses acolytes, Jeff Denson
(basse) et Ziv Ravitz (batterie), lui vont comme un gant. Ensemble,
ces messieurs font du piano trio jazz bien de notre temps, lyrique à
plus d’un endroit, mais aussi un brin audacieux, (par exemple le morceau
Shift, le plus exploratoire du disque). Félicitons-les aussi pour
leur concision (seule une plage dépasse les sept minutes), d’où
un meilleur impact dans leur présentation musicale. Avis aux amateurs
de piano : vous n’en sortirez pas déçus. MC |
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